20 世紀を形作った 4 つの象徴的なアートとファッションのコラボレーション

3 つのカクテル ドレス、ピエト モンドリアンへのオマージュ エリック・コッホ 、1965年、Vogue France経由

アートとファッションのつながりは、歴史の特定の瞬間を定義します。これらのメディアは両方とも、狂騒の 20 年代から華やかな 80 年代への社会的、経済的、政治的変化を反映しています。ここでは、仕事を通じて社会の形成に貢献したアーティストやファッション デザイナーの 4 つの例を紹介します。

1. ハルストンとウォーホル: ファッション フェローシップ

ハルストンの4つの肖像 、アンディ・ウォーホル、1975年、個人蔵

ロイ・ハルストンとの友情 アンディ・ウォーホル 芸術の世界を定義したものです。ハルストンとウォーホルはどちらも、アーティスト/デザイナーを有名人にする道を開いたリーダーでした.彼らはアート界の気取った汚名を取り除き、ファッションとスタイルを大衆にもたらしました.ウォーホルはシルクスクリーンを使用して何度も画像を作成しました。彼は確かにプロセスを発明したわけではありませんが、大量生産のアイデアに革命をもたらしました.ハルストンは、シンプルでエレガントな生地とデザインを使用しましたが、スパンコール、ウルトラスエード、シルクを使用して魅力的でした.彼は、アメリカのファッションをアクセスしやすく魅力的なものにした最初の人物の 1 人でした。どちらも、1960 年代、70 年代、80 年代を通じて、今日まで続くアートとスタイルに決定的なスタンプを押し付けました。

コラボレーションと商業的成功

フラワーズ アンディ・ウォーホル 、1970年、プリンストン大学美術館経由（左）。と リザ アンディ・ウォーホル 、1978年、クリスティーズ経由（中央）。と フラワーズ アンディ・ウォーホル 、1970年、タコマ美術館経由（右）

ハルストンとウォーホルは、さまざまなプロジェクトで協力しました。ウォーホルは、ハルストンの服やハルストン自身を取り上げた広告キャンペーンを作成しました。より直接的なコラボレーションでは、Halston は、イブニング ドレスからラウンジウェア セットまで、いくつかの衣服にウォーホルの花柄を使用しました。

ハルストンは衣服にシンプルなデザインを使用し、非常に成功しました.シンプルで着やすく、生地や色、柄の使い方が高級感を感じさせます。ウォーホルはまた、素材とプロセスを簡素化し、作品の複製と販売を容易にしました。

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イブニングドレス ハルストン 、1972年、インディアナポリス美術館経由（左）。と ドレスとおそろいのマント ハルストン 、1966年、ニューヨーク市のFITミュージアム経由（中央）。と ラウンジアンサンブル ハルストン 、1974年、ノーステキサス大学デントン校経由（右）

商業的な成功には、両方のデザイナーにとって課題がありました。 Halston は、1982 年に小売チェーンの JCPenney と最初に協力し、顧客に彼のデザインの低価格オプションを提供することを目的としていました。これは安っぽく見えたため、彼のブランドにとっては成功しませんでしたが、将来のデザイナーが同じことをする道を開きました.ウォーホルは、彼の作品が浅く表面的であると見なされていることから、批判にも直面しました。ただし、両方とも、それぞれのスペースでの小売とマーケティングの使用を近代化し、大衆市場に販売するブランドを作成しました。

華やかさと魅力

ダイヤモンド ダスト シューズ アンディ・ウォーホル 、1980年、Monsoon Art Collection経由、ロンドン（左）。と 女性のドレス、スパンコール ハルストン 、1972年、LACMA経由（右）

ウォーホルとハルストンはどちらも Studio 54 を頻繁に訪れていました。彼らは、ライザ ミネリ、ビアンカ ジャガー、エリザベス テイラーなどの有名人のためにパーティーを開き、デザインし、作品を制作しました。これらの外出は、1970 年代のディスコ時代にインスピレーションを与え、定義したように、作品に反映されています。

Halston は、フルスパンコールのイブニングウェアを作成することで知られています。彼はスパンコールを生地に水平に置きました.これにより、素材のきらめく効果が生まれ、オンブルやパッチワークのデザインを作成するために使用されます.彼のデザインはシンプルなシルエットで、踊りやすさと動きを生み出しました。彼のスパンコールの使用法はスターの間で非常に人気があり、リザ・ミネリはパフォーマンスや外出のために彼のデザインを着用していました. スタジオ 54 .

ウォーホルのダイヤモンド ダスト シューズ シリーズも、スタジオ 54 のナイトライフと有名人の影響を体現しています。ダイヤモンド ダストは、彼がスクリーン プリントや絵画の上に使用したもので、作品に深みを与える要素を生み出しています。ウォーホルの靴のプリントは、当初、ハルストンの広告キャンペーンのアイデアでした。彼は、ハルストン自身の靴のデザインのいくつかをインスピレーションとして使用しました.

有名人になるデザイナーは、ウォーホルとハルストンから始まりました。彼らがどのようなアートや衣服を作成したかだけでなく、彼らの社会生活も重要でした。今日では、著名人であるファッションデザイナーやアーティストがいて、ブランドの成功に貢献しています.

2. ソニア・ドローネ: アートがファッションになる場所

ソニア・ドローネと 2 人の友人、ロバート・ドローネのアトリエで、1924 年、フランス国立図書館経由、パリ

ソニア・ドローネ 新しい形に革命を起こしただけでなく キュービズム だけでなく、アートとファッションのつながりも想像しました。ドローネーも夫も開拓奉仕を行った オーフィズム アートにおけるさまざまな形の抽象化を試しました。彼女は、独自の芸術的スタイルを使用し、オリジナルのテキスタイル デザイン、プリント、またはパターンを使用してファッションの世界に移行した最初の人物でした。彼女は、ファッションよりも芸術と夫とのつながりで知られています。彼女の衣服は、1920 年代の婦人服の変化の最前線にありました。彼女の衣服のカタログは、物理的な衣服そのものよりも、写真や彼女の芸術への言及として記憶されています。ドローネーにとって、アートとファッションの間に線引きはありません。彼女にとって、それらは同じものです。

Simultane と Rebel のファッション

同時ドレス（3人の女性、形、色） ソニア・ドローネー 、1925年、マドリッドのティッセン・ボルネミッサ国立美術館経由（左）。と 同時着付け ソニア・ドローネー 、1913年、マドリッドのティッセン・ボルネミッサ国立美術館経由（右）

Delaunay は 1920 年代に、クライアントのために服を作成し、メーカーのために生地のデザインを行うことで、ファッション ビジネスを始めました。彼女は自分のレーベルに電話した 同時に そして、さまざまな媒体での色とパターンの使用をさらに進めました。 同時主義 彼女のデザインプロセスにおいて重要な役割を果たしました。彼女の技法の使用は、東ヨーロッパのパッチワーク キルトやテキスタイルに非常に似ています。色が互いに重なり合い、パターンが調和とリズムを生み出すために使用されます。彼女の共通のテーマには、正方形/長方形、三角形、対角線、または球が含まれます。これらはすべて、彼女のさまざまなデザインで互いに重なり合っています。

ソニア・ドローネーのプレート 14: 彼女の絵画、彼女のオブジェ、同時進行の生地、彼女のファッション ソニア・ドローネー 、1925年、ビクトリア国立美術館、メルボルン経由

Delaunay は当時、若い女性でした。 エドワード時代 コルセットと適合が標準であった場所.これは 1920 年代に変化し、女性は膝上丈のスカートとゆったりとしたボックス フィットの衣服を身に着けていました。この側面はドローネーのデザインに見られるものであり、彼女は女性のニーズに合わせた衣服を作ることに情熱を注いでいました。彼女は、女性が以前はスポーツをするのを妨げていたスポーツに参加できるようにする水着をデザインしました.彼女はテキスタイルをコート、靴、帽子、さらには車に配置し、あらゆる面をキャンバスにしました。彼女のデザインは、色と形を通して自由な動きと表現を生み出しました。

ドローネの映画と演劇への移行

ル プチ パリゴ ルネ・ル・ソンティエ 、1926年、IMDB経由（左）。と 「クレオパトラ」のバレエ・リュス制作における「クレオパトラ」の衣装 ソニア・ドローネー著、 1918年、LACMA経由（右）

ドローネーは、キャリアの中で映画と演劇に移行しました。彼女は 1926 年の映画の衣装をデザインした ル プチ パリゴ ルネ・ル・ソンプティエによる（「パリの小さなもの」）。ドローネーと彼女の夫の両方が映画に貢献し、夫は映画で使用されるセットのデザインに貢献しました。左側には、ドロネーがデザインした衣装の 1 つを着たルーマニアのダンサー、リジカイ コドレアヌが描かれています。彼女の球体、ジグザグ、正方形の使用は、同時主義のもう 1 つの例です。背景のジグザグが衣装のレギンスに溶け込んでいます。ダンサーの顔を囲む円盤は、ドロネーのファッションで繰り返されるテーマでした。

彼女はまた、のデザインを作成しました 'クレオパトラ' 、バレエ・リュスによる。映画でのコラボレーションと同様に、彼女は衣装を作成し、夫はセットのデザインに取り組みました.両方が互いに協力して、視聴者に調和のとれた体験を生み出しました。クレオパトラのコスチュームには、1920 年代の抽象的なスタイルと伝統的なバレエを融合させた多色のストライプと半円があります。

3. エルザ スキャパレリとサルバドール ダリのコラボレーション

スキャパレリの帽子型の靴 エルザ・スキャパレリとサルバドール・ダリによる 、1937-38年、Vogue Australia経由

の最前線 超現実主義の芸術 シュルレアリスムファッションのリーダーとマッチ。 サルバドール・ダリ とファッションデザイナー エルザ・スキャパレリ それぞれのキャリアを通じて、互いに協力し、刺激を与え合いました。彼らは、次のような象徴的なイメージを作成しました。 ロブスタードレス 、 靴の帽子 (ダリの妻、ガラ)、そして 涙のドレス 、アートとファッションの両方で聴衆に衝撃を与え、刺激を与えました。ダリとスキャパレリは、ウェアラブル アートとファッションとの間のギャップを埋めるため、ファッション デザイナーとアーティストの間の将来のコラボレーションへの道を開きました。

ロブスターとダリ

女性用ディナードレス エルザ・スキャパレリとサルバドール・ダリによる 、1937年、フィラデルフィア美術館経由（左）。 サルバドール・ダリ ジョージ・プラット・ラインズ 、1939年、メトロポリタン美術館経由、ニューヨーク市（右）

ロブスターは一見無害に見えますが、実際には論争の的になっています。ダリが使用した 彼の作品の繰り返しのテーマとしてのロブスター ロブスターの解剖学に興味がありました。甲羅は外側が骨格で、内側は人間とは逆に柔らかい。ダリの作品に登場するロブスターにも、女性と男性のダイナミクスに由来する性的トーンがあります。

ロブスターのドレスは、ドレスに使用するロブスターをダリがスケッチした 2 人のアーティストのコラボレーションです。初登場時は物議を醸した 流行 .まず、白いオーガンザで作られた薄手のボディスとスカートがあります.モデルの体のほとんど見えないイメージを示すこの透け感は、マススケールで見られるファッションではまったく新しいものでした.白い生地の使用もロブスターの赤と対照的です.白は、セクシュアリティ、パワー、または危険を意味する可能性のある赤と比較して、処女または純粋さを意味すると見なすことができます.ロブスターは、女性の骨盤部分をカバーするためにスカートに便利に配置されています.この配置は、上のダリの写真に似ており、女性のセクシュアリティとそれに対する男性の反応をさらに表しています。

着用したモデル 流行 エドワード 8 世の妻ウォリス シンプソンは、彼女と結婚するために英国の王位を放棄しました。これは、文化の中で物議を醸す人物やイメージを取り上げ、それを崇拝すべきものに変えたもう1つの例です.

身も凍るようなスタイル

バラの頭を持つ女性 サルバドール・ダリ 、1935年、クンストハウスチューリッヒ経由（左）。と スケルトンドレス エルザ・スキャパレリ 、1938年、ロンドンのヴィクトリア＆アルバート博物館経由（右）

骸骨は、シュルレアリスム アートに見られるもう 1 つのテーマであり、ダリとスキャパレリの間のより多くのコラボレーションで使用されました。 スケルトンドレス 主題のためだけでなく、その技術のために、その種の最初のものでした.スキャパレリが使ったテクニック キルティング 2層の生地を縫い合わせてアウトラインを作成します。アウトラインにわたを入れて立体感を出しています。この技法により、平らな生地に織り目加工の表面が作成され、人間の骨がドレスから突き出ているように見えます。肌にピタッと密着する素材でできていたため、スキャンダルを巻き起こした。ダリの絵画や素描の想像力は、スキャパレリの衣服によって物理的な 3 次元の世界で実現されました。先に述べたように、ダリは解剖学に興味を持っていましたが、これは彼の作品にも反映されています。

4. イヴ・サンローラン: アートとインスピレーションが衝突する場所

イヴ・サンローランのピカソにインスパイアされたドレス ピエール・ギヨー 、1988年、Times LIVE経由（左）。と 鳥たち ジョルジュ・ブラック作、1953年、パリのルーヴル美術館（右）

模倣と鑑賞の境界線はどこにあるのでしょうか?批評家、視聴者、アーティスト、デザイナーは一様に、その線がどこに引かれているかを判断するのに苦労しています.ただし、議論するときは イヴ・サンローラン 、彼の意図は、彼がインスピレーションとして使用したアーティストや絵画へのお世辞と賞賛に他なりませんでした。彼の幅広いポートフォリオを見て、サンローランは世界中の文化や芸術からインスピレーションを得て、それを衣服に取り入れました。

イヴ・サンローランは、彼にインスピレーションを与えたアーティストに会ったことはありませんでしたが、それは彼が彼らへのオマージュとして作品を作成することを止めませんでした.ローランは、次のようなアーティストからインスピレーションを得ました。 マティス 、モンドリアン、ゴッホ、 ジョルジュ・ブラック 、と ピカソ .彼は美術品の収集家で、自宅にはピカソやマチスの絵がありました。他のアーティストのイメージをインスピレーションとして取り入れることは、物議を醸すものと見なされることがあります。しかし、サンローランはこれらのアーティストと同様のテーマを使用し、着用可能な衣服に取り入れました.彼は 2 次元のモチーフを、彼のお気に入りのアーティストに敬意を表して 3 次元の衣服に変えました。

ポップアートと 60 年代の革命

ミュリエルが着用したカクテル ドレス、ピエト モンドリアンへのオマージュ、1965 年秋冬オートクチュール コレクション イヴ・サンローラン作、ルイ・ダルマス撮影 、1965年、パリのイヴ・サンローラン美術館経由（左）。と エルサが着用したイブニング ドレス、トム ウェッセルマンへのオマージュ、1966 秋冬オートクチュール コレクション イヴ・サンローランの、 ジェラルド・パター撮影、1966年 , パリのイヴ・サンローラン美術館経由 (右)

1960 年代は革命と商業主義の時代であり、ファッションとアートの新時代でした。 Saint Laurent のデザインは、 ポップアート そして抽象化。 1965 年、ピエト モンドリアンの抽象画にインスパイアされた 26 着のドレスを制作。ドレスは、モンドリアンのシンプルなフォルムと大胆な原色の使用を体現しています。 Saint Laurent は、生地の層の間に縫い目が見えないようにする技術を使用して、衣服がまるで 1 つの衣服であるかのように見せました。 Saint Laurent は、1920 年代から Mondrian のアートを取り入れ、着用可能で 1960 年代に関連するものにしました。

モッズ スタイルのドレスは、実用性が女性にとってより大きな問題になりつつあった 1960 年代のスタイルの典型的な例です。それらは1920年代の衣服に似ていて、拘束が少なく、袖と裾がより多くの肌を見せていました. Saint Laurent のボクシーなシルエットは、女性に快適さと動きやすさをもたらしました。これは、次のようなポップアートアーティストからのインスピレーションにもつながりました。 トム・ウェッセルマン そしてアンディ・ウォーホル。彼は、ポップアートにインスパイアされたデザインのラインを作成し、シルエットとカットアウトを衣服に取り入れました.それは、アートにおける抽象化とは何かという制約を打ち破り、デザインを商品化することでした。ローランはこれら 2 つのアイデアを橋渡しし、現代の女性にとって自由で魅力的な女性向けの衣服を作成しました。

オートクチュール ファッションの芸術性

ヴィンセント・ヴァン・ゴッホへのオマージュ、ナオミ・キャンベルとベス・ストーンハウスが着用したイブニング・アンサンブル、1988年春夏オートクチュール・コレクション イヴ・サンローラン作、ギィ・マリノー撮影 、1988年、イヴ・サンローラン美術館経由、撮影

の ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ Saint Laurent のジャケットは、Saint Laurent が他のアーティストからのインスピレーションと彼自身のデザインの才能をどのように組み合わせたかを示す例です。彼の他の衣服と同様に、アーティストに関連するテーマはコピーしてサンローランの衣服に貼り付けたわけではありません。彼が代わりに選んだのは、それらをインスピレーションとして取り入れ、彼自身のスタイルを反映した作品を作成することでした.ジャケットは80年代スタイルを代表する、力強いショルダーと非常にかっちりとしたボクシーなルックス。ゴッホの絵画風に刺繍されたひまわりのコラージュです。

ひまわりジャケットディテール イヴ・サンローラン 、1988年、クリスティーズ経由（左）。と ひまわりの詳細 ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ 、1889年、アムステルダムのゴッホ美術館経由

イヴ・サンローランとのコラボレーション レセージ ハウス オートクチュール刺繍の第一人者。ヒマワリのジャケットは、ジャケットの縁とヒマワリの花びらと茎の裏地にあるチューブ ビーズで刺繍されています。花は、オレンジと黄色のスパンコールのさまざまな色合いで満たされています。これにより、キャンバスに厚い絵の具を重ねるゴッホの技法に似た、多次元のテクスチャ作品が作成されます。クリスティーズから 382,​​000 ユーロで販売され、オートクチュールの最も高価な作品の 1 つと推定されています。サンローランは、ファッションをそれ自体が芸術作品として身につける方法への道を切り開きました。