フォトリアリズム: ありふれたものの熟達を理解する

フラットアイアンビルを映したバス リチャード・エステス 、1966-67年、ニューヨークのスミソニアン・マガジンとマールボロ・ギャラリー経由

フォトリアリズムは、1960 年代の北米で起きた急進的な芸術運動であり、画家が写真を細部まで写し取り、巨大で広大なカンバスに写し取るのを見ました。フォトリアリズム運動全体を通して、アーティストは、絵画と写真という 2 つの相反する媒体を新しい方法で結びつけ、それまでになかった見事な技術的妙技を絵画で示しました。

マルコム・モーリー、チャック・クローズ、オードリー・フラックなど、さまざまなアーティストがフォトリアルなスタイルを採用して、戦後の都市文化の輝かしい新しい顔を観察し、古いポストカード、乱雑な卓上、店頭の窓などの謙虚または平凡な主題を魅力的な芸術作品に変えました。 .しかし、何よりも、フォトリアリストの芸術運動は芸術史において重要な時期を告げるものでした。それ以来、写真素材は現代絵画の発展において重要な役割を果たしてきました。

カメラ: フォトリアリズムのための画家のツール

ロッテルダム前のSSアムステルダム マルコム・モーリー 、1966年、クリスティーズ経由

19年に発明されて以来番目世紀の写真は必然的に絵画の性質と役割に影響を与えました。人生の正確さを捉えることはもはや絵画の役割ではなかったので、絵画はまったく別のものになることができました。多くの人は、この変化が 19番目そして20番目-世紀の芸術さらに 抽象化の領域へ ここで、ペイントは好きなように動作できます。しかし、1960 年代初頭までに、多くのアーティストは、新鮮で新しいものを探す代わりに、絵の具を投げつけることにうんざりしていました。アーティストのマルコム・モーリーとリチャード・エステスを入力してください。英国の画家モーリーは、フォトリアリズムを探求した最初のアーティストとしてしばしば引用され、彼がスーパーリアリストと呼んだスタイルでまばゆいばかりの青い水の中をクルージングする牧歌的な遠洋定期船を特徴とするポストカードの詳細なコピーを作成しました。

ダイナー リチャード・エステス 、1971年、スミソニアン・マガジンおよびマールボロ・ギャラリー経由、ニューヨーク

モーリーの後を追ったのはアメリカ人画家のリチャード エステスで、1950 年代のダイナーの磨かれた窓から真新しい自動車の金属光沢に至るまで、ニューヨークの光沢のあるファサードを入念に描写してトレンドを追った。彼が採用した反射面は、絵画における彼の巧みな指揮の意図的なショーケースであり、フォトリアリズムに大きな影響を与えるようになりました。この新しいスタイルの絵画は、最初はリアリズムの伝統への回帰のように見えましたが、実際には未知の領域のまったく新しい領域でした.フォトリアリズムの作品を過去の非常に写実的な画家たちと区別したのは、出版物で概説されているように、写真画像に固有の性質を意図的に複製しようとしたことでした。 アート・イン・タイム : 1960 年代と 1970 年代のフォトリアリスト アーティストは、カメラに固有のビジョンの種類を調査しました。焦点、被写界深度、自然なディテール、写真の表面への均一な注意などです。

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フォトリアリズム、ポップアート、ミニマリズム

金物屋 ジョン・ソルト 、 1981年 、 ナショナル ギャラリー オブ スコットランド、エジンバラ経由

お気に入り ポップアート と ミニマリズム, フォトリアリズムは、1950 年代のヨーロッパとアメリカで、非常に感情的な言語に対する反応として出現しました。 抽象表現主義。 ポップアートが最初に登場し、酸っぱい明るい色とシンプルなデザインが注入された広告と有名人の文化のぎこちない魅力に生意気な焦点を当てて道を開きました.それに比べて、ミニマリズムはクールで洗練されたものでした。繰り返しのグリッド、ジオメトリ、制限された色を使用して、無駄を省き、洗練された抽象化を取り入れました。フォトリアリズム運動は、これら 2 つの要素の間のどこか中間で出現し、 ポップアートによる大衆文化 、そしてミニマリズムのクリーンで整然とした合理性。ポップアートの生意気な楽しみとは対照的に、フォトリアリストのアーティストは、人間の感情を欠いた皮肉で無表情な皮肉で平凡な主題を観察しました。 アンディ・ウォーホル アイコニックなポップモチーフ キャンベルのスープ缶、 1962年 ジョン・ソルトの金物店の窓の写実的な観察 金物屋 、1981年。フォトリアリズムはまた、還元的な単純さの純粋でクリーンな言語とは対照的に、物語やリアリストのコンテンツの要素をレンダリングすることにより、ミニマリズムと衝突しました.

一流アーティスト

'64クライスラー ロバート・ベクトル 、1971年、クリスティーズ経由

1970 年代初頭を通して、フォトリアリズムは勢いを増し、北米全体で大きな現象となりました。新しいスタイルのリーダーには、カリフォルニアのアーティスト、ロバート・ベヒトル、ラルフ・ゴーイングス、リチャード・マクリーンが含まれ、ニューヨークでは画家のチャック・クローズ、オードリー・フラック、トム・ブラックウェルが含まれていました。統一されたグループではなく、各アーティストが独立して作業し、独自の概念的枠組みの中でフォトリアルなスタイルにアプローチしました。ロバート・ベクトルは、資本主義の贅沢の究極の象徴として家族と信頼できる自動車の普通の郊外のシーンで広告の視覚的な図像を反映して、彼がアメリカの経験の本質と呼んだシーンを描きました。しかし、平らで光沢のあるベニアへの彼の焦点は少し完璧すぎて、この表面的なファサードの背後に闇が潜んでいることを示唆しています.リチャード・マクリーンもアメリカの生活の理想化されたビジョンを生み出しましたが、彼は郊外の無秩序な広がりの代わりに馬術や牛の主題を取り上げ、アメリカンドリームの真の象徴として、燃えるような太陽の中で賢いライダー、動物の調教師、光沢のある馬を記録しました。

メダリオン リチャード・マクリーン 、1974年、ニューヨークのグッゲンハイム美術館経由

ムーブメントが生まれる

ニュー リアリズム、スーパー リアリズム、ハイパー リアリズムなど、この急成長中の若いアーティストの雑多なクルーには当初、さまざまな名前が付けられましたが、それはニューヨークのギャラリストでした。 ルイス・K・マイゼル のカタログで「フォトリアリズム」という用語を最初に作り出したのは誰ですか？ ホイットニー美術館 エキシビション 22 リアリスト、 1970. このショーの成功に続いて、マイゼルはその後、1970 年代にフォトリアリズムのワンマン チアリーダーとしての地位を再構築し、自身のソーホー ギャラリーをフォトリアリズム アートワークのプロモーションに専念させました。フォトリアリストのアートワークがどのように見えるべきかを正確に詳細に説明します。フォトリアリスト運動のもう 1 つの画期的な瞬間は、1972 年にスイスのキュレーターが ハラルド・ゼーマン 全体を指揮した ドキュメント 5 と題されたフォトリアリスト スタイルのショーケースとしてドイツで 現実を問う – 今日の絵の世界、 写真スタイルの絵画を扱うなんと220人のアーティストの作品を特集しています。

彼らはどのようにそれをしましたか?

チャック・クローズによる大きな自画像、1967-68年、ミネアポリスのウォーカー・アート・センター経由

フォトリアリストのアーティストは、驚くほど正確な結果を得るために、さまざまな独創的で、時には独創的なトリックを探求しました。ニューヨークの画家チャック クローズは、いくつかの革新的な技法を組み合わせて、自分自身と友人たちの巨大で詳細な肖像画を作成しました。 1 つ目は、ポラロイド画像にグリッドを適用して一連の小さな構成要素に分解し、小さな部分を 1 つずつペイントして、目の前のタスクの巨大さに圧倒されないようにすることでした。彼は、この整然としたアプローチを「編み物」と比較しました。また、エアブラシで絵の具の要素を適用し、カミソリの刃でこすり落としてより細かい領域を定義し、電気ドリルに消しゴムを取り付けて、トーンのより柔らかい領域で実際に機能することさえしました。驚くべきことに、彼は彼の象徴的な 7 x 9 フィートを主張しています。 大きな自画像、 1967-68 は小さじ 1 杯の黒いアクリル絵の具だけで作られました。

第二次世界大戦 (虚栄心) オードリー・フラック 、1977年、クリスティーズ経由

対照的に、仲間のニューヨークのアーティストであるオードリー・フラックは、ペインティングのガイドとして自分の写真画像をキャンバスに投影しました。この方法で作られた彼女の最初の作品は ファーブ家の肖像画、 1970 年。プロジェクションを使用することで、彼女は手だけでは不可能なレベルの正確さを達成することができました。その後、フラックはエアブラシでキャンバスに薄い層のペイントを適用し、最終結果で手の痕跡をすべて削除しました。彼女の同時代の独立したスタイルとは対照的に、フラックの絵画はしばしばより深い感情的な内容に投資されました.などの作品 第二次世界大戦（虚栄心）、 1977年。

ハイパーリアリズム

ベンチの男 デュアン・ハンソン 、1977年、クリスティーズ経由

フォトリアリズム運動をきっかけに、1970 年代後半にハイパー リアリズムとして知られるようになったスタイルの新しい膨らんだバージョンが登場しました。フォトリアリストの被写体の一般的な機械的で孤立した目とは対照的に、ハイパーリアリズムは故意に感情的な被写体に焦点を当て、巨大なスケール、極端な照明、または物語の内容のヒントで被写体の畏敬の念と大きさを高めます。インディペンデント キュレーター、ライター、スピーカー バーバラ・マリア・スタッフォード テート・ギャラリーの雑誌のスタイルを説明 テート・ペーパーズ 人為的に強化され、現実の世界に存在していたときよりも現実的になるように強制されたものとして.

彫刻はハイパーリアル アートの特に重要な要素であり、特にアメリカの彫刻家デュアン ハンソンとジョン デ アンドレアのファイバーグラス ボディ キャストは、信じられないほどリアルな人物をポーズやシナリオに配置し、表面下の語られない物語をほのめかしています。現代オーストラリアの彫刻家、ロン・ミュエックは、近年、これらのアイデアを極端に取り入れ、感情的な影響を増幅することを目的としたシフトされたスケールで、人間の状態の複雑さを語るシュールな比喩的なエンブレムを生み出しています.彼の巨大な生まれたばかりの赤ちゃん 女の子、 2006年、長さ5メートルを超える長さで、子供を世に送り出すという奇跡的な驚異を演劇的なドラマで捉えています。

女の子 ロン・ミュエック 、2006年、オーストラリアのメルボルン国立美術館経由 アトランティック

フォトリアリズムの最近のアイデア

ルーピー ジェフ・クーンズ 、1999年、ビルバオのグッゲンハイム美術館経由

フォトリアリズムは 1970 年代に全盛期を迎えましたが、それ以来、スタイルのバリエーションはその後の数十年にわたって存続しています。 1990 年代に情報技術が爆発的に普及した後、アーティストの新しい波がフォトリアルな作業方法を採用しましたが、多くのアーティストは、コンピューター プログラムに創造的なデジタル編集の要素を導入することで、フォトリアリズム アート運動の文字通りの世界を超えて動き出しました。

無題 (海) ヴィジャ・セルミンズ 、1977年、サンフランシスコ近代美術館経由

アメリカのアーティストで ジェフ・クーンズ キッチュ、 Easyfun-Ethereal 作品を含むシリーズ ルーピー、 1999 年、彼は雑誌やビルボード広告からの魅惑的な切り抜きスニペットを特徴とするデジタル コラージュを作成し、アシスタント チームによって壁サイズの巨大なキャンバスにペイントで拡大されます。スペクトルの対極にあるアメリカ人アーティスト、ヴィジャ・セルミンズは、小さくて精巧に観察されたドローイングと白黒の紙のプリントを作成し、海の広大な広がりや星で満たされた夜空を、小さな繰り返しのマークと汚れで伝えます。制作の痕跡を明らかにします。

浅い死 に グレン・ブラウン 、2000年、ガゴシアン・ギャラリー経由、ロンドン

イギリスの画家、グレン・ブラウンはまったく別のアプローチをとっています。ハイパーリアリズムのシュールな言語に基づいて、コンピューターの画面で見ているかのように不自然な光のオーラで輝く表現主義の有名なアートワークのフォトリアルなコピーを作成します。他のアーティストのアートワークの写真をペイントでコピーするというブラウンの複雑なプロセスは、絵画を見て制作するという私たちの経験が、今日のデジタル体験とどれほど密接に絡み合っているかを明らかにしています。