視覚芸術

アートにおける「形」の定義

の定義を描いたイラスト

イラストはグレイス・キム。ソートカンパニー





用語 形 アートではいくつかの異なることを意味します。 形 7つのうちの1つです 芸術の要素 空間内の 3 次元オブジェクトを意味します。あ 正式な分析 芸術作品の要素と原則が、それらの意味や鑑賞者に呼び起こす可能性のある感情や思考とは無関係に、芸術作品の要素と原則がどのように組み合わされるかを説明します。ついに、 形 金属彫刻、油絵などのように、アートワークの物理的性質を説明するためにも使用されます。

という言葉と合わせて使うと 美術 のように アートフォーム 、それはまた、芸術として認められた芸術的表現の媒体、またはそれを芸術のレベルにまで高めるほど巧妙に、または創造的に行われた型にはまらない媒体を意味することもあります.



アートの要素

フォームは、芸術家が芸術作品を構成するために使用する視覚的ツールである芸術の 7 つの要素の 1 つです。また、形には、ラインを含み、 形 、値、色、 テクスチャー 、 と スペース .アートの要素として、 形 長さ、幅、高さを持ち、ボリュームを内包する立体的なものを暗示します。 形 、2 次元またはフラットです。フォームは 3 次元の形状であり、形状と同様に、幾何学的または有機的なものにすることができます。

幾何学的形態 球、立方体、角錐、円錐、円柱などの基本的な幾何学的形状と同様に、数学的で正確で、名前を付けることができる形状です。円は 3 次元の球体になり、正方形は立方体になり、三角形はピラミッドまたは円錐になります。



幾何学的形状は、建築物や構築環境で最もよく見られますが、惑星や泡の球体、雪片の結晶パターンなどにも見られます。

有機的な形 自由に流れる、曲がりくねった、しなやかで、対称的ではない、または簡単に測定または名前が付けられないものです.それらは、花、枝、葉、水たまり、雲、動物、人物などの形のように、自然の中で最も頻繁に発生しますが、スペインの建築家の大胆で空想的な建物にも見られます. アントニ・ガウディ （1852年から1926年）だけでなく、多くの彫刻でも。

彫刻のフォルム

造形は立体芸術であり、伝統的にほとんど主に造形で構成されており、色と質感は従属的であるため、造形は彫刻と最も密接に結びついています。立体的なフォルムは複数の面から見ることができます。伝統的に、彫刻と呼ばれる形はあらゆる面から見ることができました インザラウンド 、または 安心 、彫刻された要素が無地の背景に取り付けられたままのもの。 浅浮き彫り 、 スキンレリーフ 、 と 沈んだレリーフ .歴史的に、彫刻は英雄や神を称えるために誰かに似せて作られました。

20世紀は彫刻の意味を広げ、開いた形と閉じた形の概念を告げ、その意味は今日も拡大し続けています.彫刻はもはや、石から彫られた、またはブロンズからモデル化された不透明な固い塊を備えた、単なる具象的、静的、静止した形ではありません.今日の彫刻は、有名な芸術家の作品のように、抽象的であったり、さまざまなオブジェクトから組み立てられたり、動的であったり、時間とともに変化したり、光やホログラムなどの型にはまらない素材で作られている場合があります。 ジェームズ・タレル .



彫刻は、閉じた形または開いた形として相対的に特徴付けられる場合があります。あ クローズドフォーム 従来のソリッドな不透明な塊の形に似た感触があります。もしそれでも スペース フォーム内に存在する場合、それらは含まれ、制限されます。クローズドフォームは、周囲の空間から隔離されたフォーム自体に内向きの焦点を当てています。アン フォームを開く 透明でその構造を明らかにしているため、周囲の空間とより流動的でダイナミックな関係を持っています。ネガティブ スペースは、オープン フォームの彫刻の主要な構成要素であり、活性化する力です。 パブロ・ピカソ (1881 年から 1973 年)、アレクサンダー カルダー (1898 年から 1976 年)、フリオ ゴンザレス (1876 年から 1942 年) は、ワイヤーやその他の素材で作られたオープン フォームの彫刻を作成したアーティストです。

ヘンリー・ムーア (1898 ～ 1986 年) は、同時代のバーバラ・ヘップワース (1903 ～ 1975 年) とともに、英国の現代美術における最も重要な 2 人の彫刻家であり、どちらも彫刻に革命をもたらしました。彼らのバイオモーフィック (バイオ = 生命、モルフィック = フォーム) 彫刻。彼女は 1931 年にそうし、彼は 1932 年にそうし、空間でさえ形を持つことができ、穴は固体の塊と同じくらい形の意味を持つことができることに注目しました。



ドローイングとペインティングにおけるフォーム

ドローイングとペインティングでは、光と影の使用、および値とトーンのレンダリングを通じて、立体的な形の錯覚が伝えられます。形状はオブジェクトの外側の輪郭によって定義されます。これは、オブジェクトを最初に認識して意味を理解し始める方法ですが、光、値、および影は、オブジェクトに形状と空間内のコンテキストを与えて、オブジェクトを完全に識別できるようにするのに役立ちます.

たとえば、球体に単一の光源があると仮定すると、ハイライトは光源が直接当たった場所です。ミッドトーンは、光が直接当たらない球の中間値です。コア シャドウは、光がまったく当たらない球上の領域であり、球の最も暗い部分です。キャスト シャドウは、オブジェクトによって光がブロックされている周囲のサーフェス上の領域です。反射ハイライトは、周囲のオブジェクトやサーフェスからオブジェクトに反射される光です。光と影に関するこれらのガイドラインを念頭に置いて、単純な形状を描いたりペイントしたりして、3 次元の形の錯覚を作り出すことができます。



コントラストの値が大きいほど、立体的なフォルムが際立ちます。値の変動がほとんどないフォームは、変動とコントラストが大きいフォームよりもフラットに見えます。

歴史的に、絵画は形と空間の平面的な表現から、形と空間の立体的な表現、そして抽象へと進歩してきました。エジプトの絵画は平らで、人間の形は正面に描かれていますが、頭と足は横に描かれています。現実的な形の錯覚は、遠近法の発見とともにルネッサンスになるまで発生しませんでした。カラヴァッジョ (1571 ～ 1610 年) などのバロック芸術家は、光と闇の強いコントラストであるキアロスクーロを使用して、空間、光、および空間の 3 次元体験の性質をさらに探求しました。人間の形の描写はよりダイナミックになり、明暗法と縮み率が形に立体感と重量感を与え、ドラマの強力な感覚を生み出しました。モダニズムはアーティストを解放し、より抽象的にフォームを操作できるようにしました。ピカソなどの芸術家は、 キュービズム 、空間と時間の移動を暗示するためにフォームを分割しました。



アートワークの分析

芸術作品を分析する場合、正式な分析はその内容や文脈の分析とは別のものです。正式な分析とは、芸術の要素と原則を適用して作品を視覚的に分析することを意味します。正式な分析は、内容、作品の本質、意味、およびアーティストの意図を強化するのに役立つ構成上の決定を明らかにするだけでなく、歴史的背景に関する手がかりを与えることができます.

たとえば、最も永続的なものから呼び起こされる謎、畏怖、超越の感情。 ルネッサンス などの名作 モナリザ (レオナルド・ダ・ヴィンチ、1517年)、 アダムの創造 （ミケランジェロ、1512）、 最後の晩餐 (レオナルド ダ ヴィンチ、1498 年) は、線、色、空間、形、コントラスト、強調などの正式な構成要素や原則とは異なり、芸術家が絵画を作成するために使用し、その意味、効果、および時代を超越した品質。

リソースと参考資料

教師向けのリソース

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