有名な芸術家が描いた54の有名な絵画

一生のうちに有名なアーティストになったからといって、他のアーティストがあなたのことを覚えているとは限りません。フランスの画家、エルネスト・メソニエについて聞いたことがありますか?

彼はエドゥアール・マネと同時代であり、批評家の称賛と販売に関してはるかに成功したアーティストでした。ヴィンセント・ヴァン・ゴッホの場合は、その逆も当てはまります。ヴァンゴッホは絵の具とカンバスを弟のテオに頼っていましたが、今日、ゴッホの絵はアートオークションに出品されるたびに記録的な価格で落札されており、彼の名前はよく知られています。

過去と現在の名画を見ると、構図や絵の具の扱いなど、多くのことを学ぶことができます。おそらく最も重要な教訓は、市場や後世のためではなく、最終的には自分のために描くべきだということです。

「ナイトウォッチ」 - レンブラント

レンブラントの「夜警」。キャンバスに油彩。アムステルダム国立美術館のコレクション。アムステルダム国立美術館

による「夜警」の絵レンブラントの中にアムステルダム国立美術館アムステルダムで。写真が示すように、それは巨大な絵です: 363x437cm (143x172')。レンブラントその本当のタイトルは「フランスバニングコックとウィレムファンロイテンバークの会社」ですが、 ナイトウォッチ . （民兵の警備員である会社）。

絵画の構成は、当時とは大きく異なっていました。レンブラントは、全員がキャンバス上で同じ目立ち方とスペースを与えられた、きちんと整然とした方法で人物を表示する代わりに、活動中の忙しいグループとしてそれらを描いています。

1715 年頃、18 人の名前を含む「ナイトウォッチ」に盾が描かれましたが、特定されたのは名前の一部だけでした。（グループの肖像画を描く場合は覚えておいてください。将来の世代が知ることができるように、背面に全員の名前を示す図を描いてください！）2009 年 3 月、オランダの歴史家 Bas Dudok van Heel は、絵に描かれている人物の謎をついに解明しました。彼の調査では、家屋の目録に記載されている「夜警」に描かれた衣服やアクセサリーも発見され、それを、絵が完成した 1642 年のさまざまな民兵の年齢と照合しました。

Dudok van Heel はまた、レンブラントの「夜警」が最初に飾られたホールに、長い間考えられてきた 6 枚の別々の絵画ではなく、最初は連続したシリーズで展示されていた民兵の 6 つのグループの肖像画があることを発見しました。むしろ、レンブラント、ピッケノイ、バッカー、ヴァンデルヘルスト、ヴァンサンドラート、フリンクによる 6 人のグループの肖像画が、それぞれが互いに一致する途切れのないフリーズを形成し、部屋の木製パネルに固定されていました。というか、そのつもりだった。レンブラントの「夜警」は、構図も色も他の作品とは一致しません。レンブラントは依頼の条件を守らなかったようです。しかし、もし彼がいたら、この驚くほど異なる17世紀のグループの肖像画は決してなかったでしょう.

「ハレ」 - アルブレヒト・デューラー

アルブレヒト・デューラー、ハレ、1502年。水彩とガッシュ、ブラシ、白いガッシュで強調。アルベルティンミュージアム

一般にデューラーのウサギと呼ばれるこの絵の正式なタイトルはウサギです。絵はのパーマネントコレクションにありますバトライナーコレクションのアルベルティンミュージアムオーストリア、ウィーンにて。

水彩とガッシュを使用して塗装され、白いハイライトはガッシュで行われました (紙の塗装されていない白ではなく)。

これは、毛皮をどのようにペイントできるかを示す素晴らしい例です。それをエミュレートするためのアプローチは、どれだけの忍耐力があるかによって異なります。むくみがある場合は、細いブラシを使用して、毛を 1 本ずつ塗ります。それ以外の場合は、ドライブラシテクニックを使用するか、ブラシの毛を分割します。忍耐と持久力が不可欠です。濡れた絵の具にすばやく作業すると、個々のストロークが混ざり合う危険があります。十分に長く続けないでください。毛皮がすり切れたように見えます.

システィーナ礼拝堂天井フレスコ画 - ミケランジェロ

全体として見ると、システィーナ礼拝堂の天井のフレスコ画は圧倒的です。このフレスコ画が 1 人の芸術家によってデザインされたとは考えられません。フランコ・オリグリア/ゲッティイメージズ

ミケランジェロが描いたシスティーナ礼拝堂の天井画は、世界で最も有名なフレスコ画の 1 つです。

システィーナ礼拝堂は、バチカン市国の教皇 (カトリック教会の指導者) の公邸である使徒宮殿にある大きな礼拝堂です。ベルニーニやラファエロによる壁のフレスコ画など、ルネッサンスの最大の名前によって描かれた多くのフレスコ画がありますが、ミケランジェロによる天井のフレスコ画で最も有名です。

ミケランジェロは 1475 年 3 月 6 日に生まれ、1564 年 2 月 18 日に亡くなりました。教皇ユリウス 2 世の依頼により、ミケランジェロはシスティーナ礼拝堂の天井 1508 年 5 月から 1512 年 10 月まで (1510 年 9 月から 1511 年 8 月までは工事は行われなかった)。礼拝堂は諸聖人の饗宴である 1512 年 11 月 1 日に発足しました。

チャペルは長さ40.23メートル、幅13.40メートル、天井は最高点で地上20.70メートル¹.ミケランジェロは、一連の聖書の場面、預言者、キリストの先祖、だまし絵や建築の特徴を描きました。天井のメインエリアには、人類の創造、恵みからの人間の堕落、洪水、ノアなど、創世記の物語の物語が描かれています。

システィーナ礼拝堂の天井: 詳細

アダムの創造は、おそらく有名なシスティーナ礼拝堂で最も有名なパネルです。構図が中心からずれていることに注意してください。フォトプレス/ゲッティイメージズ

人間の創造を示すパネルは、システィーナ礼拝堂の天井にあるミケランジェロの有名なフレスコ画でおそらく最も有名なシーンです。

バチカンのシスティーナ礼拝堂には多くのフレスコ画が描かれていますが、ミケランジェロの天井のフレスコ画が最も有名です。 1980 年から 1994 年にかけてバチカンの美術専門家によって大規模な修復が行われ、何世紀にもわたるキャンドルの煙と以前の修復作業が取り除かれました。これにより、これまで考えられていたよりもはるかに明るい色が明らかになりました。

ミケランジェロが使用した顔料には、赤と黄には黄土色、緑にはケイ酸鉄、青にはラピスラズリ、黒には木炭が含まれていました。¹すべてが最初に表示されるほど詳細に描かれているわけではありません。たとえば、前景の人物は背景の人物よりも詳細に描かれており、天井の奥行き感が増しています。

システィーナ礼拝堂の詳細:

• バチカン美術館: システィーナ礼拝堂
• システィーナ礼拝堂のバーチャルツアー

ソース:
1 バチカン美術館: システィーナ礼拝堂、バチカン市国のウェブサイト、2010 年 9 月 9 日にアクセス。

レオナルド・ダ・ヴィンチノート

レオナルドダヴィンチ (正式にはコーデックスフォースター III として識別される) によるこの小さなノートは、ロンドンの V&A 博物館にあります。マリオン・ボディ＝エヴァンス / About.com, Inc.にライセンス供与

ルネサンス期の芸術家レオナルド・ダ・ヴィンチは、絵画だけでなくノートでも有名です。この写真は、ロンドンの V&A 博物館にあるものです。

ロンドンの V&A 博物館には、レオナルドダヴィンチのノートが 5 冊コレクションされています。このコーデックスフォースター III は、レオナルドダヴィンチが 1490 年から 1493 年にかけてミラノでルドヴィコスフォルツァ公爵の下で働いていたときに使用したものです。

コートのポケットにすっぽりと収まるサイズの小さな手帳です。「馬の足のスケッチ、舞踏会での衣装のアイデアだったかもしれない帽子や服の絵、人間の頭の解剖学の説明」など、あらゆる種類のアイデア、メモ、スケッチでいっぱいです。¹美術館ではノートのページをめくることができませんが、オンラインでページをめくることができます。

彼の手書きの文字を読むのは、カリグラフィースタイルとミラーライティングの使用 (後ろ向き、右から左) の間で容易ではありませんが、彼があらゆる種類のものを 1 つのノートにどのようにまとめているかを見るのは魅力的だと感じる人もいます。これは実用的なノートであり、展示品ではありません。もしあなたがあなたのことを心配したことがあるなら創造ジャーナルどういうわけか正しく行われていないか、組織化されていない場合は、このマスターから先導してください。必要に応じて実行してください。

_{ソース：
1. V&A 博物館の Forster Codices を探索します。 (2010 年 8 月 8 日アクセス)}

「モナ・リザ」 - レオナルド・ダ・ヴィンチ

レオナルド・ダ・ヴィンチの「モナ・リザ」。 1503-19 年頃に描かれました。木に油彩。サイズ: 30x20フィート (77x53cm)。この有名な絵画は現在、パリのルーヴル美術館に所蔵されています。スチュアート・グレゴリー/ゲッティイメージズ

レオナルド・ダ・ヴィンチパリのルーブル美術館にあるモナ・リザの絵は、間違いなく世界で最も有名な絵画です。それはおそらく最もよく知られている例でもあります微妙な、彼女の謎めいた笑顔の一部を担う絵画技法。

絵に描かれた女性が誰であるかについては、多くの憶測が飛び交っています。フランチェスコ・デル・ジョコンドと呼ばれるフィレンツェの布商人の妻であるリサ・ゲラルディーニの肖像画であると考えられています。 (16 世紀の美術作家ヴァザーリは、彼の「芸術家の生活」でこれを最初に提案した人物の 1 人でした)。彼女の笑顔の理由は彼女が妊娠していたということも示唆されています.

美術史家は知っているレナードモナリザは 1503 年までに制作を開始し、その年にフィレンツェの高官アゴスティーノヴェスプッチによって記録が作成されました。彼が終わったとき、それはあまり確実ではありません。ルーヴル美術館はもともとこの絵の年代を 1503 年から 06 年としていましたが、2012 年に行われた発見では、1510 年に彼が描いたことが知られている岩の絵に基づいた背景に基づいており、完成までには 10 年ほど後だった可能性があることが示唆されています。 -15.¹ルーヴル美術館は、2012 年 3 月に日付を 1503-19 に変更しました。

ソース：
1. モナリザはアート新聞で考えられていたよりも 10 年遅れて完成した可能性があり、Martin Bailey 著、2012 年 3 月 7 日 (2012 年 3 月 10 日アクセス)

有名な画家たち: ジヴェルニーのモネ

フランスのジヴェルニーにある彼の庭のスイレンの池の隣に座っているモネ。ハルトンアーカイブ/ゲッティイメージズ

絵画の参考写真：モネの「ジヴェルニーの庭」。

印象派の画家クロード・モネが有名になった理由の 1 つは、彼がジヴェルニーの広大な庭園に描いたユリの池の反射を描いた作品です。それは彼の人生の終わりまで、何年にもわたってインスピレーションを与えました。彼は池にインスパイアされた絵画のアイデアをスケッチし、個々の作品とシリーズの両方で大小の絵画を作成しました。

クロード・モネの署名

クロード・モネが 1904 年に描いたニンフィアスの絵に署名。ブルーノ・ヴィンセント/ゲッティイメージズ

モネが彼の絵に署名した方法のこの例は、彼の睡蓮の絵の 1 つからのものです。彼が名前と姓 (Claude Monet) と年 (1904) で署名したことがわかります。右下隅にあり、フレームによって切り取られないように十分に離れています.

モネのフルネームはクロード・オスカル・モネ。

「印象の日の出」 - モネ

モネの「印象の日の出」（1872年）。キャンバスに油彩。約18x25インチまたは48x63cm。現在、パリのマルモッタン・モネ美術館に所蔵されています。 Buyenlarge /ゲッティイメージズ

モネのこの絵は、印象派のスタイル芸術の。彼は 1874 年にパリで開催された第 1 回印象派展に出品しました。

彼が「印象派の展示会」と題した展覧会のレビューで、美術評論家のルイ・ルロワは次のように述べています。

' 初期状態の壁紙は海の景色より完成度が高い .'

_{ソース：
1. ルイ・ルロワの「印象派展」チャリヴァリ、1874 年 4 月 25 日、パリ。 John Rewald 訳印象派の歴史、モマ、1946年、p256-61。 Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History by Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43 で引用。}

「干し草の山」シリーズ - モネ

あなたにインスピレーションを与え、芸術の知識を広げる有名な絵画のコレクション。 Mysticchildz / ナディア / Flickr

モネは、日が進むにつれてキャンバスを交換しながら、光の変化する効果を捉えるために、同じ主題のシリーズを描くことがよくありました。

モネは何度も何度も多くの主題を描きましたが、スイレンでも干し草の山でも、彼の一連の絵画はすべて異なります。モネの絵画は世界中のコレクションに散らばっているため、彼の一連の絵画がグループとして見られるのは通常、特別展でのみです。幸いなことに、シカゴ美術館印象的なものとして、モネの干し草の山を描いた作品がコレクションにいくつかあります。一緒に見る :

1890 年 10 月、モネは芸術評論家のギュスターヴ・ジェフロワに、彼が描いていた干し草の山シリーズについて次のような手紙を書きました。

「私はそれが苦手で、一連のさまざまな効果に頑固に取り組んでいますが、この時期は太陽が沈むのが速すぎて、それに追いつくことができません...遠くに行けば行くほど、私が探しているものをレンダリングするには、多くの作業を行わなければなりません: 「瞬間性」、何よりも「エンベロープ」、すべてに広がる同じ光...私はその方向にいくらか進歩するかもしれないと思うので、私にはあと数年良い年が残っていることを祈っています.¹

^{ソース：な
1. モネ自身、p172、Richard Kendall 編、MacDonald & Co、ロンドン、1989 年。}

「睡蓮」 - クロード・モネ

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有名な芸術家による有名な絵画のギャラリー。写真：デイブブルーデビル (クリエイティブ・コモンズ一部の権利予約 )

クロード・モネ、「睡蓮」c。 19140-17年、キャンバスに油彩。サイズ 65 3/8 x 56 インチ (166.1 x 142.2 cm)。のコレクションでは、サンフランシスコ美術館 .

モネはおそらく最も有名な印象派で、特にジヴェルニーの庭にあるユリの池の反射を描いた作品で知られています。この特定の絵は、右上隅にある小さな雲と、水に反射した空のまだらの青を示しています。

このモネのユリの池やこのユリの花など、モネの庭の写真を調べて、この絵と比較すると、モネが彼の芸術の細部をどのように削減したかを感じることができます。シーン、または反射、水、ユリの花の印象。上の写真の下にある [フルサイズで表示] リンクをクリックすると、モネの筆遣いを感じやすい大きなバージョンが表示されます。

フランスの詩人ポール・クローデルはこう言いました。

「水のおかげで、[モネ] は目に見えないものの画家になりました。彼は、光を反射から分離する目に見えない精神的な表面に取り組んでいます。液体の紺碧に囚われた風通しの良い紺碧...色は水の底から雲のように、渦のように立ち上がる。

^{ソース :}
262 ページ「私たちの世紀の芸術」ジャン＝ルイ・フェリエとヤン・ル・ピション画

カミーユ・ピサロのサイン

印象派の芸術家カミーユ・ピサロの1870年の作品「ルーヴシエンヌ近郊の風景（秋）」に署名。イアン・ウォルディー/ゲッティイメージズ

画家のカミーユ・ピサロは、同時代の多くの画家 (モネなど) ほど有名ではありませんが、芸術のタイムラインではユニークな位置を占めています。彼は印象派と新印象派の両方として働き、セザンヌ、ゴッホ、ゴーギャンなどの有名な芸術家に影響を与えました。彼は、8 つのすべての展示会に出展した唯一のアーティストでした。印象派展 1874年から1886年までパリで。

ゴッホの自画像 (1886/1887)

じっちょう / パネルに取り付けられた Flickr のボード。シカゴ美術館のコレクション。 id='mntl-sc-block-image_2-0-72' />

Vincent van Gogh (1886/1887) による自画像。 41x32.5cm、画板に油彩、パネルにマウント。シカゴ美術館所蔵。じっちょう /フリッカー

これ肖像画にヴィンセント・ヴァン・ゴッホシカゴ美術館所蔵です。点描に似たスタイルで描かれていますが、点だけに厳密には固執していません。

1886 年から 1888 年までの 2 年間、ゴッホはパリに住んでいましたが、24 枚の自画像を描きました。シカゴ美術館は、これをスーラの「ドットテクニック」を科学的手法としてではなく、「強烈な感情言語」として使用していると説明し、「赤と緑のドットが邪魔をし、ゴッホの作品に見られる神経質な緊張感に完全に調和している」と述べています。視線。'

数年後、ゴッホは妹のヴィルヘルミナに宛てた手紙の中で次のように書いています。

「私は最近、自分の絵を 2 枚描いたが、そのうちの 1 枚はむしろ本当の性格を持っていると思うが、オランダでは、ここで発芽している肖像画についての考えを嘲笑するだろう. ... 私はいつも写真は忌まわしいものだと思っており、特に私が知っていて愛する人の写真は持ちたくありません.... 写真の肖像画は私たち自身よりもずっと早く枯れますが、描かれた肖像画は物です描かれている人間への愛や敬意を持って感じられ、行われます。

ソース：
ヴィルヘルミナ・ヴァン・ゴッホへの手紙、1889 年 9 月 19 日

ヴィンセント・ヴァン・ゴッホのサイン

ヴィンセント・ヴァン・ゴッホの「夜のカフェ」（1888年）。テレサ・ベラメンディ / ヴィンセントズ・イエロー

ザ・ナイト・カフェ ヴァンゴッホの作品は現在、イェール大学アートギャラリーに所蔵されています。ゴッホが特に満足した絵だけに署名したことは知られていますが、この絵の場合、珍しいのは、彼が署名の下に「Le café de Nuit」というタイトルを追加したことです。

ゴッホが自分の絵に署名したのは、単に「ヴィンセント」であり、「ヴィンセントヴァンゴッホ」でも「ヴァンゴッホ」でもないことに注意してください。

1888 年 3 月 24 日に書かれた兄テオへの手紙の中で、彼は次のように述べています。

「将来、私の名前はキャンバスに署名するようにカタログに掲載されるべきです。つまり、ファンゴッホではなくヴィンセントです。理由は単純で、後者の名前をここで発音する方法がわからないからです。」

「ここ」は南フランスのアルル。

ヴァンゴッホの発音が気になる方は、フランス語や英語ではなく、オランダ語の姓であることを思い出してください。「ゴッホ」が発音されるので、スコットランドの「ロッホ」と韻を踏むのです。「ゴフ」でも「ゴー」でもない。

星月夜 - ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ

ヴィンセント・ヴァン・ゴッホの星月夜 (1889)。キャンバスに油彩、29x36 1/4 フィート (73.7x92.1 cm)。ニューヨーク、モマのコレクション。ジャン＝フランソワ・リシャール

おそらくヴィンセント・ヴァン・ゴッホの最も有名な絵であるこの絵は、近代美術館ニューヨークで。

ゴッホが描いた 星月夜 1889 年 6 月 2 日頃に弟のテオに宛てた手紙の中で明けの明星について言及し、1889 年 6 月 2 日に次のように述べています。大きい。'モーニングスター (実際には恒星ではなく金星) は、通常、絵の中央のすぐ左に描かれた大きな白いものと見なされます。

ヴァン・ゴッホの初期の手紙には、星と夜空、そしてそれらを描きたいという彼の願望についても言及されています。

1.「いつになったら星空を撮れるようになるのだろうか？いつも頭に浮かぶあの絵は？」 (エミール・バーナードへの手紙、1888 年 6 月 18 日頃)
2. 「星空については、ずっと描いていきたいと思っています。たぶんそのうちいつかそうするでしょう」（テオ・ヴァン・ゴッホへの手紙、1888 年 9 月 26 日）。
3.「今、絶対に星空を描きたい。夜は昼よりもさらに豊かに彩られているように思えることがよくあります。最も強いスミレ、青、緑の色合いを持っています。注意を払うだけで、ある星はレモンイエロー、他の星はピンク、緑、青、わすれな草のような輝きを放っていることがわかります。 ...青黒の上に小さな白い点を置くだけでは、星空を描くのに十分ではないことは明らかです。 (ヴィルヘルミナ・ヴァン・ゴッホへの手紙、1888 年 9 月 16 日)

アニエールのレストラン・ド・ラ・シレーネ - ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ

ヴィンセント・ヴァン・ゴッホの「アニエールのレストラン・ド・ラ・シレーヌ」。マリオン・ボディ＝エヴァンス (2007) / About.com, Inc. にライセンス供与

ヴィンセント・ヴァン・ゴッホのこの絵は、イギリスのオックスフォードにあるアシュモレアン美術館のコレクションです。ヴァンゴッホは、テオが画廊を経営していたモンマルトルで兄のテオと一緒に暮らすため、1887 年にパリに到着した直後にこの絵を描きました。

ヴィンセントは初めて印象派（特にモネ）の絵画に触れ、次のような芸術家と出会いました。ゴーギャン、トゥールーズ＝ロートレック、エミール・ベルナール、ピサロ。レンブラントのような北欧の画家に典型的な暗いアーストーンが支配的だった彼の前作と比較して、この絵は彼に対するこれらのアーティストの影響を示しています。

彼が使った色はますます明るくなり、彼の筆遣いはより緩く、より明白になりました。絵画のこれらの詳細を見ると、彼が純粋な色の小さなストロークをどのように使用しているかがわかります.彼はキャンバス上で色をブレンドするのではなく、視聴者の目でこれが起こるようにします.彼は試している壊れた色印象派のアプローチ。

彼の後期の絵画と比較すると、色の帯は間隔をあけて配置されており、その間にニュートラルな背景が表示されています。彼はまだキャンバス全体を彩度の高い色で覆っていませんし、絵の具自体にテクスチャを作成するためにブラシを使用する可能性を活用していません。

ヴィンセント・ヴァン・ゴッホのアニエールのレストラン・ド・ラ・シレーネ（詳細）

ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ作「アニエールのレストラン・ド・ラ・シレーヌ」の詳細（キャンバスに油彩、アシュモレアン美術館）。マリオン・ボディ＝エヴァンス (2007) / About.com, Inc. にライセンス供与

ヴァンゴッホの絵画 The Restaurant de la Sirene からのこれらの詳細は、アニエール (アシュモレアン美術館のコレクション) にあり、印象派や他の現代パリの芸術家の絵画に触れた後、ゴッホがどのようにブラシワークとブラシマークを試したかを示しています。

「4人のダンサー」 - エドガー・ドガ

マイクとキム/ Flickr

エドガー・ドガ、4 人のダンサー、c. 1899年。キャンバスに油彩。サイズ 59 1/2 x 71 インチ (151.1 x 180.2 cm)。の中にナショナルギャラリーオブアート、ワシントン。

「芸術家の母の肖像」 - ウィスラー

ジェームズ・アボット・マクニール・ウィスラー（1834-1903）による「灰色と黒のアレンジメントNo.1、芸術家の母の肖像」。 1871. 144.3x162.5cm.キャンバスに油彩。パリのオルセー美術館に所蔵されています。 Bill Pugliano /ゲッティイメージズ/オルセー美術館/パリ/フランス

これはおそらくウィスラーの最も有名な絵です。その正式なタイトルは「灰色と黒のアレンジメント No. 1、芸術家の母の肖像」です。ウィスラーが使用していたモデルが病気になったとき、彼の母親は絵のポーズをとることに同意しました。最初は立ちポーズをお願いしていたのですが、ご覧のように諦めて座らせてくれました。

壁にはウィスラーのエッチング「ブラックライオンワーフ」があります。エッチングのフレームの左上にあるカーテンを注意深く見ると、ウィスラーが絵画に署名するために使用した蝶のシンボルである、より薄い汚れが見られます。シンボルは常に同じではありませんでしたが、変化し、その形は彼のアートワークの日付に使用されています.彼が 1869 年までにそれを使い始めたことが知られています。

「希望 II」 - グスタフ・クリムト

「希望 II」 - グスタフ・クリムト。ジェシカ・ジャンヌ/フリッカー

「アーティストとしての私について知りたい人は誰でも、私の写真を注意深く見て、私が何であり、何をしたいのかを理解しようとする必要があります。」クリムト

グスタフ・クリムトが描いた ファイナルⅡ 油絵の具、金、プラチナを使用して、1907/8年にキャンバスに。サイズは 43.5x43.5 インチ (110.5 x 110.5 cm) です。絵画はのコレクションの一部です近代美術館ニューヨークで。

ファイナルⅡ の美しい例ですクリムトの絵画における金箔の使用そして彼の豊かな装飾スタイル。主人公が着ている衣服を彼がどのように描いたかを見てください。円で装飾された抽象化された形でありながら、マントまたはドレスとして「読んで」います.他の 3 つの面にどのように溶け込んでいるか。

美術評論家のフランク・ウィットフォードは、クリムトの絵入り伝記の中で次のように述べています。

クリムトは、「絵画が貴重な対象であり、自然をちらりと見ることができる鏡ではなく、注意深く細工された工芸品であるという印象をさらに高めるために、本物の金と銀の箔を適用しました。」²

金が依然として価値のある商品と見なされていることを考えると、それは今日でも有効であると考えられている象徴です.

クリムトはオーストリアのウィーンに住み、西洋よりも東洋からインスピレーションを得ました。「ビザンチン美術、ミケーネの金属細工、ペルシャの絨毯や細密画、ラヴェンナ教会のモザイク、日本の屏風など」からインスピレーションを得ました。³

ソース：
1. コンテキスト内のアーティスト: グスタフ・クリムト Frank Whitford (Collins & Brown、ロンドン、1993 年)、裏表紙。
2. 同上。 p82。
3. MoMA のハイライト (ニューヨーク近代美術館、2004 年)、p。 54

ピカソの署名

1903 年の絵画「天使フェルナンデスデソトの肖像」 (または「アブサン酒飲み」) のピカソの署名。オリスカーフ/ゲッティイメージズ

のサインですピカソ彼の 1903 年の絵画 (彼の青の時代から) のタイトルは「アブサン酒飲み」です。

ピカソは、「パブロピカソ」に着手する前に、円で囲まれたイニシャルを含む、彼の名前のさまざまな短縮版を絵の署名として実験しました。今日、私たちは彼が単に「ピカソ」と呼ばれているのをよく耳にします。

彼のフルネームは： パブロ、ホセ、フランシスコ・デ・パウラ、フアン・ネポムセノ、マリア・デ・ロス・レメディオス、聖三位一体のチプリアーノ、ルイス・ピカソ ¹.
な
_{ソース：
1. 「破壊の総和: ピカソの文化とキュービズムの創造」ナターシャ・スターラー著。イェール大学出版局。 209ページ。}

「アブサン酒飲み」 - ピカソ

ピカソの 1903 年の絵画「天使フェルナンデスデソトの肖像」(または「アブサン酒飲み」)。オリスカーフ/ゲッティイメージズ

この絵は、1903 年にピカソによって作成されました。青の時代 (青のトーンがピカソの絵画を支配していた時期、彼が 20 代の頃) です。絵よりもパーティーや飲酒に熱中したアーティスト、アンヘル・フェルナンデス・デ・ソトが登場します。¹、そしてバルセロナのピカソとスタジオを2回共有しました。

この絵は、ドイツ系ユダヤ人の銀行家パウル・フォン・メンデルスゾーン・バルトルディの子孫による主張を受けて、米国で所有権に関して法廷外の和解が成立した後、アンドリュー・ロイド・ウェバー財団によって 2010 年 6 月にオークションにかけられました。この絵は、ドイツのナチス政権下の 1930 年代に強要されていました。

_{ソース：
1.クリスティーズオークションハウスプレスリリース、「クリスティーズがピカソの傑作を提供」、2010 年 3 月 17 日。}

「悲劇」 - ピカソ

「悲劇」 - ピカソ。マイクとキム/ Flickr

パブロ・ピカソ、悲劇、1903年。木に油彩。サイズ 41 7/16 x 27 3/16 インチ (105.3 x 69 cm)。の中にナショナルギャラリーオブアート、ワシントン。

それは、名前が示すように、彼の絵画がすべてブルースに支配されていた彼の青の時代からのものです。

ピカソの有名な「ゲルニカ」のスケッチ

ピカソの絵画「ゲルニカ」のスケッチ。 Gotor /カバー/ゲッティイメージズ

巨大な絵画ゲルニカの計画と作業中に、ピカソは多くのスケッチと研究を行いました。写真は彼の一人を示しています構成スケッチは、それ自体はそれほど多くはないように見えますが、走り書きのコレクションです。

さまざまなものが何であるか、最終的な絵のどこにあるかを解読しようとする代わりに、それをピカソの速記と考えてください。単純マークメイキング彼が心に抱いていたイメージのために。彼がこれをどのように使用して、要素を絵画のどこに配置するか、これらの要素間の相互作用を決定する方法に注目してください。

「ゲルニカ」 - ピカソ

「ゲルニカ」 - ピカソ。ブルース・ベネット/ゲッティイメージズ

この有名なピカソの絵画は、高さ 11 フィート 6 インチ、幅 25 フィート 8 インチ (3.5 x 7.76 メートル) という巨大なものです。ピカソは、1937 年のパリ万国博覧会のスペイン館の依頼でこの絵を描きました。スペインのマドリッドにあるソフィア王妃芸術センターにあります。

「ミンゲル氏の肖像」 - ピカソ

パブロ・ピカソの「ミンゲル氏の肖像」（1901）。キャンバスに敷いた紙に油彩。サイズ: 52x31.5cm (20 1/2x12 3/8インチ)。オリスカーフ/ゲッティイメージズ

ピカソがこの肖像画を描いたのは、1901 年、彼が 20 歳のときでした。この人物は、ピカソが美術商で友人のペドロマナッハから紹介されたと考えられているカタロニア人のテーラー、ミンゲル氏です。¹.このスタイルは、ピカソが伝統的な絵画で受けた訓練と、彼の絵画スタイルが彼のキャリアの中でどれだけ発展したかを示しています。それが紙に描かれているということは、ピカソが破産し、キャンバスに絵を描くのに十分なお金を稼ぐことができなかったときに描かれたことを示しています.

ピカソはこの絵を贈り物としてミンゲルに贈ったが、後にそれを買い戻し、1973年に彼が亡くなったときにまだ持っていた. 絵はキャンバスに描かれ、ピカソの指導の下で「1969年より前に」復元された可能性が高い.²、ピカソのクリスチャン・ゼルヴォスの本のために写真が撮られたとき.

次回、すべての非写実主義の画家はどのようにしか絵を描かないかについてのディナーパーティーの議論の 1 つに参加するときは、概要、キュービスト、フォーヴィスト、印象派、あなたのスタイルを選んでください。なぜなら、彼らは「本物の絵画」を作ることができないからです。ピカソをこのカテゴリーに入れるかどうかをその人に尋ねて (ほとんどの場合)、この絵について言及してください。

_{ソース：
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Lot Details Impressionist and Modern Art Sale 2010 年 6 月 22 日。 (2010 年 6 月 3 日にアクセス。)}

「ドラ・マール」または「女性の頭」 - ピカソ

「ドラ・マール」または「女性の頭」 - ピカソ。ピーター・マクダーミッド/ゲッティイメージズ

2008 年 6 月にオークションで販売されたとき、ピカソのこの絵は 7,881,250 ポンド (15,509,512 米ドル) で落札されました。オークションの見積もりは 300 万から 500 万ポンドでした。

アヴィニョンの貴婦人 - ピカソ

Les Demoiselles d'Avignon、パブロピカソ作、1907 年。キャンバスに油彩、8 x 7' 8' (244 x 234 cm)。ニューヨーク近代美術館 (Moma)。ダヴィーナ・デヴリーズ/フリッカー

ピカソによるこの巨大な絵画 (約 8 平方フィート) は、これまでに作成された現代美術の中で最も重要な作品の 1 つとして知られています。の最も重要なのは、現代美術の発展における重要な絵画です。この絵は、売春宿の売春婦である 5 人の女性を描いていますが、それが何を意味するのか、その中でのすべての言及や影響については多くの議論があります。

美術評論家のジョナサン・ジョーンズ¹言います:

「アフリカの仮面についてピカソを驚かせたのは[右側の人物の顔に見られる]最も明白なことでした:彼らはあなたを変装させ、あなたを動物、悪魔、神などの別のものに変えます.モダニズムは仮面をかぶった芸術です。それが何を意味するのかは言いません。窓ではなく壁です。ピカソが主題を選んだのは、それが決まり文句だったからです。彼は、芸術の独創性が物語や道徳にあるのではなく、形式的な発明にあることを示したかったのです。これが、『アヴィニョンの娘たち』を売春宿、売春婦、または植民地主義を「描いた」絵画と見なすのが見当違いである理由です。

ソース：
1. パブロズ・パンクス ジョナサン・ジョーンズ著、保護者、2007 年 1 月 9 日。

「ギターを持つ女」 - ジョルジュ・ブラック

「ギターを持つ女」 - ジョルジュ・ブラック。インディペンデントマン/フリッカー

ジョルジュ・ブラック ギターを持つ女性 、1913年。キャンバスに油彩と木炭。 51 1/4 x 28 3/4 インチ (130 x 73 cm)。パリ国立近代美術館、ジョルジュ・ポンピドゥー・センターにて。

赤いスタジオ - アンリ・マティス

赤いスタジオ - アンリ・マティス. Liane / Lil'bear / Flickr

この絵はのコレクションにあるニューヨーク近代美術館（モマ）ニューヨークで。マチスの絵画スタジオの内部を平面化された遠近法または単一の画面で示しています。彼のスタジオの壁は実際には赤ではなく、白でした。彼は効果のために絵に赤を使用しました。

彼のスタジオには、彼のさまざまなアートワークとスタジオ家具が展示されています。彼のアトリエの家具の輪郭は、赤の上に塗られたのではなく、下の黄色と青の層から色を明らかにする塗料の線です。

1. '斜めの線が深さを示唆し、窓の青緑色の光が室内空間の感覚を強めますが、赤の広がりがイメージを平らにします.マティスは、部屋の隅の垂直線を省略するなどして、この効果を高めています。
-- MoMA ハイライト、Moma 発行、2004 年、77 ページ。

2. 「すべての要素は...芸術と生命、空間、時間、知覚、そして現実そのものの性質についての長期にわたる瞑想となったものの中に個々のアイデンティティを沈めます...西洋絵画の交差点であり、古典的な外向きの、主に過去の具象芸術が、暫定的で内面化された自己言及的な未来の精神に出会った...」
- ヒラリー・スパーリング、81ページ。

ダンス - アンリ・マティス

アンリ・マティスの有名な芸術家による有名な絵画のギャラリー「ダンス」(上) と彼が描いた油絵 (下)。写真ケイト・ギロン（上）とショーン・ギャラップ（下）/ゲッティイメージズ

上の写真はマチスの完成した絵画で、 ダンス 、1910 年に完成し、現在はロシアのサンクトペテルブルクのエルミタージュ美術館にあります。下の写真は、彼が絵のために行ったフルサイズの構図の研究を示しています。モマアメリカのニューヨークで。マティスは、ロシアのアートコレクター、セルゲイシュチュキンの依頼でこの絵を描きました。

これは、幅約 4 メートル、高さ 2.5 メートル (12' 9 1/2' x 8' 6 1/2') の巨大な絵で、赤の 3 色に限定されたパレットで描かれています。、緑、青。マティスがカラリストとして高い評価を得ている理由を示す絵だと思います。特に習作と、光り輝く人物を描いた最終的な絵を比較するとなおさらです。

マティスの伝記 (30 ページ) で、ヒラリー・スパーリングは次のように述べています。

'の最初のバージョンを見た人 ダンス それは淡く、繊細で、夢のようでさえあると説明し、色が強調された... 2番目のバージョンでは、明るい緑と空の帯に対して振動する朱色の人物の激しい平らなフリーズになりました。同時代の人々は、この絵を異教的でディオニュソス的なものと見なしていました。

平面化された遠近法に注意してください。具象絵画の遠近法や短縮化で発生するように、人物が小さくなることから遠く離れているのではなく、人物が同じサイズになっていることに注意してください。図形の背後にある青と緑の間の線がどのように湾曲しており、図形の円を反映しています。

「表面は、絶対的な青のアイデアである青が決定的に存在する点まで、彩度まで着色されていました.大地は鮮やかな緑、体は鮮やかな朱色。この 3 色で、光のハーモニーと音色の純粋さを実現しました。 -- マチス

ソース：
グレッグ・ハリスによる「教師と生徒のためのロシア語展の紹介」、ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ、ロンドン、2008年。

有名な画家: ウィレム・デ・クーニング

1967年、ニューヨーク州ロングアイランドのイーストハンプトンにあるスタジオで絵を描くウィレム・デ・クーニング。ベン・ヴァン・ミーロンドンク/ハルトン・アーカイブ/ゲッティイメージズ

画家のウィレム・デ・クーニングは、1904 年 8 月 24 日にオランダのロッテルダムで生まれ、1997 年 3 月 19 日にニューヨーク州ロングアイランドで亡くなりました。 Rotterdam Academy of Fine Arts and Techniques に 8 年間在籍。彼は 1926 年にアメリカに移住し、1936 年にフルタイムで絵を描き始めました。

デ・クーニングの画風は抽象表現主義。彼は 1948 年にニューヨークのチャールズイーガンギャラリーで最初の個展を開き、白黒のエナメルペイントの作品を発表しました。（彼はアーティストの顔料を買う余裕がなかったので、エナメル絵の具を使い始めました。）女性シリーズ) 含まれている人型が多すぎます。

彼の絵には多くのレイヤーが含まれており、絵を何度も作り直したときに、要素が重なり合ったり隠れたりしました。変更を表示できます。彼は、最初の構図と絵を描いている間、木炭でキャンバスに広範囲に描きました。彼の筆遣いはジェスチャー的で表現力豊かでワイルドで、ストロークの背後にエネルギーを感じます。最終的な絵は一見完成しましたが、そうではありませんでした。

De Kooning の芸術作品は 70 年近くに及び、絵画、彫刻、素描、版画が含まれていました。 1980 年代後半の彼の最後の絵画ソース。彼の最も有名な絵画は ピンクの天使 （1945年頃）、発掘（1950）、および彼の3番目女性シリーズ（1950–53）は、より絵画的なスタイルと即興的なアプローチで行われました。 1940 年代、彼は抽象的で表象的なスタイルで同時に働きました。彼のブレイクスルーは、1948 年から 49 年にかけての白黒の抽象的な作品でした。 1950 年代半ばに彼は都市の抽象化を描き、1960 年代には造形に戻り、1970 年代には大きな身振りの抽象化に戻った。 1980 年代、de Kooning は滑らかな表面で作業するようになり、ジェスチャードローイングの断片を明るく透明な色で艶出ししました。

アメリカンゴシック - グラントウッド

スミソニアンアメリカンアートミュージアムでキュレーターのジェーンミロッシュとグラントウッドの有名な絵画「アメリカンゴシック」を鑑賞。絵のサイズ: 78x65 cm (30 3/4 x 25 3/4 インチ)。ビーバーボードに油彩。シーラ・クレイグヘッド/ホワイトハウス/ゲッティイメージズ

ゴシックアメリカ はおそらく、これまでに作成されたアメリカ人アーティスト、グラント・ウッドのすべての絵画の中で最も有名です。現在はシカゴ美術館にあります。

グラント・ウッドは 1930 年に「アメリカン・ゴシック」を描いた。男性と娘（妻ではない）を描いている。¹) 家の前に立っています。グラントは、アイオワ州エルドンで絵に影響を与えた建物を見ました。建築様式はアメリカンゴシック様式で、絵画のタイトルはそこに由来しています。絵のモデルは、ウッドの妹と歯科医でした。².この絵は、男性のオーバーオールの下端近くにサインがあり、アーティストの名前と制作年が記されています (Grant Wood 1930)。

絵の意味は？ウッドは、ピューリタンの倫理を示す中西部アメリカ人の性格を堂々と表現することを意図していました。しかし、それは部外者に対する農村住民の不寛容に対するコメント (風刺) と見なすことができます。この絵の象徴性には、重労働 (熊手) と家事 (植木鉢とコロニアルプリントのエプロン) が含まれています。よく見ると、フォークの 3 つの突起が男性のオーバーオールのステッチに反映され、シャツのストライプまで続いているのがわかります。

^{ソース：
ゴシックアメリカ、シカゴ美術館、2011 年 3 月 23 日検索。}

「十字架の聖ヨハネのキリスト」 - サルバドール・ダリ

サルバドール・ダリによる十字架の聖ヨハネのキリスト、グラスゴーのケルビングローブ美術館のコレクション。ジェフ・J・ミッチェル/ゲッティイメージズ

によるこの絵画サルバドール・ダリのコレクションにありますケルヴィングローブ美術館と博物館スコットランド、グラスゴーにて。それは 1952 年 6 月 23 日にギャラリーで最初に展示されました。この絵は 8,200 ポンドで購入されました。これは、ギャラリーが複製料を稼ぐことを可能にする著作権が含まれていたにもかかわらず、高値と見なされていました (そして数え切れないほどのポストカードを販売しました!)。 .

ダリが絵画の著作権を売却するのは珍しいことでしたが、彼にはお金が必要でした。 (署名がない限り、著作権はアーティストに残ります。アーティストの著作権に関するよくある質問 .)

明らかに財政難で、ダリは当初12,000ポンドを要求しましたが、いくつかの厳しい交渉の後...彼はそれをほぼ3分の1以下で売却し、1952年に[グラスゴー]市に著作権を譲渡する書簡に署名しました.

絵のタイトルは、ダリにインスピレーションを与えた絵への言及です。ペンとインクの描画は、十字架の聖ヨハネ (スペインのカルメル会の修道士、1542 年 - 1591 年) が、あたかも上から見ているかのようにキリストの磔刑を見たビジョンの後に行われました。構図は、キリストの磔刑の珍しい視点が印象的で、照明はドラマチックで力強く投げかけられています影、そして大いに活用されています短縮図で。絵の下部にある風景は、ダリの故郷、スペインのポートリガットの港です。
この絵は多くの点で物議を醸しています。主題;スタイル（モダンではなくレトロに見えた）。ギャラリーのウェブサイトで絵の詳細をお読みください。

ソース：
' ダリのイメージのシュールなケースと芸術ライセンスをめぐる争い 'セヴェリン・カレル著、 保護者 、2009 年 1 月 27 日

キャンベルのスープ缶 - アンディ・ウォーホル

アンディ・ウォーホルのスープ缶絵。 Tjeerd Wiersma / Flickr

アンディ・ウォーホルの詳細 キャンベルのスープ缶 .キャンバスにアクリル。各20x16フィート (50.8x40.6cm) の32枚の絵画。のコレクションでは、ニューヨーク近代美術館 (MoMA) ニューヨークで。

ウォーホルは、1962 年にキャンベルのスープ缶の絵のシリーズを初めて展示しました。各絵の底は、スーパーマーケットの缶のように棚に置かれています。このシリーズには 32 の絵があり、当時キャンベルが販売していたスープの種類の数です。

ウォーホルがパントリーにスープの缶をストックし、絵を描き終えたときに缶を食べることを想像したとしても、そうではないようです。モマのウェブサイトによると、ウォーホルはキャンベルの製品リストを使用して、各絵画に異なるフレーバーを割り当てました。

それについて尋ねられたとき、ウォーホルは次のように言いました。

「昔飲んでました。私は毎日同じランチを食べていました.20年間、同じことを何度も繰り返していたと思います.¹

ウォーホルはまた、彼が絵画を表示したい順序を持っていなかったようです. Momaは、左上の「トマト」から始まり、[スープ]が導入された年代順を反映する行で絵画を表示します。 1897年。

したがって、シリーズをペイントして特定の順序で表示する場合は、そのことをどこかに書き留めておいてください。キャンバスの後端はおそらく絵から離れないので最適です (ただし、絵が額装されている場合は隠れる可能性があります)。

ウォーホルは、派生的な作品を作りたい画家からよく言及されるアーティストです。同様のことを行う前に、次の 2 つの点に注意してください。

の上ももさんのサイト、Campbell's Soup Co からのライセンスの表示があります (つまり、スープ会社とアーティストの財産の間のライセンス契約)。
著作権の行使は、ウォーホルの時代にはそれほど問題ではなかったようです。ウォーホルの作品に基づいて著作権を推測しないでください。調査を行い、著作権侵害の可能性についてどの程度の懸念があるかを判断してください。

キャンベルはウォーホルに絵を依頼しませんでしたが（その後、1964年に退任する取締役会長のために依頼しましたが）、1962年にウォーホルの絵にブランドが登場したときに懸念を抱き、反応がどうなるかを判断するために様子見のアプローチを採用しました.絵にでした。 2004 年、2006 年、2012 年に、キャンベルズは特別なウォーホルの記念ラベルが付いた缶を販売しました。

_{ソース：
1. に引用されているようにモマ、2012 年 8 月 31 日にアクセス。}

ワーターの近くの大きな木 - デビッド・ホックニー

デビッド・ホックニーウォーター近くの大きな木. 上: Dan Kitwood / Getty Images.下: Photo by Bruno Vincent / Getty Images

上： 2008 年 4 月にテートブリテンに寄贈された彼の油絵「ウォーターの近くの大きな木」の一部のそばに立っている芸術家のデイビッドホックニー。

下：この絵は、ロンドンのロイヤルアカデミーで開催された 2007 年の夏の展示会で、壁全体に初めて展示されました。

デビッド・ホックニーの油絵「ウォーターの近くの大きな木」（別名 ポスト写真時代の外光絵画 ) は、ヨークシャーのブリドリントン近くのシーンを描いています。並べて並べられた50枚のキャンバスから作られた絵。合わせて、絵の全体のサイズは 40x15 フィート (4.6x12 メートル) です。

ホックニーがこの絵を描いたとき、それは彼がこれまでに完成させた中で最大の作品でしたが、複数のキャンバスを使用して作成した最初の作品ではありませんでした。

' はしごがなくてもできることに気づいたので、これを行いました。絵を描いているときは、後退できる必要があります。はしごから降りて亡くなったアーティストもいますよね？ '
-- で引用されたホックニーロイター 2008 年 4 月 7 日のニュースレポート。

ホックニーは絵とコンピューターを使って構図と絵を描きました。セクションが完成した後、コンピューターで絵全体を見ることができるように写真が撮られました。

「最初に、ホックニーは、シーンがどのように 50 枚のパネルに収まるかを示すグリッドをスケッチしました。その後、彼はその場で個々のパネルに取り組み始めました。一度に 6 枚のパネルしか壁に貼ることができなかったので、彼がそれらに取り組んでいる間、それらは写真を撮られ、コンピューターモザイクにされました。

ソース：
シャーロット・ヒギンズ ガーディアン 芸術特派員、ホックニーはテイトに巨額の作品を寄付、2008 年 4 月 7 日。

ヘンリー・ムーアの戦争画

Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension by Henry Moore 1941. 紙にインク、水彩、ワックス、鉛筆。テイトヘンリー・ムーア財団の許可を得て複製

のヘンリー・ムーア展ロンドンのテートブリテンギャラリーで 2010 年 2 月 24 日から 8 月 8 日まで開催されました。

英国のアーティスト、ヘンリー・ムーアは彫刻で最も有名ですが、第二次世界大戦中にロンドンの地下鉄駅に避難する人々のインク、ワックス、水彩画でも知られています。ムーアは公式戦争アーティストであり、2010 ヘンリー・ムーア展テートブリテンギャラリーには、これらの部屋があります。 1940 年の秋から 1941 年の夏にかけて制作された、列車のトンネルに身を寄せ合って眠っている人物の描写は、彼の評判を変え、電撃戦に対する一般的な認識に影響を与えた苦悩の感覚を捉えました。 1950 年代の彼の作品は、戦争の余波とさらなる紛争の見通しを反映していました。

ムーアはヨークシャーで生まれ、第一次世界大戦に従軍した後、1919 年にリーズ美術学校で学びました。 1921 年に彼はロンドンのロイヤルカレッジへの奨学金を獲得しました。その後、ロイヤルカレッジやチェルシースクールオブアートで教鞭をとった。 1940 年からムーアはハートフォードシャーのペリーグリーンに住んでいました。ヘンリー・ムーア財団 . 1948 年のヴェネツィアビエンナーレで、ムーアは国際彫刻賞を受賞しました。

「フランク」 - チャック・クローズ

「フランク」 - チャック・クローズ。ティム・ウィルソン/フリッカー

チャック・クローズ作「フランク」、1969年。キャンバスにアクリル。サイズ 274.3×213.4×7.6cm 108×84×3インチ。の中にミネアポリス美術館 .

ルシアン・フロイトの自画像と写真の肖像

左: ルシアン・フロイト作「自画像: 反射」(2002) 26x20' (66x50.8cm)。キャンバスに油彩。右: 2007 年 12 月に撮影したポートレート写真。スコット・ウィントロウ/ゲッティイメージズ

その芸術家ルシアン・フロイト彼の強烈で容赦のない視線で知られていますが、この自画像が示すように、彼はモデルだけでなく自分自身にそれを向けています.

1.「素晴らしい肖像画は、感情と個性、そして敬意の強さ、具体的なものへの焦点に関係していると思います。」¹
2. '...あなたは自分を別人として描くようにしなければなりません.自画像では「らしさ」が別物になります。表現主義者になることなく、自分が感じることをしなければなりません。²

^{ソース：
1. ルシアン・フロイト、Freud at Work p32-3 で引用。 2. ウィリアム・フィーバーによるルシアン・フロイトで引用されたルシアン・フロイト (テート・パブリッシング、ロンドン 2002)、p43.}

「モナリザの父」 - マン・レイ

マン・レイの「モナ・リザの父」。新語/フリッカー

マン・レイ作「モナ・リザの父」、1967年。繊維板に描かれた絵を複製し、葉巻を追加。サイズ 18 x 13 5/8 x 2 5/8 インチ (45.7 x 34.6 x 6.7 cm)。のコレクションでは、ハースホーンミュージアム .

マン・レイといえば写真だけを連想する人が多いが、彼は芸術家であり画家でもあった。彼はアーティストのマルセル・デュシャンと親交があり、彼と共同作業を行っていました。

1999 年 5 月、アートニュース雑誌は、20 世紀で最も影響力のある 25 人のアーティストのリストにマンレイを含めました。マンレイの写真と「映画、絵画、彫刻、コラージュ、集合体の探求」が評価されました。これらのプロトタイプは、最終的にパフォーマンスアートやコンセプチュアルアートと呼ばれることになります。

アートニュースは次のように述べています。

「マン・レイは、あらゆるメディアのアーティストに、その『快楽と自由の追求』[マン・レイが述べた指導原則] において、到達したすべてのドアのロックを解除し、行きたいところを自由に歩いた創造的な知性の例を提供しました。」(引用元: アートNews、1999 年 5 月、AD Coleman 著「Willful Provocateur」)

この作品「モナリザの父」は、比較的単純なアイデアがいかに効果的であるかを示しています。難しいのは、そもそもアイデアを思いつくことです。ひらめきの閃きとしてやってくることもあります。時にはアイデアのブレインストーミングの一環として。時には概念や考えを発展させ、追求することによって。

有名な画家: イヴ・クライン

Charles Wilp / スミソニアン協会 / ハーシュホーン博物館

ふりかえり: 2010 年 5 月 20 日から 2010 年 9 月 12 日まで、米国ワシントン州のハーシュホーン美術館で開催されたイヴクライン展。

アーティストのイヴ・クラインは、彼の特別なブルーを特徴とするモノクロームのアートワークでおそらく最も有名です (たとえば、「生きている絵筆」を参照)。 IKBまたはインターナショナルクラインブルーは、彼が調合したウルトラマリンブルーです.

クラインは自分自身を「空間の画家」と呼び、「純粋な色によって非物質的な精神性を達成しようと努め」、「芸術の概念的性質の現代的な概念」に関心を持っていました。¹.

クラインのキャリアは比較的短く、10 年未満でした。彼の最初の公開作品はアーティストの本でした イヴの絵画 (「イヴの絵画」)、1954 年に出版。彼の最初の公の展覧会は 1955 年でした。彼は 1962 年に心臓発作で 34 歳で亡くなりました。( クラインの生涯のタイムラインからイヴ・クラインのアーカイブ .)

_{ソース：
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers、Hirshhorn Museum、http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252、2010 年 5 月 13 日にアクセス。}

「生きている絵筆」 - イヴ・クライン

無題 (ANT154) イヴ・クライン作。紙、キャンバスに顔料、合成樹脂。 102x70インチ (259x178cm)。サンフランシスコ近代美術館 (SFMOMA) のコレクション。デビッド・マーウィック/フリッカー

フランス人アーティストによるこの絵イヴ・クライン (1928-1962) は、彼が「生きた絵筆」を使用したシリーズの 1 つです。彼はヌードの女性モデルを彼の代表的な青い絵の具 (International Klein Blue、IKB) で覆い、観客の前で大きな紙に口頭で指示することで「描いた」パフォーマンスアートを披露しました。

タイトル「ANT154」は、美術評論家のピエール・レスタニーが制作した絵画を「青の時代の人体計測」と表現したコメントに由来しています。クラインは、頭字語ANTをシリーズのタイトルとして使用しました.

黒い絵 - Ad Reinhardt

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アド・ラインハルトの黒い絵. エイミー・シア /フリッカー

色に関しては、何かが間違っていて、無責任で、思慮のないところがあります。コントロールできない何か。制御と合理性は私の道徳の一部です。 -- アドラインハルト、1960 年¹

アメリカ人アーティスト、アドラインハルト (1913-1967) によるこのモノクロームの絵画は、ニューヨーク近代美術館 (Moma) にあります。それは 60x60 フィート (152.4x152.4cm) で、キャンバスに油彩で、1960 年から 61 年にかけて描かれました。過去 10 年間と彼の生涯 (1967 年に亡くなった) の間、ラインハルトは自分の絵に黒だけを使用していました。

エイミー・シア写真を撮った .

写真で見えなくてもご安心ください。絵の前にいてもわかりにくい。彼女の中ラインハルトのエッセイグッゲンハイムの場合、ナンシー・スペクターは、ラインハルトのカンヴァスを「可視性の限界に挑戦する、かろうじて識別できる十字形を含む落ち着いた黒い四角形」と説明しています。².

^{ソース：
1. アートの色ジョン・ゲージ著、p205
2. ナンシー・スペクターのラインハルト、グッゲンハイム美術館 (2013 年 8 月 5 日アクセス)}

ジョン・バーチューのロンドンの絵

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キャンバスに白のアクリル絵の具、黒のインク、シェラック。ロンドンのナショナル・ギャラリーのコレクションに。ジェイコブ・アッペルバウム /フリッカー

英国のアーティスト、ジョン・バーチューは、1978 年以来、抽象化された風景を白黒だけで描いてきました。バーチューは、ロンドンナショナルギャラリーが制作した DVD で、白黒で仕事をすることで、彼に「発明的で…再発明する」力を与えていると述べています。色を避けることで、そこにある色についての私の感覚が深まります…私が見ているものの実際の感覚は…油絵の具のパレットを持たないことによって、最もよく、より正確に、より伝えられます.色は袋小路です。

これは、ナショナルギャラリーのアソシエイトアーティストであった (2003 年から 2005 年まで) ジョンバーチューがロンドンで描いた作品の 1 つです。のナショナルギャラリーのウェブサイトは美徳の絵画を「東洋の筆画とアメリカの抽象表現主義との親和性」を持ち、「美徳が非常に賞賛する偉大な英国の風景画家、ターナーとコンスタブル」に密接に関連していると説明し、「オランダとフランダースの風景の影響を受けている」と述べています。ロイスダール、コーニンク、ルーベンス。

美徳は彼の絵にタイトルを付けず、番号だけを付けます。 2005年4月号のインタビューで アーティストとイラストレーター Virtue 誌によると、1978 年にモノクロームでの作業を開始したとき、時系列で作品に番号を付け始めたとのことです。

「階層はありません。 28 フィートか 3 インチかは関係ありません。それは私の存在の非言語日記です。

彼の作品は単に「風景45号」「風景630号」などと呼ばれています。

The Art Bin - マイケル・ランディ

展覧会や有名な絵画の写真で、アートの知識を広げます。サウスロンドンギャラリーで開催されたマイケルランディの展覧会「The Art Bin」の写真。上: ビンの横に立つと、スケール感が増します。左下: ビンの中のアートの一部。右下: ゴミになりそうな重い額入りの絵。写真 2010 マリオン・ボディ＝エバンス。 About.com、Inc.にライセンスされています。

アーティストのマイケル・ランディによるアート・ビン展が開催されました。サウス・ロンドン・ギャラリー 2010 年 1 月 29 日から 3 月 14 日まで。³）アートが捨てられるギャラリースペースに組み込まれたゴミ箱、「創造的失敗の記念碑」¹.

しかし、古いアートだけではありません。オンラインまたはギャラリーで、マイケル・ランディまたは彼の代理人の1人が、それを含めることができるかどうかを決定して、アートをゴミ箱に捨てるように申請する必要がありました.受け入れられた場合、一方の端にあるタワーからビンに投げ込まれました。

私が展示会に行ったとき、いくつかの作品が投入されました.投げる人は、1つの絵をコンテナの反対側に滑らせる方法からたくさんの練習をしていました.

芸術の解釈は、いつ/なぜ芸術が良い (またはがらくた) と見なされるか、芸術に起因する価値の主観性、芸術収集の行為、芸術収集家とギャラリーが芸術家のキャリアを成功させたり壊したりする力についての道をたどります。

投げ込まれたもの、壊れたもの (たくさんのポリスチレンの破片)、および壊れていないもの (キャンバス上のほとんどの絵は完全でした) を見て、側面に沿って歩くのは確かに興味深いものでした。一番下のどこかに、ダミアン・ハーストによるガラスで飾られた大きな頭蓋骨のプリントと、トレーシー・エミンによる作品がありました.最終的に、リサイクル可能なものは (紙やキャンバスの担架など)、残りは埋立地に送られます。ゴミとして埋葬されており、考古学者によって何世紀も後に掘り起こされる可能性は低い.

_{ソース：
1&2. #Michael Landy: Art Bin (http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164)、サウスロンドンギャラリーのウェブサイト、2010 年 3 月 13 日にアクセス。}

バラク・オバマ - シェパード・フェアリー

シェパード・フェアリーによる「バラク・オバマ」(2008)。紙にステンシル、コラージュ、アクリル。 60x44 インチ。ナショナルポートレートギャラリー、ワシントン DC。メアリー・K・ポデスタに敬意を表してヘザーとトニー・ポデスタのコレクションを贈呈。シェパード・フェアリー / ObeyGiant.com

米国の政治家であるバラク・オバマのこの絵は、ミクストメディアのステンシルコラージュで、ロサンゼルスを拠点とするストリートアーティストによって作成されました。シェパード・フェアリー .これは、オバマの 2008 年の大統領選挙キャンペーンで使用された中心的な肖像画であり、限定版の印刷物および無料ダウンロードとして配布されました。現在はワシントン DC のナショナルポートレートギャラリーに所蔵されています。

1. オバマ氏のポスターを作成するために (彼は 1 週間もかからずに作成しました)、フェアリーはインターネットから候補者のニュース写真を入手しました。彼は大統領に見えるオバマを探した. ... 次に、アーティストは、赤、白、青の愛国的なパレット (白をベージュに、青をパステル調にすることで遊んでいます) を採用して、線と幾何学を単純化しました... 太字の言葉...
2. 「彼のオバマのポスター (そして彼の商業作品や美術作品の多く) は、革新的なプロパガンダのテクニックを作り直したものです。鮮やかな色、大胆な文字、幾何学的なシンプルさ、英雄的なポーズなどです。」

ソース : な
「オバマのオン・ザ・ウォール支持」ウィリアム・ブース著、 ワシントンポスト 2008 年 5 月 18 日。

「レクイエム、白いバラと蝶々」 - ダミアン・ハースト

ダミアン・ハースト (2008) の「レクイエム、白いバラと蝶」。 1500×2300mm。キャンバスに油彩。 Damien Hirst および The Wallace Collection 提供。プルーデンス・カミング・アソシエイツ・リミテッド / ダミアン・ハースト

英国の芸術家ダミアン・ハーストは、ホルムアルデヒドで保存された動物で最も有名ですが、40 代前半に油絵に戻りました。 2009 年 10 月には、2006 年から 2008 年にかけて制作された絵画をロンドンで初めて展示しました。これは、有名な芸術家によるまだ有名ではない絵画の例です。エキシビション「No Love Lost」と題されたロンドンのウォレスコレクションで。 (日付: 2009 年 10 月 12 日から 2010 年 1 月 24 日まで。)

BBCのニュースハーストの言葉を引用

「彼は今、もっぱら手で絵を描いています」、2 年間、彼の「絵は恥ずかしくて、誰にも入って欲しくなかった」ということです。そして、彼は「10 代の美術学生だったので、初めて絵を描くことを再学習しなければならなかった」と述べています。¹

ウォレス展に付随するプレスリリースは次のように述べています。

「青い絵画」は、彼の作品の大胆な新しい方向性を証明しています。アーティストの言葉を借りれば、「過去と深く結びついている」一連の絵画です。

キャンバスに絵の具を塗ることは、確かにハーストにとって新しい方向性であり、ハーストが行くところには、美術の学生が従う可能性が高い.油絵が再びトレンドになるかもしれません。

About.com のロンドン旅行ガイドであるローラポーターは、ハーストの展覧会のプレスプレビューに行き、私が知りたいと思っていた 1 つの質問に対する答えを得ました。

ローラはそれが「だった」と言われましたプルシアンブルー 25 枚の絵のうち、黒の 1 枚を除いて、すべてが対象です。こんなに暗くくすぶっている青なのも不思議ではありません！

美術評論家エイドリアン・サール 保護者 ハーストの絵についてはあまり好意的ではありませんでした:

「最悪の場合、ハーストの絵はアマチュア的で思春期に見えます。彼の筆遣いには、画家の嘘を信じさせるほどの力強さと華麗さが欠けている。彼はまだそれを運ぶことができません。²

_{ソース：
1 ハースト「ピクルスをあきらめる」、BBC ニュース、2009 年 10 月 1 日
2。 ' ダミアン・ハーストの絵は致命的に鈍い、エイドリアン・サール、ガーディアン、2009 年 10 月 14 日。}

有名なアーティスト: アントニー・ゴームリー

アーティストのアントニー・ゴームリー (前景) は、ロンドンのトラファルガー広場で彼の第 4 台座インスタレーションアートワークの初日を迎えました。ジム・ダイソン/ゲッティイメージズ

アントニー・ゴームリーは、おそらく 1998 年に発表された彼の彫刻「北の天使」で最も有名な英国の芸術家です。それはイングランド北東部のタインサイドにあり、かつて炭鉱だった場所にあり、幅 54 メートルの翼であなたを歓迎します。

2009 年 7 月、ロンドンのトラファルガー広場にある 4 番目の台座に設置されたゴームリーのインスタレーションアートワークでは、ボランティアが台座に 1 時間、1 日 24 時間、100 日間立っていました。トラファルガー広場の他の台座とは異なり、ナショナルギャラリーのすぐ外にある 4 番目の台座には常設の像がありません。参加者の何人かはアーティスト自身で、彼らの変わった視点をスケッチしました（写真）。

アントニー・ゴームリーは1950年ロンドン生まれ。彼は、1977 年から 1979 年にかけてロンドンの Slade School of Art で彫刻に焦点を当てる前に、英国のさまざまな大学とインドとスリランカの仏教で学びました。彼の最初の個展は、1981 年にホワイトチャペルアートギャラリーで行われました。1994 年にゴームリー「イギリス諸島のためのフィールド」でターナー賞を受賞。

彼の伝記 Webサイト言います:

...アントニー・ゴームリーは、自分の体を主題、道具、素材として使用し、記憶と変容の場所としての身体を根本的に調査することで、彫刻における人間のイメージを再活性化しました。 1990年以来、彼は人間の状態への関心を拡大し、大規模なインスタレーションで集合体と自己と他者の関係を探求してきました...

ゴームリーは、伝統的なスタイルの彫像を作ることができないため、自分がやっているタイプのフィギュアを作っていません。むしろ、彼は違いと、それらが私たちにそれらを解釈する能力を与えてくれることを楽しんでいます.とのインタビューで タイムズ ¹、彼は言った：

「伝統的な彫像は可能性ではなく、すでに完成しているものです。彼らは、協力的ではなく抑圧的な道徳的権威を持っています。私の作品はその空虚さを認めています。

^{ソース：
Antony Gormley, the Man Who Broke the Mould by John-Paul Flintoff、The Times、2008 年 3 月 2 日。}

有名な現代英国の画家

現代の画家。ピーター・マクダーミッド/ゲッティイメージズ

左からアーティストのボブとロバータ・スミス、ビル・ウッドロー、ポーラ・レゴ、マイケル・クレイグ・マーティン、マギー・ハンブリング、ブライアン・クラーク、キャシー・ド・モンショー、トム・フィリップス、ベン・ジョンソン、トム・ハンター、ピーター・ブレイク、およびアリソン・ワット。

機会は絵画の鑑賞でした ダイアナとアクテオン ロンドンのナショナルギャラリーにあるティツィアーノ (目に見えない、左端) によって、ギャラリー用の絵を購入するための資金を集めることを目的としています。

有名なアーティスト: リー・クラスナーとジャクソン・ポロック

リー・クラスナーとジャクソン・ポロック、東ハンプトンにて。 1946年。写真10x7cm。 Jackson Pollock と Lee Krasner の論文。 1905～1984年。アメリカンアートのアーカイブ、スミソニアン協会。ロナルド・スタイン / ジャクソン・ポロックとリー・クラスナー・ペーパーズ

この二人の画家のうち、ジャクソン・ポロックリー・クラスナーよりも有名ですが、彼女のサポートと彼のアートワークの宣伝がなければ、彼はアートのタイムラインに彼の居場所がないかもしれません.どちらも抽象表現主義のスタイルで描かれています。クラスナーは、単にポロックの妻と見なされるのではなく、彼女自身が批評家の称賛を得るために苦労しました。クラスナーは、ポロック・クラスナー財団、ビジュアルアーティストに助成金を与えます。

ルイ・アストン・ナイトのはしごイーゼル

アメリカンアートのアーカイブ / スミソニアン協会のサンズアートリファレンス部門の記録、c。 1865-1957)' id='mntl-sc-block-image_2-0-260' />

ルイス・アストン・ナイトと彼のはしごイーゼル。 c.1890 (撮影者不明。白黒写真プリント。寸法: 18cmx13cm。コレクション: Charles Scribner's Sons Art Reference Department Records、c. 1865-1957)。アメリカンアートのアーカイブ / スミソニアン協会

ルイス・アストン・ナイト (1873--1948) は、風景画で知られるパリ生まれのアメリカ人アーティストです。彼は当初、アーティストの父であるダニエル・リッジウェイ・ナイトの下で訓練を受けました。彼は1894年に初めてフランスのサロンに出展し、アメリカでも評価を得ながら生涯にわたって出展を続けました。彼の絵残光 1922年、アメリカ大統領ウォーレン・ハーディングがホワイトハウスのために購入した。

からのこの写真アメリカンアートのアーカイブ残念ながら、場所はわかりませんが、イーゼルはしごと絵の具を持って喜んで水に入るアーティストは、自然を観察することに専念しているか、かなりのショーマンであったと考えなければなりません.

1897年：女性美術教室

アメリカンアートのアーカイブ /スミソニアン協会。インストラクターのウィリアム・メリット・チェイスによるアートクラス。 id='mntl-sc-block-image_2-0-263' />

ウイリアム・メリット・チェイス講師による女性アートクラス。アメリカンアートのアーカイブ / スミソニアン協会。

この写真は 1897 年からアメリカンアートのアーカイブインストラクターのウィリアム・メリット・チェイスによる女性のアートクラスを示しています。その時代には、男性と女性は別々に美術の授業を受けていましたが、当時の事情により、女性は幸運にも美術教育を受けることができました。

アートサマースクール 1900年頃

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1900年のサマーアートスクール。アメリカンアートのアーカイブ / スミソニアン協会

ミネソタ州メンドータにあるセントポールスクールオブファインアーツのサマークラスの美術学生は、1900 年頃に教師のバートハーウッドと一緒に撮影されました。

ファッションは別として、大きな日よけ帽は非常に実用的です屋外で絵を描く太陽が目に入らないようにし、顔が日焼けするのを防ぎます (長袖のトップスと同様)。

「ネルソンの瓶詰めの船」 - インカ・ショニバル

トラファルガー広場の 4 番目の台座にあるボトルに入ったネルソンの船インカショニバール。ダンキットウッド/ゲッティイメージズ

作品に劇的な影響を与えるのは、主題よりもはるかに作品のスケールである場合があります。インカ・ショニバルの「ネルソンの船」はそのような作品です。

Yinka Shonibar の「Nelson's Ship in a Bottle」は、さらに高いボトルの中にある高さ 2.35 メートルの船です。ネルソン中将の旗艦、HMS の 1:29 スケールのレプリカです。勝利 .

「ネルソンの瓶詰めの船」は、2010 年 5 月 24 日にロンドンのトラファルガー広場の 4 番目の台座に登場しました。フォース・プリンス・コミッショニング・グループ .

「ネルソンの瓶詰めの船」の前の作品はアントニー・ゴームリーの「One & Other」で、別の人が台座の上に 1 時間、24 時間、100 日間立っていました。

2005年から2007年にかけて、マーク・クインの彫刻を見ることができました。 妊娠中のアリソン・ラッパー 、2007 年 11 月からは、トーマスシュッテによるホテル 2007 のモデルでした。

「Nelson's Ship in a Bottle」のセイルのバティックデザインは、アフリカの布地とその歴史にインスパイアされ、アーティストがキャンバスにハンドプリントしたものです。ボトルは 5x2.8 メートルで、ガラスではなくパースペックスでできており、ボトルの開口部は船を建造するために内部に登るのに十分な大きさです。