9 回 アートにインスパイアされたファッション デザイナーの歴史

ジャンニ・ヴェルサーチの「ウォーホル・マリリン」ガウンを着たリンダ・エヴァンジェリスタ、1991年。 1965年秋冬コレクションのイヴ・サンローランのモンドリアンドレス。アレキサンダー マックイーンのリゾート コレクションのドレス、2013 年

歴史を通じて、ファッションとアートは密接に結びつき、素晴らしいミックスを生み出してきました。多くのファッション デザイナーは、アート ムーブメントからアイデアを取り入れてコレクションを作成しており、ファッションをアートの一形態として解釈することができます。主に、アートはアイデアやビジョンを表現するのに役立ちます。芸術の歴史への絶妙な頌歌として、以下は先見の明のあるファッション デザイナーによって考案された 9 つのウェアラブル アート作品です。20世紀。

マドレーヌ・ヴィオネ: 古代史に影響を与えたファッションデザイナー

サモトラケの有翼の勝利 、紀元前2世紀、パリのルーブル美術館経由

1876年フランス中北部生まれ。 マダム・ヴィオネ ドレスメーカーの建築家として知られていました。ローマ滞在中、彼女はギリシャとローマ文明の芸術と文化に魅了され、古代の女神と彫像に触発されました。これらのアートワークに基づいて、彼女は自分のスタイルの美学を形作り、ギリシャの彫刻と建築の要素を組み合わせて、女性の身体に新しい次元を与えました.彼女のマスタースキルで ドレープとバイアスカットのドレス 、彼女は現代のファッションに革命をもたらしました。ヴィオネットはしばしば次のような芸術作品に目を向けました サモトラケの有翼の勝利 彼女のクリエイティブなコレクションのために。

の傑作との類似性ヘレニズムアートとヴィオネのミューズ 印象的です。ギリシャのキトン様式の生地の深いドレープは、図の下に流れる垂直方向の光の帯を作成します。この彫刻は、ナイキへのオマージュとして作成されました。 ギリシャの女神 リアルな動きの描写に定評がある。 Vionnet のデザインの流れるようなドレープは、Nike の体にまとわりつくうねる生地の動きに似ています。ドレスは、体と同じように魂を持った生き物のようです。以下のような サモトラケの有翼の勝利 、ヴィオネは人間を目覚めさせるドレスを作成しました。美的哲学とデザイン哲学の両方としての古典主義は、ヴィオネットに幾何学的な調和で彼女のビジョンを伝える能力を提供しました.

Madeleine Vionnetによる浅浮き彫りのフリーズドレス 、コンデナスト経由で1931年にフランスのヴォーグのためにジョージ・ホイニンゲン・ヒューネによって撮影されました

ヴィオネは、次のような現代美術運動にも魅了されました。 キュービズム .彼女は組み込み始めました 彼女の作品への幾何学的形状 バイアスカットと呼ばれる別のカット方法を開発しました。もちろん、ヴィオネットはバイアス カットを発明したとは決して主張していませんが、 用途拡大 . 20 世紀初頭、女性が権利を求める戦いで大きな進歩を遂げたとき、Vionnet は女性の日用品から長続きするビクトリア朝のコルセットを廃止することで、女性の自由を擁護しました。したがって、彼女は女性の象徴になりました ビスチェの締め付けからの解放 、 と代わりに、新しい軽量生地を発売しました。女性の体に浮かんでいます。

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バレンチノとヒエロニムス・ボス

ヒエロニムス・ボスの快楽の園 、1490 – 1500、マドリッドのプラド美術館経由

ヴァレンティノのメインデザイナーはピエールパオロ・ピッチョーリ。中世の宗教美術品彼に大いに訴えます。彼のインスピレーションの出発点は、中世から北方ルネッサンスへの過渡期です。彼はザンドラ ローズと協力し、2017 年春に刺激的なコレクションをデザインしました。ピッチョーリは、70 年代後半のパンク カルチャーをヒューマニズムや中世の芸術と結び付けたいと考えていました。 彼に戻る ルーツとルネサンス、インスピレーションを見つける ヒエロニムス・ボス ペインティング 快楽の楽園 .

有名なオランダの画家は、最も注目すべき人物の一人でした 北方ルネサンスの代表 16世紀の間。の 快楽の園 ボッシュが宗教改革の前に描いたもので、アーティストは天国と人類の創造、アダムとイブとの最初の誘惑、そして罪人を予期した地獄を描きたかったのです。中央のパネルでは、人々は快楽を求める世界で食欲を満たしているように見えます。ボッシュの図像は、その独創性と官能性で際立っています。絵全体が罪の寓意として解釈されます。

パリ ファッション ウィーク期間中のヴァレンティノ春夏 2017 ファッション ショーで滑走路のモデル 、2016年、パリ、Getty Images経由

の中に ファッション業界 、さまざまなファッションデザイナーがそのモチーフに魅了されたため、この絵は人気を博しました。時代と美学を融合させ、ピッチョーリが再解釈 ボッシュのシンボル 浮遊する薄手のガウンを通して、ロードスはロマンチックなプリントと刺繍パターンを作成し、オリジナルのアートワークに微妙なうなずきを加えました.色は間違いなく、ファッション デザイナーが伝えたいメッセージの一部でした。このように、浮遊する夢のようなドレスのコレクションは、アップル グリーン、ペール ピンク、ロビン エッグ ブルーのノーザン カラー パレットに基づいています。

ドルチェ＆ガッバーナとピーター・パウル・ルーベンスのバロック

鏡の前のヴィーナス ピーター・パウル・ルーベンス 、1615年、ウィーンのリヒテンシュタインの王室コレクション経由。と ニマ・ベナティが撮影した2020年秋冬のドルチェ＆ガッバーナ ファッション コレクション 、ニマ・ベナティのウェブサイト経由

ピーター・パウル・ルーベンス 女性を巧みに描いた」 愛と学問と勤勉さをもって .」彼は彼の 鏡の前のヴィーナス 究極の美の象徴として。ルーベンスは、浅黒い肌の女中とは対照的に、彼女の色白と明るい髪を例外的に描写しました。の 鏡は究極の美の象徴 は、人物の裸を微妙に強調しながら、肖像画のように女性をフレーミングします。キューピッドが女神のために掲げた鏡は、性欲の表れとして金星の反射を明らかにします。の創始者の一人であるルーベンスは、 バロック美術 、およびラインよりも色が重要であるという彼のコンセプトは、ドルチェ＆ガッバーナを含むいくつかのファッションデザイナーに影響を与えました. の バロック様式 の精神から逸脱した ルネッサンス 安らぎや滑らかさを捨て、優雅さ、躍動感、躍動感を追求しました。

ピーテル・パウル・ルーベンスの「たっぷりと抱きしめる平和」 、1634年、ニューヘブンのイェール・ブリティッシュ・アート・センター経由。と ニマ・ベナティが撮影した2020年秋冬のドルチェ＆ガッバーナ ファッション コレクション 、ニマ・ベナティのウェブサイト経由

ファッションデザイナードメニコ・ドルチェとステファノ・ガッバーナ 女性の美しさの官能的でロマンチックな側面を称賛するキャンペーンを作成したかった.ピーター・パウル・ルーベンスは、最も適切なインスピレーションの源でした。象徴的なデュオの作品は、フランダースの画家の芸術と見事に調和するようになりました。このコレクションでは、ルーベンスの絵画から飛び出したかのように、モデルが気高くポーズをとっています。風景は、バロック様式の鏡と刺繍のディテールを思い起こさせるようにデザインされました。フィギュアの優雅さとパステルカラーの配色が、ブロケードピンクのドレスを完璧に際立たせていました.ファッションデザイナーが多様なモデルを含めることを選択したことで、その時代の体型がさらに促進されました.ドルチェとガッバーナが使用した曲線的なラインは、ファッション業界におけるさまざまな体型の差別に反するものでした.

ピーター・パウル・ルーベンスによるオーストリアのアンの肖像 、1621-25、アムステルダム国立美術館経由。と 2012 年秋、ドルチェ & ガッバーナのランウェイでモデルのルセット ヴァン ビーク 、ヴィットリオ・ズニーノ・セロット撮影、ゲッティイメージズ経由

Dolce and Gabbana の 2012 年秋のレディース コレクションには、イタリアのバロック建築の多くの特徴が見られます。このコレクションは、 シチリアのバロック様式 .ファッション デザイナーは、シチリアのカトリック教会に見られるようなバロック建築に注目しました。基準点はルーベンスの絵 オーストリアのアンの肖像 .彼女の中 王室の肖像 、オーストリアのアンはスペインのファッションを着て表現されています。アンズ 黒いガウンが飾られています 、グリーンの刺繍とゴールドのディテールの縦縞。として知られているベル型スリーブ スペインのグレートスリーブ ラッフルレースの襟と同様に、スペインスタイルのシグネチャーでもあります.レースやブロケードなどの高級テキスタイルで作られた巧みにデザインされたドレスやケープは、ドルチェ＆ガッバーナのショーを席巻しました。

アートとファッションの歴史: エル・グレコのマニエリスムとクリストバル・バレンシアガ

エル・グレコのフェルナンド・ニーノ・デ・ゲバラ (ドメニコス・テオトコプロス)、1600年、メット・ミュージアム経由、ニューヨーク

クリストファー・バレンシアガ 20世紀の女性ファッションを革新した真のファッションマスターと言えます。スペインの小さな村に生まれた彼は、スペイン美術史のエッセンスを現代的なデザインに移しました。彼のキャリアを通じて、バレンシアガは、 スペインのルネッサンス .彼はしばしばスペインの王族や聖職者にインスピレーションを求めました。バレンシアガは、その時代の聖職者の服や修道服を着用可能なファッションの傑作に変えました.

彼の偉大なインスピレーションの 1 つは、ドミニコス テオトコプロスとしても知られるマニエリスム エル グレコでした。見つめている エル・グレコ フェルナンド・ニノ・デ・ゲバラ枢機卿 、 カーディナルのケープとバレンシアガのデザインは似ています。この絵は、トレドでエル グレコ時代のスペインの枢機卿、フェルナンド ニーニョ デ ゲバラを描いています。エル グレコのアイデアは、イタリア ルネッサンスのネオプラトニズムから派生したものであり、この肖像画では、 枢機卿を神の恵みの象徴として提示する .マニエリスムは絵全体に存在します。それは、小さな頭を持つ細長い姿、優雅だが奇妙な手足、強烈な色、古典的な尺度とプロポーションの拒絶に顕著です。

赤いイブニングコートを着たモデル クリストバル バレンシアガ、パリ ファッション ウィーク、1954-55 年、Google Arts and Culture 経由

バレンシアガの歴史的な服への情熱は、1954 年の彼のコレクションからのこの贅沢なイブニング コートで明らかです。彼にはビジョンと能力があった 形状を現代的なファッションに再発明する .このコートの誇張されたステートメントカラーは、枢機卿のマントのだぶだぶを再現しています。枢機卿の衣服の赤い色は、血と、信仰のために死にたいという彼の意志を象徴しています。大胆な色の組み合わせと明るい色合いを好むことが多かったため、有名なデザイナーは鮮やかな赤色を並外れたものと見なしていました。彼の偉大なイノベーションは、ウエストラインをなくし、滑らかなライン、シンプルなカット、七分袖を導入したことです.これにより、バレンシアガは女性のファッションに革命をもたらしました。

デザイナーはまた、女性がジュエリーを誇示できるブレスレットの長さの袖を導入しました. 1960 年代の間、 労働産業への女性の漸進的な導入 バレンシアガは、彼が服を着る女性に快適さ、自由、そして機能性を与えるという考えを持っていました.彼は当時のタイトフィットのシルエットとは対照的に、ルーズで快適なドレスを宣伝しました.

アレクサンダー・マックイーンとグスタフ・クリムトの象徴主義

グスタフ・クリムトによるフルフィルメント 、1905年、MAK経由 – ウィーン応用美術館。と アレキサンダー マックイーンのリゾート コレクションのドレス 、2013年、Vogue Magazine経由

オーストリアの画家、巨匠 象徴主義 、ウィーンの創設者 離脱 動き、 グスタフ・クリムト 20世紀の美術史を刻んだ。彼の絵画と芸術的美学は長い間、 ファッションデザイナーのインスピレーション .アキラーノ リモルディ、ローレン スコット、クリスチャン ディオールなどの中でも、クリムトを直接参照したデザイナーはアレクサンダー マックイーンでした。 2013年春夏コレクションのリゾートコレクションでは、 画家の作品にインスパイアされたようなユニークな作品 .流れるような黒いドレスの上に金のパターンが繰り返されているのを見ると、特定の絵が頭に浮かぶかもしれません.マックイーンは、ブロンズとゴールドのトーンで抽象的、幾何学的、モザイク パターンを採用し、それらをデザインに取り入れました。

1905 年、グスタフ クリムトが描いた フルフィルメント 、愛の象徴となった、優しい抱擁に包まれたカップルの表現。オーストリアの画家は、黄金の絵画だけでなく、これらの作品に存在する抽象と色の完璧なブレンドでも有名です。すべてのモザイクは、ファッションに大きな影響を与えた万華鏡や自然由来の装飾が施された豊かな黄金色をしています。この絵は、2 人の恋人の衣服の幾何学的な形が対照的であるため、鮮やかです。男性の衣服には黒、白、灰色の正方形が含まれ、女性のドレスには楕円形の円と花のモチーフが飾られています.そのように、クリムトは見事に 男らしさと女らしさの違いを示す .

クリスチャン・ディオール、 の 夢のデザイナー、 そしてクロード・モネの 印象派の絵画

クロード・モネのジヴェルニーの芸術家の庭 、1900年、装飾美術館経由、パリ

の創設者 印象派 美術史における最も偉大なフランスの画家の一人であり、 クロード・モネ 芸術的な大作を残した。モネは、ジヴェルニーの自宅と庭からインスピレーションを得て、自然の風景を絵画に取り入れました。具体的には、 ジヴェルニーの芸術家の庭、 彼は自分のニーズに合わせて自然の景観を操作することに成功しました。花の鮮やかな色と茶色の泥道のコントラストが景色を引き立てます。有名な印象派の画家は、明るい太陽の効果を与える紫色のアイリスの花をよく選びました。花が咲き、春を抱きしめているように、この絵は生命に満ちています。バラとライラック、アヤメ、ジャスミンの花びらは、白いキャンバスに描かれたカラフルな楽園の一部です。

クリスチャン ディオール オートクチュールによるミス ディオール ドレス 、1949年、装飾美術館経由、パリ

同じ精神で、 クリスチャン・ディオール フレンチ クチュールのパイオニアであり、ファッション界に大きな足跡を残しました。 1949 年、彼は春夏シーズンのオートクチュール コレクションをデザインしました。その展覧会のハイライトの 1 つは、象徴的なものでした。 ミス ディオール ピンクとバイオレットのさまざまな色合いの花びらが全体に刺繍されたガウン。ディオールは、アートとファッションの 2 つの世界を完璧に描写し、モネの美学をこの機能的なドレスに模倣しました。彼は田舎で多くの時間を過ごし、彼のコレクションを家に描いていました。 グランビルの庭 、モネがしたように。そのように、彼は エレガントな「ディオール」スタイルを定義 、モネのカラーパレットと花柄を彼の作品に取り入れています。

イヴ・サンローラン、モンドリアン、デ・ステイル

ピエト モンドリアンの赤、青、黄のコンポジション、 1930年、クンストハウス・チューリッヒ美術館経由。と イヴ・サンローランのモンドリアンドレス 、1965年秋冬コレクション、メット・ミュージアム、ニューヨーク

モンドリアンは、20 世紀に抽象芸術を描いた最初のアーティストの 1 人です。 1872 年にオランダで生まれた彼は、 スタイル .運動の目標は、 現代アートと生活を融合 .ネオプラティシズムとしても知られるこのスタイルは、幾何学的原理と、赤、青、黄色などの原色のみをニュートラル (黒、灰色、白) と組み合わせた抽象芸術の一形態でした。 1900 年代初頭のモンドリアンの革新的なスタイルにより、ファッション デザイナーはこの純粋なタイプの抽象芸術を複製しました。デ・ステイルの絵画の最良の例は、 赤青と黄のコンポジション .

芸術を愛するフランス人ファッション デザイナーのイヴ・サンローランは、モンドリアンの絵画をオートクチュール作品に取り入れました。彼が最初にモンドリアンに触発されたのは、母親がクリスマスに彼にくれた芸術家の人生についての本を読んだときでした。

イヴ・サンローラン近代美術館のモンドリアンドレス、 1966年、カーンアカデミー経由

イヴ・サンローランは次のようにも言っています。 「モンドリアンは純潔であり、絵画ではそれ以上進むことはできません。 20世紀の最高傑作はモンドリアン。

デザイナーは、1965 年秋のコレクションでモンドリアンへの感謝の気持ちを示しました。 モンドリアン コレクション .画家の幾何学的な線と大胆な色に触発され、彼は 6 つのカクテル ドレスを発表しました。 彼の象徴的なスタイルをマーク そして60年代全般。それぞれの モンドリアンドレス 少しずつ異なりますが、シンプルなAラインの形と、あらゆる体型を引き立てるノースリーブの膝丈が共通していました.

エルザ・スキャパレリとサルバドール・ダリ

サルバドール・ダリのオーケストラの皮を腕に抱えた3人の若いシュールレアリスムの女性 、1936年、フロリダ州セントピーターズバーグのダリ美術館経由

1890年、ローマを拠点とする貴族の家に生まれ、 エルザ・スキャパレリ すぐにファッション界への愛を表明しました。彼女は未来派にインスパイアされた革命的なスタイルを開発し始め、 ダダイスト 、 と シュルレアリスム .彼女のキャリアが進むにつれて、彼女は 接続済み サルバドール・ダリ、マン・レイなどの有名なシュールレアリストやダダイストと マルセル・デュシャン 、ジャン・コクトー。彼女はスペインのアーティスト、サルバドール・ダリともコラボレーションしました。彼の美学とシュルレアリスムの不条理は、ダリを最も有名な画家にしました。 シュルレアリスム運動 .

エルザ・スキャパレリとサルバドール・ダリによる涙のドレス 、1938年、ヴィクトリア＆アルバート博物館経由、ロンドン

最高の1つ コラボレーション ファッションの歴史では、ダリとエルザ スキャパレリのそれでした。このガウンは、 サルバドール・ダリ 、1938 年の夏のスキャパレリのサーカス コレクションの一部として。このドレスは、肉が引き裂かれた女性を描いたダリの絵画を参考にしています。

サルバドール・ダリとエルザ・スキャパレリの写真 、1949年頃、ダリ美術館経由

シュルレアリスムのアーティストにとって、 理想の女性探しは失敗する運命だった 、理想は彼らの想像の中にのみ存在し、現実には存在しなかったからです。しかし、ダリの意図はそうではありませんでした 女性を描く 現実的に、彼らの体は審美的にまったく満足していません。スキャパレリは、体を隠したり露出させたりするこの遊びを実験して、脆弱性と露出の錯覚を与えたいと考えていました. ティア・イリュージョン・ドレス 淡いブルーのシルククレープで作られ、プリントはダリが彼の絵に登場する3人の女性に似せてデザインされました.裂け目から生地の裏側がピンク色に染まり、穴の部分から濃いピンク色が現れます。

ファッション デザイナーとポップ アート: ジャンニ ヴェルサーチとアンディ ウォーホル

アンディ・ウォーホルのマリリン・ディプティク 、1962年、テート経由、ロンドン

の ポップアート 時代はおそらく芸術の歴史の中でファッションデザイナーやアーティストにとって最も影響力のある時代でした. アンディ・ウォーホル ポップカルチャーとハイファッションの融合を開拓し、彼をアイコニックにした ポップアート運動の象徴 . 60 年代にウォーホルは、シルク スクリーン印刷として知られる彼の代表的な技法を実践し始めました。

彼の最も初期の、間違いなく最も有名な作品の 1 つは、 マリリン・ディプティク .このアートワークのために、彼はポップ カルチャーだけでなく、芸術の歴史や抽象表現主義の画家からもインスピレーションを得ました。ウォーホル 二つの世界を捉えた マリリー・モンロー、ハリウッドスターの公的生活、そしてうつ病と中毒に苦しんでいたノーマ・ジーンの悲劇的な現実。ディプティクは左側で活気を強め、右側では闇とあいまいさへと消えていきます。への試みで 消費主義と物質主義の社会を提示する 、彼は個人を人間ではなく製品として描写しました。

ジャンニ・ヴェルサーチの「ウォーホル・マリリン」ガウンを着たリンダ・エヴァンジェリスタ 、1991年

イタリア人デザイナーのジャンニ・ヴェルサーチは、 長く続く友情 アンディ・ウォーホルと。両方の男性は大衆文化に魅了されました.ウォーホルを記念して、ヴェルサーチは 1991 年春夏コレクションをウォーホルに捧げました。ドレスの 1 つは、ウォーホルのマリリン モンローのプリントが特徴でした。彼は、1960 年代に生まれたマリリンとジェームス ディーンの鮮やかな色のシルク スクリーンの肖像画をスカートやマキシ ドレスに取り入れました。