アーティストの家: 有名な画家のクリエイティブ スペースとアート スタジオ

ジヴェルニーのクロード・モネ 、1920年（左）、 フリーダ・カーロの肖像 、フローレンス・アルカン 、1948年、アメリカ美術のアーカイブ（中央）、および ジョージア・オキーフ 、1968年、ナショナル・ポートレート・ギャラリー、スミソニアン協会（右）

アーティストを取り巻く環境は、最終的に作品や遺産と絡み合う可能性があります。クロード・モネは、フリーダ・カーロがそうであるように、フランスのジヴェルニーに関連付けられています。 メキシコ、コヨアカン。これらのアーティストを周囲のレンズを通して見ることは、彼らの芸術的技法、プロセス、および信念への新しい洞察につながる可能性があります。カーテンを引いて、歴史上最も影響力のある画家たちの家やアート スタジオを見てみましょう。

ニュー メキシカン ホームズ アンド アート スタジオ オブ ジョージア オキーフ

スタジオのカーテンを開けるオキーフ トニー・ヴァカーロ 、1960年、ジョージア・オキーフ美術館

のアートスタジオの広い窓 ジョージア・オキーフ ニューメキシコの広大な風景をご覧ください。オキーフを最初に魅了したのはこの風景であり、最終的に彼女の残りの人生とキャリアのための家になりました。彼女の土地とのつながりは、彼女に新たな独立感をもたらしました。それは、彼女に独特の空間を作り出す能力を与えました。

ゴースト ランチ: オキーフの南西部のワイルドな背景

ゴースト牧場、パティオ トッド・ウェッブ 、 1955-1981年、ジョージア・オキーフ美術館

ニューメキシコ州には、ジョージア・オキーフが自宅兼スタジオとして使用した場所が 2 か所あります。 Ghost Ranch、または Rancho de los Burros は、人々が部屋を借りて土地で働くことができる牧場でした。オキーフは夏の間滞在し、ニューヨークに戻って夫のアルフレッド・スティーグリッツを亡くなるまで訪ねました。

私の前庭、夏 ジョージア・オキーフ 、1941年、ジョージア・オキーフ博物館

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牧場は、メサの険しい層と平らな砂漠の土地の間に設定されています。メサは、さび色の砂岩と、紫、青、黄色の範囲の堆積物で層になっています。砂漠には緑の低木と木々が点在しています。土地は息をのむほど美しいですが、ゴースト牧場を管理するのは困難でした。電話もなく孤立しており、灌漑システムも貧弱でした。耕作可能でありながら美しい家を求めて、オキーフは 2 番目の家にたどり着きました。

アビキュー ホームステッド: 自然と建築が出会う場所

ジョージア・オキーフのアビキュー・ハウス、ビガス、スタジオ・ドア ジョージア・オキーフ 、1964年、ジョージア・オキーフ美術館

ゴースト ランチを運営するという厳しい努力により、オキーフはアビキューの家を発見しました。それは形が悪く、最初は住めませんでしたが、オキーフはそれを持たなければならないことを知っていました.彼女がこの物件を訪れたとき、その謎めいた存在に彼女は引き込まれました。リノベーションには、ネイティブアメリカンとスペインの影響からこの地域に見られる建築を組み込むことが含まれていました。杉の丸太で作られたビガが天井に並び、日干し煉瓦はオキーフ自身の土地から作られました。

ジョージア・オキーフの家とスタジオのインテリア ジャック・ブーシェ著 、国立公園局

これらのテーマは、彼女の家のインテリアにも貫かれていました。 O'Keeffe には、天窓、見晴らしの窓、開いた戸口があり、家に自然光が差し込むようになっていました。彼女の家具は、洗練された装飾のない日干しレンガの壁と最小限の装飾にマッチしています。アビキューの家は、ドアの外の険しい野生生物と比べて落ち着いた存在感を生み出します。アメリカ南西部のワイルドで素朴な風景と調和しています。

新しいメキシコの風景: アートが人生を反映する場所

ジョージア・オキーフのアビキュー・ハウス、パティオ ジョージア・オキーフ 、1964年（左）、および 窓越しのドア ジョージア・オキーフ 、1956年、ジョージア・オキーフ博物館（右）

周囲の砂漠の土地は、オキーフのキャリアにおける絵画に大きな影響を与えました。特にアビキューにある彼女の家は、ビガ、滑らかな日干しレンガの壁、小道で幾何学的に直線的です。開いたドアと窓から自然光が差し込み、さまざまな形、線、色調が生まれます。これらの直線的な絵画は、ニューヨークの洗練されたモダンな高層ビルの彼女の絵画を連想させます。ニューメキシコでの違いは、彼女が窓の外で毎日見た自然なアーストーンの使用です。

ニューメキシコは現在でもアーティストを魅了していますが、ジョージア・オキーフの代名詞となっています。その雄大なメサと広大な風景の彼女の描写は、彼女の作品について神秘的であり、議論を生み出し続けています。

ジャクソン ポロックとリー クラスナーのイースト ハンプトン アート スタジオ

野原にいるジャクソン・ポロックとリー・クラスナー ウィルフリッド・ゾグバウム 、1949年、アメリカ美術アーカイブ、スミソニアン協会

ニューヨーク市のスカイラインは、イースト ハンプトンの平和な谷と小川のために渡されました。 ジャクソン・ポロック と リー・クラスナー .うつ病とアルコール依存症に苦しんでいたポロックは、要求の厳しい都市から離れた田舎に住むことを選びました。周囲の土地は、さまざまな野生生物や花が生息する草原や湿地でいっぱいでした。彼らはかつて漁師が所有していた家を選び、家と納屋をアートスタジオに改造しました。田園地帯は、空間の自由度を高めただけでなく、両方のアーティストに創造的な野心を広げる能力を提供しました。

アートスタジオ：ポロックのプロセスと備品

ジャクソン・ポロック ハンス・ナムス著、 1950年、ナショナル・ポートレート・ギャラリー、スミソニアン協会

納屋は、ポロックがニューヨークに比べて大規模な絵画を制作するためのより多くのスペースを提供しました。この例は、ペギー・グッゲンハイムがポロックに壁画を依頼したときです。伝えられるところによると、彼は大規模な絵に合わせてアパートの壁を倒しました。新たに獲得したスペースにより、彼はキャンバスを床に置くことができ、画像の周りを移動する余地がありました。このアート スタジオは、ポロックが写真家のために彼のペインティング テクニックを披露したスペースでした。 ハンス・ナムス 上記のように。

彼のスタジオでのジャクソン・ポロック ルディ・バークハルト 、1950年、アメリカ美術アーカイブ、スミソニアン協会

スペースは、彼が使用したさまざまな物資で満たされます。上の写真のように、絵の具の缶、太いブラシ、ぼろ布、その他の備品があります。彼が使用した家やエナメル塗料は非常に流動的で、彼の下の床に飛び散っていました.今日でも、堅木張りの床にはペンキの染みが残っています。ポロックは、スティック、古いブラシ、七面鳥のバスターなどの型破りな素材を使用してペイントしました。彼はまた、絵を描くときに岩、ガラス、ひも、または砂を使用していました。

イースト ハンプトンの景観の影響

ジャクソン・ポロック、ロングアイランド マーサ・ホームズ 、 1949年、ライフマガジン

自然界がポロックの仕事やプロセスにどれだけ影響を与えたかについては議論されてきました。ただし、ポロックがイースト ハンプトンに住んでいたときに作成したシリーズの多くは、自然に触発されたタイトルを持っています。などの作品を完成させた。 秋のリズム （30番）と ラベンダーミスト （番号 ＃）。彼のシリーズのタイトルは次のとおりです。 草の中の音 そしてその アッカボナック クリーク 彼の家の裏を流れる小川にちなんで名付けられたシリーズ。

季節 リー・クラスナー 、1957年、ホイットニー美術館、ニューヨーク

ポロックと比較して、クラスナーがインスピレーションの源として自然を使用したことはより知られています。リー・クラスナー 季節 ポロックの死後に彼女が描いた絵です。クラスナーは、ポロックの死後、納屋のアート スタジオを使用しましたが、床ではなく壁にキャンバスを貼り付けました。身振り手振りと有機的な人物像は、彼女が目撃したであろう季節の移り変わりを想起させます。などの作品を完成させました。 ミルクウールド 、 バードトーク 、 また 右鳥左 自然にインスパイアされた画像やタイトルを持つもの。

ポロックもクラスナーも、イースト ハンプトンで最も記憶に残る絵画をいくつか制作しました。その風景は、 ウィレム・デ・クーニング 、 ロイ・リキテンスタイン 、 と マーク・ロスコ .ジャクソン ポロックの複雑な生活との関連性から、今日でも観光客を魅了しています。

フリーダ・カーロの青い家

メキシコのコヨアカンにある彼女の家、ブルーハウスのパティオの外に座っているカーロの肖像 フローレンス・アルカン著、 195-?、アメリカ美術アーカイブ、スミソニアン協会

Azul de añil は、伝統的に悪霊を追い払い、住民を保護するために使用される明るいコバルト塗料です。これがカバーするものです フリーダ・カーロ 彼女が創り上げた楽園、カサ・アズール。鮮やかな色の壁が、その中心にある緑豊かなトロピカル ガーデンを保護しています。家には、フリーダが集めた物、植物、動物、芸術品がたくさんあります。これらのオブジェクトと彼女の家は、彼女の遺産と彼女の家、メキシコへの愛を表しています。

ベッドルーム: 現実のポートレート

彼女の寝室のフリーダ・カーロ バーナード・G・シルバースタイン 、1940年、デトロイト美術館

フリーダの寝室は、人生の大部分を過ごす場所でした。彼女は子供の頃にポリオにかかり、若い頃にバス事故で怪我をしたときに複数の怪我を負いました.フリーダの父と母は彼女に画材とベッドで使用する特別なイーゼルを与えました。彼女のベッドの上には、彼女が自画像を描くために使用する鏡がありました。

ザ・ドリーム (ザ・ベッド) フリーダ・カーロ 、1940年、プライベート コレクション

彼女の人生の終わりに向かって、彼女は再びベッドに閉じ込められました。これらの孤立した時間により、カーロは彼女を取り巻くもののイメージを描きます。これらには、彼女の家族、自分の寝室の物、そしてもちろん彼女自身が含まれます。実生活では、スケルトンのユダの人物がカーロのベッドの上に置かれ、絵に登場します。 夢 .死を思い起こさせるだけでなく、絶え間なく変化する生命のサイクルの象徴としても使用されました。

ディエゴとフリーダのコレクション

ユダの姿があるディエゴ・リベラのリビングルームのフリーダ・カーロ バーナード・G・シルバースタイン 、1940年、デトロイト美術館

フリーダと夫、 ディエゴ・リベラ 、メキシコの工芸品や民芸品を収集しました。これらには、小さなフィギュア、おもちゃ、 祭壇画 （小さな祭壇の絵）、メテペックの土偶、紙張り子で作られたユダの像（またはフィエスタの像）。これらの人物と家の中での配置はすべて、先住民族の芸術と文化に誇りを持とうとする彼らの情熱を表しています。これらのオブジェクトのコレクションは、 メキシコらしさ 、または祖先と遺産を祝う誇り高い行為。これらのオブジェクトは、フリーダと外の世界とのつながりも生み出しました。

庭: 家の再生

ピラミッド ミゲル・トバー著、 フリーダ カーロ ミュージアム

カーサ アズールがフリーダとディエゴの所有物になったとき、庭を含めて改装されました。フリーダは植物も集め、カサ アズールの中庭に取り入れました。特筆すべきは、庭園にあるピラミッド。これは、自宅でのディエゴの存在を明確に表す数少ない作品の 1 つです。ピラミッドはテオティワカンのピラミッドに基づいており、ヒスパニック以前の遺物を展示するために使用されています。庭にある他の植物には、マリーゴールド、サボテン、葉の多いヤシの植物、およびメキシコと中央/南アメリカ原産の他の熱帯植物が含まれます.

静物：ピタハヤ フリーダ・カーロ 、1938年、マディソン現代美術館

植物、花、果物/植生は、カーロの絵画に見られる一定のイメージでした。それらは、静物画、自画像の背景、または人間と植物のハイブリッドとして使用されました。植物が人間から成長したり、人間から植物が成長したりする彼女のイメージは、生と死の絡み合った関係を示しています。彼女は、上に示した絵のように、さまざまな絵でこのテーマを継続的に参照しています。

フリーダの絵画やオブジェクトのコレクションは、先住民族および現代のメキシコ文化に対する彼女の愛の例です。カサ アズールを定義するのは、メキシコとのつながりにつながりたいというこの願望です。それは彼女の人生とキャリアが始まった場所であり、彼女の遺産が今日も繁栄し続けている場所です.

ヴァネッサ・ベルとダンカン・グラントのチャールストンの家

ダンカン・グラント ゴッドフリー・アージェント 、1968年、ナショナル・ポートレート・ギャラリー、ロンドン（左）、および ヴァネッサ・ベル ダンカン・グラント 、1917年、ナショナル・ポートレート・ギャラリー、ロンドン（右）

の ブルームズベリーグループ ビクトリア朝時代の両親によって課せられた社会的制約を拒否するという集合的な理想に基づいて設立されました.これらのメンバーの芸術は、イギリスのサセックスにあるチャールストン ホームに勝るものはありません。家の中の壁、ベッドフレーム、暖炉、バスタブは塗装されていませんでした。家に住んで絵を描いた2人のメンバーは ヴァネッサ・ベル と ダンカン・グラント .彼らの家は、彼らのデザインアイデアの文字通りの現れであり、彼らの生き方に対する彼らの見解の表現でもあります.家は、彼らが拒否した伝統的な社会の制約から切り離された聖域です。

チャールストンの塗装面と装飾

クライヴ ベル スタディの塗装済みドア 、チャールストン・トラスト（左）と ガーデンルーム、 チャールストン トラスト (右)、イースト サセックス、イングランド

罰せられずに家の壁に絵を描くことは、子供たちの夢です。ブルームズベリー グループは芸術的自由のはけ口を発見することを恐れなかったので、この夢は実現しました。ベルとグラントの芸術的スタイルは、家の装飾にはっきりと表れています。家の中の部屋や物は、シンプルな形、大胆な色、表現力豊かな筆致で装飾されています。主題は、果物、花の静物、または人間の形にまで及びました。椅子、ラグ、ソファ、枕、ランプは、ベルとグラントによってデザインされ、その後、 オメガワークショップ .

ダンカン・グラント・スタジオ、暖炉、 チャールストン トラスト、イースト サセックス、イングランド

ベルとグラントは、ペイズリーや市松模様のパターンと、円、ストライプ、ドットの組み合わせを使用して、家のさまざまな部分にリズムを作り出しました。色の使い方は、マスタード イエロー、淡いスカイ ブルー、豊かなさび色のオレンジ、淡いミント グリーンなどさまざまです。家の中にはさまざまな色が使われていますが、それらはすべて統一されています。これは、彼らの一貫した表現スタイルによるものであり、色彩理論を巧みに使用していることの証です。

出会いと花でいっぱいの魅惑の庭

チャールストンの庭でダンカン・グラントとアンジェリカ・ガーネット 、チャールストントラスト、イーストサセックス、イングランド（左）、および アラムユリ ヴァネッサ・ベル 、1919年、コートールド美術館（右）

木々や果樹園のあるサセックスのイギリスの田園地帯が、ヴァネッサ・ベルをこの物件に引き寄せました。最終的に、ベルは庭を花でいっぱいにし、それが彼女の絵のインスピレーションの源となりました。庭は、ブルームズベリーのメンバー間の会議が行われる場所です。庭園の作成は、モネのジヴェルニーやカサ アズールのフリーダの庭園に似ています。それは芸術的なインスピレーションの源でしたが、猶予もありました。庭はベルの絵に影響を与えた アラムユリ 、チャールストンの家で見つかったものに似たオブジェクトのある静物を描いています。

チャールストンの家と庭は、人々が集まって独自に識別できるものを作り上げたものです。人々の絶え間ない出入りと絶え間なく変化する装飾から、チャールストンの家は依然として最終的に多くの人が共有する家です.

クロード・モネの庭園: 屋外アート スタジオ

ジヴェルニーの家の前のクロード・モネ 、1921年、オルセー美術館、パリ

彼の芸術家としてのキャリアの中であちこちに移動した後、ジヴェルニーが クロード・モネ 最後の家。ジヴェルニーの家の正面を飲み込むつるバラとつるがあります。鮮やかな緑のドアは、最前線にあるバラの花壇の鮮やかな赤と対照的です。彼の家の正面は、土地と庭の傑作を作成するモネの能力の始まりにすぎません。ジヴェルニーは、彼の最も有名な作品のいくつかのインスピレーションの源となり、今日でも視聴者を魅了し続けています。

ジヴェルニーの花園

ジヴェルニーのクロード・モネ 、1908年、デンバー美術館

モネは、植える花の種類や植える場所にこだわりました。彼は、バラ、チューリップ、ヒナギク、ヒマワリ、キツネノテブクロなどの最も一般的な花と希少種をブレンドした色で花をアレンジしました。彼の庭は豊かに育ち、花壇には木が垂れ下がり、家の壁にはつるバラが広がっていました。モネは自分の庭をまるで絵を描いているかのように扱いました。色は何よりも支配的であり、これらの色の組み合わせは細心の注意を払って計画されます。 彼の印象派の絵画 .

ジヴェルニーの芸術家の庭 クロード・モネ 、1900年、オルセー美術館、パリ

モネの庭園は、絵画と同じように見る人をモネの世界に引き込みます。彼の絵画のぼんやりとした筆運びと同様に、家がどこで終わり、庭が始まるのか、2 つが 1 つに溶け合っているのがわからない。例は絵画です ジヴェルニーの芸術家の庭 .この絵の鮮やかな紫色の花は、彼の家と木々のぼやけた緑の背景に対して焦点を合わせています。この絵でも、鑑賞者は花壇を意図的に配置して、絵の中に独特の形や色を作り出しているのを見ることができます。

日本橋と睡蓮の池

無題の写真、 デュラン=リュエル アーカイブス、アルバム No. Ⅲ 、 メトロポリタン美術館、ニューヨーク

モネは、藤、竹、菖蒲、そしてその下の睡蓮の池に囲まれた和風に橋を架けました。庭に独自のシーンを作成することで、特定のシーンに集中して勉強できる一定のスペースを確保することができました。モネの池の絵は、物体そのものよりも水の反射に焦点を当てていました。反射と没入のアイデアにより、モネはこの 1 つのシーンの複数の表現を作成しました。

日本の歩道橋 クロード・モネ 、1920-22、MoMA

日本の橋のこれらの解釈の 1 つが上の絵に見られます。 1920 年代までに、モネの色の使用とペイントの適用は、ジヴェルニーで変化しました。彼の色は、落ち着いた緑と青からエネルギッシュな赤と黄色に変わりました.彼の筆運びはあまり制御されておらず、線はキャンバス上に自由に配置されていました。これはモネの老眼のせいかもしれませんが、それにもかかわらず、この作品には彼の初期の作品と比較して目に見える変化がまだあります。

アート スタジオ: モネの睡蓮シリーズの作成

ジヴェルニーのアトリエでのクロード・モネ アンリ・マヌエル作、1920年

モネが絵画を制作したことで知られる 屋外 スタイル。彼はフランスの田園地帯を散歩したり、セーヌ川を下る船のスタジオに浮かんで外光の絵を描いたりしていました。しかし、スイレンを描いた大規模なパネル ペインティングのために、彼はアート スタジオに移動する必要がありました。モネがシリーズを始めたとき、彼は 60 代でした。そして、それらは彼がこれまでに取り組んだ中で最大のものです。

ジヴェルニーは何年にもわたって成長し、モネはそれとともに成長しました。彼は既存の庭園や果樹園を継続的に増やし、家から遠く離れることはありませんでした。彼のインスピレーションは常に遠くにあり、彼の最も有名な作品の作成につながりました。