だまし絵とは何ですか?

T 目を壊す ペイントされたオブジェクトをリアルかつ立体的に見せる絵画技法です。この用語自体は 1800 年代に登場しましたが、古代に出現して以来、建築やファッションの領域にまで発展しました。興味深い歴史、手法、目的について詳しく知るために読み続けてください。 錯視 芸術の歴史の中で。知っておくべきことはすべてここにあります。

だまし絵: 芸術における目の錯覚の歴史

錯視 絵画の要素が見る人の目の中で生き生きと見えるような錯覚を生み出す芸術的な方法です。 錯視 はフランス語で次のように訳されます。 目を欺き、 それはその本質を説明しています。最も初期の実装は、 錯視 芸術においては古代ギリシャとローマを指します。家の壁に描かれているフレスコ画は、 ポンペイとヘルクラネウム 何世紀にもわたって灰の中に埋もれていたこの建物には、窓とアーチが描かれており、視覚的に空間を拡大していました。

錯視 本質的には、優れた技術と正確さを必要とする装飾的な手法であり続けています。それでも、すべての写実的な絵画が「絵画」と呼べるわけではありません。 錯視 。の核心部分は、 錯視 これは欺瞞の意図であり、見る人を混乱させ、存在しない物体や空間に手を伸ばさせようとする意図的な試みです。

19 世紀になると、より多くの芸術家が光学効果を実験し始めました。 幻想 。印象派のように、それらの中には、新しい見方を解き明かし、新しい視点を発見することを目的とした人もいます。写真の発明後、多くの画家は、最新のテクノロジーに匹敵するのではなく、感情や気分など、自分たちには手に入らないものに焦点を当てることができると考えました。しかし、他のアーティストは最大限のリアリズムを目指し、テクノロジーではなく自然そのものと競合しました。

カタルーニャの芸術家ペレ・ボレル・デル・カソは肖像画家として成功したが、それでも彼の一連の作品で有名になった。 錯視 絵画。彼のキャンバスでは、くすくす笑う女の子が鑑賞者に指を指し、男の子は額縁から絵を逃れます。ボレルは当時としては優れた芸術家であったにもかかわらず、美術史の本で言及されることはめったにありません。その理由は、彼の作品が来客を楽しませ、リビングルームで会話を促すために作られた奇妙な装飾品だったからかもしれません。これらの絵画の実際的な娯楽目的は、ボレルの時代の概念的で実験的な芸術運動からそれらを分離しました。

マニエリスムと幻想

中世になると、幻想芸術は人気を失いました。中世の芸術はほとんどが 2 次元であり、空間の写実的な描写にはほとんど関心がありませんでした。まだ、 錯視 16 世紀に、と呼ばれる芸術運動とともに復活しました。 マニエリスム 。美術史家の中には、マニエリスムを独立した現象とは考えず、後に続くバロック芸術の一部として認識している人もいます。それでも、マニエリスムは視覚効果、表情豊かなジェスチャー、不可解な構図、そして大胆な実験がすべてでした。有名でありながら、 ジュゼッペ・アルチンボルド 果物、野菜、魚介類に絵を描いて肖像画を構築した人もいれば、建築形式や彫刻の模倣に没頭した人もいた。

最も一般的な例は、 錯視 マニエリスムと バロック 時代は教会で見つけることができます。芸術家たちは、より高い天井と空に届くドーム、天使と聖母マリアが上から見ているという幻想を作り出しました。目を欺く芸術は神聖な空間から別荘や大邸宅に移り、ホストはかつて存在しなかった隠し通路、彫刻、アーチでゲストを驚かせました。このようなトリックは単なるファッショナブルな装飾ではなく、ステータスの象徴であり、エンターテイメントの要素でもありました。

しかし、多くの芸術家や理論家は批判した 錯視 絵画は、実際ではないものとして見せようとするためのものです。彼らにとって、そのような模倣は皮肉な冗談ではなく、実際の、しかしひどく組織化された欺瞞であり、芸術的虚栄心の無駄な行為でした。最も一般的だが見落とされている用途の 1 つ 錯視 劇場セットのデザインでした。ステージの背景は強制遠近法を使用して、小さな空間を広大な野原、海、緑豊かな庭園に変えました。

現代芸術家と欺瞞の芸術

練り上げた上で バロック 装飾は時代遅れになり、 錯視 消えなかった。かなりの期間、それは絵画作品や信じられないほど写実的な静物画の中に模倣された木や大理石の質感の形で存在していました。 19 世紀にはすべてが根本的に変わりました。工業的な大量生産の発展に伴い、メーカー間の競争は前例のないものになりました。広告は顧客をブランドに引き付ける主な方法となりました。 錯視 パッケージデザインで大人気となっています。

新世代のアーティストもまた、 錯視 、しかしその理由はエンターテイメントやマーケティングとは異なりました。精神医学の発展により、人々は曖昧で潜在意識にある疑わしいものに焦点を当てるようになりました。 錯視 人間の精神が生み出す幻想を探求するのに最適な方法でした。

錯視 の間で絶大な人気がありました キュビスト そしてシュルレアリストたち。キュビズムの初期には、 ジョルジュ・ブラック パブロ・ピカソは紙と木を模倣して構図を作りました。すぐに彼らはさらに一歩前進し、解釈によっては後退し、実際の新聞の切り抜き、布地、家具を導入しました。

シュルレアリストたちはさらに前進しました。好きなアーティストもいますが、 サルバドール・ダリ 使用済み 錯視 彼らの作品における目の錯覚、その他、 ルネ・マグリット 、視覚的な欺瞞のアイデアをさらに発展させました。マグリットは、描かれた像はそれが描いている対象と同等ではなく、それを模倣しているだけであるため、それ自体が欺瞞的であると信じていました。

ファッションとだまし絵

ビジュアルアートと建築の領域での地位を確立した後、 錯視 ファッションデザインへの道を見つけました。オートクチュールの偉大な先駆者であるエルザ スキャパレリは、衣服のデザインに幻想を取り入れることを最初に考えたデザイナーでした。 1927 年、スキャパレリはネックラインにリボンが付いたスポーツ セーターをデザインしましたが、それは生地に縫い付けられておらず、生地に直接編み込まれていました。スキャパレリのあいまいで独創的なファッションへの長年の関心とは別に、この決定にはより現実的な目的がありました。

この発明の数年前、ヴォーグ誌は、スポーツファッションが現代女性のよりアクティブなライフスタイルにとって実用的であるため、パリのファッション市場の4分の3を占めていると報じた。スキャパレッリの目標は、快適さと実用性を損なうことなく、スポーツウェアをエレガントにすることでした。スキャパレリに雇われたアルメニア人女性のグループは、伝統的な手編み技術を使用してセーターを作りました。スキャパレリが自分の作品を宣伝する方法は、自分自身がそれを着ることでした。そこで彼女は新しいボウタイセーターを着てディナーパーティーに出席すると、すぐに注文が相次いだ。

近年、メゾン スキャパレリ ファッション ハウスは、50 年以上の沈黙を経て大規模な復活を遂げました。ブランドのクリエイティブ ディレクターであるダニエル ローズベリーは、エルサ スキャパレリの作品を直接模倣することを避けながら、エルサ スキャパレリの遺産を新しい時代に復活させることを目指しました。それでも、ローズベリーがデザインしたコレクションの 1 つは、彼のバージョンの 錯視 リボンセーター。

エルザ・スキャパレリの発明以来、多くのことが変わりました。 錯視 パターンは以前のように大衆に衝撃を与えません。長年にわたり、 錯視 ファッションにおいてはデザインの定番の1つになりました。最も人気のある錯視は、伝説的な人物の作品に見られる、衣服ではなく裸体の錯視です。 デザイナー ヴィヴィアン・ウエストウッドやジャンポール・ゴルチエなど。実際、ゴルチエは、単に彼の作品を複製する以上のことを行いました。 錯視 身体。彼は、鮮やかな色のドットのパターンからシルエットを構築し、奥行きとボリュームの錯覚を生み出しました。彼の 1995 年秋冬コレクションは、服装にテクノロジーを導入し、サイバーパンクの未来の架空のアマゾンを表現しました。

現代美術におけるだまし絵

コンセプトやアイデアは変化しても、 錯視 さまざまな形をとりながらアートシーンに存在し続けました。そのうちの 1 つは次の場所にあります。 ポップアート 、特にスウェーデン系アメリカ人の彫刻家の作品に クレス・オルデンバーグ 。オルデンバーグは、石膏や安価な住宅用塗料などの食べられない素材から、ハンバーガー、ペストリー、サンドイッチのコピーを作成しました。一見すると、彫刻はおいしそうに見えますが、少し調べてみると、 がっかりする そして見る者を困惑させます。

近年では、 錯視 再びギャラリーや美術館の支持を失いましたが、新たな領域を見出しました。金と権力に支えられた階層的なアートの世界とは対照的に、 ストリートアート かなり民主的で歓迎的な分野です。 錯視 ロンドンの巨大な陥没穴や、壁画の形をしたよりエレガントなもののように、街路で見つかる芸術作品はドラマチックで人目を引くものもあります。有名な ストリートアーティストJR よく使う 錯視 彼の巨大なコラージュや壁画では、現実を拡大し、歪めています。