アートとファッション: 女性のスタイルを進化させた 9 つの有名な絵画のドレス

マダムXの肖像 ジョン・シンガー・サージェント作、1883～84年（左）。と ミュージシャン タマラ・デ・レンピッカ作、1929年（中央）。と 交響曲第1番 白衣の少女 ジェームズ・マクニール・ウィスラー作、1862年（右）

これらの女性にとって、富、性格、政治的/社会的立場からのすべてが、これらの絵に基づいて誰であるかを示すものになりました.彼らがそれを知っているかどうかにかかわらず、彼らはファッショントレンドに影響を与え、憤慨した批評家を怒らせ、周りの世界に自分自身を提示するためにファッションを使用しました.以下は、有名なドレスを描いた 9 枚の絵画です。 ルネサンスから現代へ .

有名なドレスを描いたルネッサンス絵画

の ルネッサンス 文化的および芸術的な再活性化の時代でした。 古典主義はヨーロッパ社会で革命的な復活を遂げた .ただし、この時期にはファッションにも大きな変化が見られました。ルネッサンス期の有名な絵画のドレスがファッションにどのような影響を与えたかを見てみましょう。

アルノルフィーニの肖像 (1434) ヤン・ファン・エイク著

アルノルフィーニの肖像 ヤン・ファン・エイク 、1434年、ナショナル・ギャラリー経由、ロンドン

ヤン・ファン・エイク の アルノルフィーニの結婚式の肖像画 肖像画の生地の研究の定番です。 Van Eyck の技法は想像力をかき立てるものを何も残していません。ファブリックをペイントする彼のアプローチは、現実的で 3 次元の体験を生み出すからです。裕福な顧客だけが上の写真の生地を買う余裕があったため、彼女のウールの衣服とエルミンの裏地付きの袖の宝石のようなエメラルドグリーンは、家族の地位を示しています.

ウール、シルク、ベルベット、毛皮は、綿やリネンに比べて希少で生産コストが高く、どれだけ買えるかを示すステータス シンボルでした。また、ガウンを作成するために何ヤードもの生地を購入する余裕があったことを示しているため、夫の富も表示されます。絵をめぐって最も議論されている問題の 1 つは、描かれている女性 (おそらくアルノルフィーニの妻) が妊娠しているかどうかです。ルネッサンス時代のスカートはとても重く、女性は動きやすいようにスカートを持ち上げていました。

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ベリー公爵の非常に豊かな時間 エイプリル リンブール・ブラザーズ 、1412-16、シャンティリーのコンデ美術館、ワシントンD.C.のウェブギャラリー経由（左）。と ベリー公のとても豊かな時間 エデンの園 によって リンブルグ兄弟 、1411-16、コンデ美術館、シャンティリー、ワシントンDCのウェブギャラリー経由（右）

彼女のガウンに追加された官能的な折り目は、結婚中に子供を妊娠するという希望を示したため、曲線的な胴体を持つ女性を描く傾向も明らかにしています.これの別の例は、リンブール兄弟の ベリー公爵の非常に豊かな時間. 両方の画像で、女性はより丸い腹で描かれています。左の画像は結婚式を描いたもので、アルノルフィーニの肖像画に匹敵するもので、両方の女性が妊娠を期待して母性のイメージを投影しています。現代的なレンズでこの絵を見なくても、これは女性が何を着ていたか、そして人々が他の人に明らかにすることが重要だったことの記録として見ることができます.

バロックとロココの絵画

の バロックとロココ 期間は、精巧な装飾、退廃、遊び心によって特徴付けられます。これらの傾向は、芸術だけでなく、複雑な装飾や豪華なガウンを通じてファッションにも見られました.アートワークにインスパイアされた有名なドレスのいくつかをご覧ください。

エリザベス・クラーク・フリーク（ジョン・フリーク夫人）と ベイビー・メアリー (1674)

エリザベス・クラーク・フリーク（ジョン・フリーク夫人） と ベイビー・メアリー 未知のアーティストによる 、1674年、ウスター美術館

この未知の芸術家の細部へのこだわりと衣服へのこだわりが、この絵を人生の重要な記録にしています。 ニューイングランドピューリタンズ .この画像では、エリザベスは 1600 年代のアメリカの高級生地とアクセサリーで着飾っています。彼女の白いレースの襟は、貴族の女性の間で人気のあるヨーロッパのレースを示しています.彼女のドレスから覗くのは、金色の刺繍が施されたベルベットのアンダースカートで、袖にはリボンが飾られています。彼女は真珠のネックレス、金の指輪、ガーネットのブレスレットのジュエリーで飾られています.この絵は、エリザベスとその家族のピューリタンの生活をユニークに描いています。

アーティストは、控えめな設定の中で彼らの富のイメージをブレンドすることができます.この絵は、エリザベスが最高の衣服と宝石を身に着けることを選択したときの富を明確に示しています。また、これらの贅沢品を買う余裕があり、この肖像画と彼自身の肖像画を注文することができたのは、夫のジョン・フリークの富を反映しています。この絵はまた、神への感謝のピューリタンの態度を表しています。神の祝福がなければ、彼らはこれらの贅沢をすることができないからです。

スイング (1767) ジャン・オノレ・フラゴナール作

スイング ジャン・オノレ・フラゴナール 、1767年、ウォレス・コレクション経由、ロンドン

ジャン・オノレ・フラゴナール の スイング フランスの貴族界におけるロココ様式の一例です。この絵は、フランスの廷臣がフラゴナールに彼自身と彼の愛人のこの絵を作成するよう依頼した私的な依頼でした。この絵は密室に置かれていましたが、フランス王室の豪華さ、軽薄さ、そして秘密主義の性質を明らかにしています。

パステル ピンクのドレスは、緑豊かな庭園の中で際立っており、作品の中心となっています。フラゴナールは、ゆったりとしたブラシ ストロークでドレスを描き、ドレスのスカートとフリルのボディスをエミュレートします。彼のゆったりとした筆遣いは、コケティッシュで気まぐれなイメージに満ちたこの牧歌的な庭園のシーンの主題と一致しています。コルセットのくびれ、バッスル、女性の衣服の囲いのすべてで、何もない場所は女性のスカートの裾でした.フラゴナールはこれを有利に利用し、女性が完璧な場所でスイングして、恋人がスカートを見上げることができるように描写しました.民間委員会は、フラゴナールが彼の主題を実験することを許可し、視聴者が法廷で最も裕福な人々の生活がどのようなものであったかを明らかにすることを可能にしました.

フレンチ ドレス、18 世紀フランスのガウン 、 1770年、ニューヨークのメトロポリタン美術館経由

彼の絵はまた、フランスの宮廷におけるファッションのトレンドを示しています。ロココは、ファッション、アート、建築を超越し、フランス独自のものを生み出しました。ロココのファッションには、パステルカラーのシルク、ベルベット、レース、花柄など、最も豪華な生地が含まれていました.また、法廷で注目を集めるための外観を作成するために、過剰な量の弓、宝石、フリル、および装飾的な装飾品が含まれていました.貴族は上質な織物や装飾品の贅沢品を手に入れることができたので、スタイルは貧乏人と金持ちの違いを定義しました.このようなロココ様式の装飾品を身に着けている女性にとって、この絵は革命前のフランス王室の縮図です。

19世紀の絵画の有名なドレス

19 世紀には、 ネオクラシズム 初期のモダニズムに移行し、スタイルや学派に取って代わられました。今世紀はファッションにも変化が見られました。絵画が以前よりも著しく現代的な有名なドレスやスタイルの導入にどのように影響したかを読んでください.

交響曲第1番 白衣の少女 (1862) ジェームズ・マクニール・ウィスラー

交響曲第1番 白衣の少女 ジェームズ・マクニール・ウィスラー 、1862年、ナショナル・ギャラリー経由、ワシントンD.C.

芸術のための芸術がつながった 交響曲第1番 白衣の少女 なので ジェームズ・マクニール・ウィスラー 絵に精神的な意味を持たせようとした。しかし、描かれている女性はジョアンナ・ヒファーナン（当時の彼の愛人）であるため、批評家はそれをこのように見なしませんでした。さらに重要なことは、ウィスラーがヒッファーナンを描くために選んだ衣服が、このドレスを彼の他の絵画の中で際立たせた.

この肖像画は、ホイッスラーが女性の純白のドレスを描いたため、当時スキャンダラスでした。 1800 年代、女性の服装にはしばしば クリノリンケージ スカートを浮かせておくためのスチール製のアンダースカート。女性はまた、より広いスカートを作成できるように、他の多くの下着の中でコルセットを着用しました.

白い服を着た女性は、当時の立派な服装の基準とは正反対です.彼女のティー ガウンは、簡単に脱ぐことができるので、夫 (または恋人) だけが見ることが許される衣服です。それは私的に着るデイドレスであり、1900年代初頭まで日常着として人気が高まることはありませんでした.

ウィスラーにとって、彼のミューズは、目を楽しませる全体的なシーンの一部になることを意図していました。彼はヒファーナンを見たときの姿を描いたが、当時の視聴者にとって、この絵は紛らわしく、少し下品でした。

ミス・ロイドの肖像 (1876) と 7月：肖像画の見本 (1878) ジェームズ・ティソ

ミス・ロイドの肖像 ジェームズ・ティソ 、1876年、ロンドンのテート経由（左）。と 7月：肖像画の見本 ジェームズ・ティソ 、1878年、クリーブランド美術館経由（右）

ジェームズ・ティソ 1800 年代後半の女性のファッションを描いた数多くの絵画を制作しました。彼はヨーロッパのファッションに先んじており、最新のファッショントレンドを題材に描いたことで有名です。 1800 年代後半、パリとロンドンの若い女性の間で女性のファッションが変わり始めました。ビクトリア朝の前任者の広くて重いスカートは、より狭いスカートと後部の完全なバッスルに置き換えられました.この特定のドレスを際立たせているのは、ティソが彼の絵画でそれを継続的に使用していることです.ティソは彼の別の絵でそれを使用しています HMSカルカッタのギャラリー（ポーツマス） 3つすべてで、彼はそれをまったく異なる文脈で使用しています。

左のミス・ロイドは、社会で着古されそうなドレスを着ています。このドレスは、タイトなウエストと砂時計の姿が彼女のドレスによって強調されているため、当時流行していたでしょう.彼女のドレスの直線は、右の肖像画とは異なり、彼女のポーズの硬直性も示しています.

右は、夏の間、親密な環境で見られるキャスリーン・ニュートン (当時の彼の仲間) の肖像画です。最初の肖像画と比較して、彼がドレスを描写する方法に関するすべてが、だるさと魅惑性を醸し出しています。ニュートンはソファでくつろいでいるのが見られ、彼女のドレスは乱れて元に戻されているように見えます.彼女のスカートはソファの上で自由になびき、さまざまなリボンや留め具が外されています。

どちらの女性も、それぞれ独特の魅力と謎を抱えています。ドレス自体は、当時の大衆文化の違いを表しています。 1 つは伝統的で慣習的なもので、もう 1 つは露骨に親密でありながら 1800 年代の視聴者にとってスキャンダラスなものです。

マダムXの肖像 (1883) ジョン・シンガー・サージェント

マダムXの肖像 ジョン・シンガー・サージェント 、1883-84年、メトロポリタン美術館経由、ニューヨーク

誰が前に立っても マダムX 彼女の肖像画の身長と輝きに驚かされます。 ジョン・シンガー・サージェント 彼の時代には受け入れられなかった女性のイメージを作成しましたが、彼の最も有名で尊敬される絵画の1つになりました.フランスの上流社会に溶け込んだアメリカの美人、マダム・ピエール・ゴートローの肖像画です。それは、ジョン・シンガー・サージェント自身がパリを離れてロンドンに行かなければならないほどのスキャンダルを引き起こしました。

彼女に似たドレスは衣装として、またはパーティーのために着用されたでしょうが、日常社会では着用されませんでした.このドレスをとてもスキャンダラスにする特定の詳細があります.彼女のコルセットは、腹部の下半分に向かって非常に尖っています.鋭く急落した V ネックラインとビーズのストラップは、彼女の肩をかろうじて覆っており、女性の親密な部分と見なされていた部分を露出しているため、公の場で披露するのは不適切です。

イブニングドレス オシュデ・ルブールがデザインした 、1885年、メトロポリタン美術館経由、ニューヨーク

サージェントが 1884 年のパリのサロンにこの絵を提出した後、批評家や視聴者の間で激怒が起こりました。同級生の既婚女性が公の場でそのような挑発的な方法で見られることは論争を巻き起こしました。サロンの視聴者には、彼女が実際のドレスではなく下着を着ているように見えました.その絵は夫人に損害を与えました。ゴートローの評判は、人々が彼女の肖像画をわいせつな性格を反映していると見なしていました。

もともとは Mme の直訳ではないはずでした。ゴートローのキャラクター。サージェント自身がドレスと彼女の姿勢を選択し、小道具は古代のものに似ています ローマの彫像 ほのめかす 狩りと月の女神ダイアナ .この作成は、両方の評判を損なうことになります。サージェントは最終的に肖像画から彼女の名前を削除し、名前を変更しました マダムX .

20世紀の絵画の有名なドレス

20世紀の芸術 抽象化と表現に焦点を当て、新しいスタイルとテーマで大きな変化を遂げています。これはまた、新しい形の探求をもたらし、 ファッションとアートの融合 .ここでは、革新的な世紀の絵画に見られる有名なドレスをご紹介します。

Adele Bloch-Bauer I の肖像 (1907) ギュスターヴ・クリムト

アデーレ・ブロッホ＝バウアー I グスタフ・クリムト 、1907年、ニューギャラリー経由、ニューヨーク

Adele Bloch-Bauer ショーの黄金のドレス グスタフ・クリムト 彼女の周りの世界に拘束されない女性の描写。彼女の時代の上流社会の女性の肖像画と比較して、この肖像画は際立っています。クリムトは、庭でくつろいだりソファで本を読んだりする上流階級の女性を描く代わりに、アデーレを別世界の人物に変えます。彼女のドレスは、三角形、目、長方形、図像で満たされた渦巻き模様です。コルセットをまっすぐに締めたり、衣服を何層にも重ねたりした形跡はありません。代わりに、彼女は彼女の金の世界に浮かぶように抑制されていないことが例示されています. アール・ヌーボー 自然と神話のイメージのテーマが含まれています。それはまた、クリムトが身に着け、他のさまざまな絵画で使用した自由奔放なファッションにも関係しています。

エミーリエ・フレーゲとグスタフ・クリムト、アッターゼー湖畔のカンマーにあるオレアンダー邸の庭で 、1908年、ウィーンのレオポルド美術館経由

クリムトは、ファッション デザイナーが作成したデザインをよく描いていました。 エミリー・フレーゲ .彼女はファッション界で同時代や前任者ほど有名ではありませんが、当時の女性のためのファッションを作成するために大きな一歩を踏み出しました.クリムトが他の多くの絵画でも彼女の有名なドレスを使用していたため、共同作業であったこともあります。フレーゲのドレスはゆったりとしたシルエットと幅広の袖が特徴で、コルセットやその他の制限的な下着は含まれていません。クリムトとフレーゲの作品は、アデーレ ブロッホ バウアーの肖像画に見られるように、伝統と型にはまらないものの境界が曖昧なボヘミアンな生活様式を発展させました。

ミュージシャン (1929) タマラ・レンピッカ

ミュージシャン タマラ・デ・レンピッカ 、1929年、クリスティーズ経由

タマラ・レンピッカ 1920 年代に女性らしさと独立性を探求した肖像画を作成しました。アールデコの画家は、様式化された洗練された形を探求した有名人の肖像画で知られるようになりました。 キュービズム それが彼女のトレードマークになりました。 Ira Perrot (Lempicka の親しい友人であり恋人) は、音楽の文字通りの表現として見られています ミュージシャン .この絵を際立たせているのは、彼女が描いた青いドレスです。彩度の高いカラー パレットを使用してシャープなシャドウをキャストするレンピッカのテクニックは、ドレスに動きを与え、宙に浮いているように見えます。ドレスの短いヘムラインとカスケードプリーツは今でも 1920年代のファッション 、それは女性のファッションのターニングポイントでした.女性は足と腕を見せびらかす有名なドレスを着て、踊りやすいようにプリーツ スカートをはきました。

レンピッカはルネッサンスの巨匠たちの作品に触発されて研究し、現代的なアプローチで同様のテーマを使用しました。伝統的に青色は中世やルネサンスの絵画の聖母マリアのガウンに見られます.ウルトラマリン ブルーは希少で、重要な絵画にはあまり使われませんでした。ここでレンピッカは、肖像画の主要な焦点として色を使用することを恐れません。このブルーは、滑らかな絵の具を非常に強く使用しており、彼女の流れるようなドレスの明るさと優雅さを増幅させています.

二人のフリーダ (1939) フリーダ・カーロ

二人のフリーダ フリーダ・カーロ 、1939年、メキシコシティ近代美術館、Google Arts and Culture経由

カラフルで手織りのメキシコのテキスタイルは、 フリーダ・カーロ .彼女はこれらの衣服を自分の遺産の一部として受け入れており、複数の自画像や写真でそれらを着用しているのが見られます.フリーダ・カーロの有名なドレス 二人のフリーダ 彼女のヨーロッパとメキシコの遺産の両側への彼女のつながりを象徴しています。

左側のフリーダは、中流階級の家庭で育ったことを反映しています。彼女の父親はドイツ出身で、幼少期の家庭生活には西洋の習慣が含まれていました。彼女のドレスの白いレースは、ヨーロッパのファッションで人気のあるスタイルを象徴しています.この西洋化されたバージョンは、伝統的なテワナのドレスを着てメキシコの遺産を受け入れたいという右のフリーダの願望とは対照的です.この服は夫に勧められたものです ディエゴ・リベラ 、特に彼らの国での変化のための戦いにおいて。メキシコの先住民族の伝統的な服を着ることへの彼女の誇りを示しました.

カーロの衣服は、彼女の人生と仕事の重要な側面です。子供の頃にポリオにかかった後、片方の足がもう片方より短かった。彼女のカラフルなスカートは、精査から彼女を守る方法で彼女の足を隠す方法になりました.彼女のワードローブには、テワナ ドレス、ウィピル ブラウス、レボゾ、花柄のヘッドピース、アンティーク ジュエリーが含まれていました。これらの衣服は、カーロの作品を見るときに注意することが重要です。これらの衣服は、彼女が作品に取り入れている愛、痛み、苦しみのイラストであるためです.