ミニマリズムとは？ビジュアル アート スタイルのレビュー

2000年の彫刻 ウォルター・デマリア 、1992年、LACMA経由

ミニマリズムは、私たちが今認識しているように、現代美術を一変させました。 1960 年代から主に音楽と美学に焦点を当てていた彫刻家の祖先であるドナルド ジャッド、ロバート モリス、ソル ルウィットは、創造的な解放の後、数十年にわたる探求に向けてボールを転がし始めました。この歴史的概要は、時代を超えたその変容を詳述しています.

ミニマリズムに影響を与えたのは誰ですか?

No. VI / コンポジション No. II ピエト・モンドリアン 、1920年、テート経由、ロンドン

モダニズムの還元主義的傾向は、用語が具体化するずっと前にミニマリストの基礎を築きました。ニューヨーク市は最終的に 20 世紀半ばにこのジャンルの人気を生み出しましたが、その起源は 1915 年にさかのぼります。 ブラックスクエア . ウラジーミル・タトリンとともに、ロシアの指導者たちは、新しいテクノロジーを日常生活に融合させることに特に関心を持ち、一般的なオブジェクトをコンパイルして、芸術を真の形に削ぎ落としました。絵画はもはや三次元社会の客観的な鏡としての役割を果たしたのではなく、表面がそれ自身の物理的限界を克服する方法を探求する自己言及的な対象としての役割を果たしました.オランダの抽象主義者であるピエト モンドリアンのような他の先駆者たちは、シンプルでありながら力強い絵画でキャンバスの平面性を照らし出し、1920 年代を通じてこの実践を続けました。彼のような初期の抽象作品 第6号（1920年） 比喩的な技法を排除し、現実を一連の幾何学的形態に還元したいというこの世代の欲求を明らかにします。

スクエアへのオマージュ ヨーゼフ・アルバース 、1959年、グッゲンハイム美術館、ニューヨーク経由

これらの先駆者たちは、アーティストであることの意味を客観的に再評価するきっかけとなりました。これは主に、1920年代の絶賛に起因する可能性があります マルセル・デュシャン、 芸術は感情によってのみ動機づけられるべきであるという考えに反対した。彼は、すべての革命的な芸術は、視聴者に権力のシステムをさらに探求させ、それによってより深い意味を明らかにするべきだと信じていました. 1937 年、プロト ミニマリストの彫刻家コンスタンティン ブランクーシは、ルーマニアに旅行し、高さ 98 フィートの彼の作品を建てることで、この概念をテストしました。 エンドレスコラム 、 倒れた地元の兵士に敬意を表して菱形の塔。その後、画家ヨーゼフ・アルバースは、ブラック マウンテン カレッジでの在職期間を通じて幻想的な絵の深さを強調することで、現代美術教育におけるミニマリストの考えを固めました。彼の 広場へのオマージュ (1950) 実験的なデザイン研究で確立された、対照的な色、形、および影を通して、これらの重要な信条を実証します。それに続いて、カラーフィールドの画家アド・ラインハルトと マーク・ロスコ すぐに別の新しいビジュアル スタイルの先頭に立って、美的シンプルさと着色されたパレットを強調しました。

ミニマリズムはいつ始まった？

16人のアメリカ人のインスタレーションビュー に Soichi Sunami 、1959年、MoMA経由、ニューヨーク

元のミニマリストは、周囲の世界をより文字通りに描写することを意図していました。芸術は自分自身だけを参照するべきだと信じており、多くの人が絵画から彫刻や印刷に移り、技術を向上させました.一般的に最初のアメリカ人ミニマリストと見なされているフランク・ステラは、1959 年に彼の有名な 黒い絵。 MoMA の精力的な展示 16人のアメリカ人 この一連の縞模様のキャンバスは、ギザギザの木製フレームの上に張られ、 ウィレム・デ・クーニング そしてフランツ・クライン。人間の痕跡がまったくないステラの抽象化は、主観的な意思決定を欠いて、完全にフラットで無表情で大胆なままでありながら、与えられた空間の特徴を引き継いでいます。彼はこれらの基本的な黒い絵をずさんに、しかし確信を持って確保し、それらのオブジェクトであることを公言しました 誇らしげに。彼の象徴的な 1964 年 見積もり その後、世界中のミニマリストの理論的なマントラへと発展しました。

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1964年グリーンギャラリー展

無題 に ドナルド・ジャッド 、1963年、ジャッド財団経由、ニューヨーク

1 年以内に、ニューヨークのグリーン ギャラリーで先見の明のあるクリエイティブなラインナップが開花しました。キュレーターのリチャード・ベラミーが重要な展示シリーズをコーディネート 新作 さまざまなメディアで新進気鋭の声をパレードします。商業用合板で作られたロバート・モリスは、 無題（コーナーピース）（1964）、 新しい視点から空間をフレーミングします。その間、 そしてフラビン 彼の伝説的な蛍光状況を明らかにし、日常的な素材が上流社会に雄弁に浸透できることを証明した反応.フラビンズ ゴールド、ピンク、レッド、レッド（1964年）、 ミニマリスト史上初の床の作品は、展示されている他の電気芸術作品の中に立っていました。扇動者 ドナルド・ジャッド 彼はまた、1 年も経たないうちに、彼の印象的な作品で本格的な彫刻家としてここでデビューしました。 無題 (1963) 、その短い占有期間中に合計 5 つのショーに出演しました。しかし、グリーンで交流したにもかかわらず、これらのパイオニアの誰も実際に自分たちをミニマリストと名乗っていませんでした。主要な学者は、この記念碑的な運動を説明するための新しい語彙を考案することに専念しました。

ミニマリズムに関するエッセイ

1 つと 3 つの椅子 に ジョセフ・コスート 、1965年、MoMA経由、ニューヨーク

1960 年代半ばに発表された重要なエッセイは、最終的に一般的なミニマリスト パラダイムを確立しました。 1965 年、ドナルド ジャッドは論文を発表しました。 特定のオブジェクト 、 その間、彼は実際に宗派のミニマリズムを拒否しました。代わりに、彼は、ジャンルは特定のオブジェクトとして認識されるべきであり、絵画や彫刻だけに簡単に分類されない芸術的カテゴリーであると主張した.通常、ミニマリストはこれら 2 つの媒体を斜めに融合させ、伝統的なヨーロッパの慣習を覆して、 現象学 . (この哲学的研究は客観的な真実よりも主観的な経験を重視し、芸術作品への反応が文脈によってどのように異なるかを強調しています。) また、ほとんどの研究者は、3 次元のオブジェクトを可能な限り忠実に複製し、工業用ツールやかさばる不適合な構成によって作者を根絶することに重点を置いていました。手順とは対照的に、受胎に対するこの関心の高まりにより、ミニマリズムも同時に出現しました。 コンセプチュアル アート。 Joseph Kosuthのようなマイルストーン 1 つと 3 つの椅子 (1965) 十年の問題を宣言した : アートなのか、物なのか、それともどちらでもないのか?

一次構造 ユダヤ博物館にて

一次構造物の展示風景：アメリカとイギリスの若い彫刻家たち 、 1966年、ユダヤ博物館経由、ニューヨーク

ミニマリズムは 1966 年に全盛期を迎えました。その年、ユダヤ博物館は、 一次構造、 40 人以上の著名なアーティストの大ヒットショーケース。地下道で区切られた 10 のギャラリー スペースで構成されたこの展示会は、その期間の早い段階からメディアでも好評を博しました。慎重にキュレーションされた壁には、比較的著名なトニー・スミスとソル・ルウィットによる最近の作品が展示されていました。 無題 (1966) 、 彼の後の作品を予言する木製の床の彫刻。 一次構造 また、Anne Truitt のような新進のクリエイティブを立ち上げ、 海の庭 (1964) 、後に彼女の大規模なインスタレーションで知られる.エルスワース・ケリーのような、ミニマリズムとカラーフィールドの頂点にある絵画 ブルーディスク（1963）、 も登場しました。そうすることによって、 一次構造 個々の部分を検討するのではなく、まとまりのあるコンセプトを前面に出し、ギャラリースペースのアイデアを永遠に変更しました。理想のアーティストはもはや単に創造するだけではありません。今、これらの夢想家はデザインに着手しました。

全身塗装 グッゲンハイムで

ローレンス・アロウェイ 全身塗装のインストール 、 1966年、グッゲンハイム美術館、ニューヨーク経由

他の機関は、この伝統を急速に模倣しました。 1966 年 9 月、グッゲンハイムは 全身塗装 、 ハードエッジやシェイプド キャンバスのようなアメリカのアート フォームの合体。ニューヨークの最高の才能のこのプレゼンテーションでは、幾何学的な抽象化が優先されましたが、ミニマリズムの説明はそのカタログ全体に欠けていました.この決定がいかに意図的であったとしても、展示されているアーティストは疑いなくミニマリストに見えました。ニール・ウィリアムズの ビリー・ボーの服装習慣 (1966) フランク・ステラのものに垂直に吊るされた ウルフボロ4世 (1966) ハイ ギャラリーには、相互に依存するラインナップの 2 つの宝石があります。この頃、西洋の展示スペースも全体的に変化し、古典的な美術館が業務を拡大していました。 アートホール、 現代的なギャラリー スペースに対するドイツの解釈は、ローテーションに基づいて管理され、ヨーロッパ中に出現し始めました。生協のような ニューヨークのアーティストスペース イノベーターが独自の仮説を表現するためのプラットフォームを継続的に提供しました。結果として得られたレビューは絶賛され、ミニマリズムが真に変わる可能性があるものに対する一般の認識を高めました.

ポストミニマリズムへの移行

無題 (Lビーム) に ロバート・モリス 、1965年、ホイットニー美術館、ニューヨーク経由

1960 年代後半までに、ミニマリズムはさまざまな理論に分岐しました。ロバート・モリスが率先して 彫刻に関する注意事項 1-3 、 彼の 1966 年のエッセイは、仲間が追求するための正式な枠組みを示しています。特に彼が評価したのは ゲシュタルト心理学、 これは、順序付けられた全体がそのコンポーネントの合計よりも大きいと仮定します。モリスは、規則化された単位や対称的な間隔を必要とせず、知覚的分離に対する最大の抵抗を生み出すために、一緒に結合されたパーツを強調することによって、この意味を完全に明確にしました.この前提を以前にテストして、彼はこれまでで最も注目すべき彫刻を実現しました。 (無題) (Lビーム)。 3 つの同一の L 字型の多面体が異なる位置でバランスを取り、互いに依存しながら、さまざまなサイズを知覚するように視聴者を欺きます。 （毎回異なるアセンブリがありました。）後で、彼はまた、パーツの配置が物の物理的存在の文字通りの側面であると仮定しました。妥協のない素材へのこの高い魅力は、後にポストミニマリズムと呼ばれるものの舞台を設定しました。

重要だがほとんど価値のない物体を含む埋もれた立方体 に ソル・ルウィット 、1968年、ノーショーミュージアム経由、チューリッヒ

ミニマリズムが別の段階に開花する一方で、その弟子たちはそのルーツを明らかにしました。ソル・ルウィットは、1967 年にエッセイを配布したときに、モリスのモデルをさらに発展させました。 コンセプチュアル アートの段落。 ほとんどの人が運動の公式マニフェストであると考えており、彼は芸術作品がどのように見えるかはあまり重要ではないと断言しました.むしろルウィットは、それが最終的にどのような形をとろうとも、それはアイデアから始めなければならないと信じており、それはアーティストが関与する構想と実現のプロセスであると宣言しました.これらの原則は、彼の重要な 40 年間のキャリアを通じて彼に従いましたが、彼は 1968 年にミニマリズムを完全に放棄したと主張しました。 重要だがほとんど価値のない物体を含む埋もれた立方体 、 文字通り、地元の庭に立方体を埋めています。今日、過ぎ去った時代の終焉を告げる、このはかない出来事の写真だけが残っています。ルウィットはそれを著者の立場の死と名付けました。

新世代のポストミニマリスト

スパイラル桟橋 に ロバート・スミッソン 、1970年、ホルト・スミソン財団経由、サンタフェ

1970 年代初頭までに、ミニマリズムはいくつかの独立したアーティストの支流に発展しました。先祖ジャッドとモリスに影響を受けたプロセス アーティスト リチャード・セラ そのサイトスペシフィックな彫刻 シフト (1972) 屋外と屋内の慣習を融合させたポスト ミニマリストの好奇心を示しています。彼は初めて荒野に足を踏み入れましたが、車輪を完全に発明したわけではありません。同胞のロバート・スミッソンが編纂した スパイラル桟橋 2年前、6000トンの黒い岩からできた渦巻き状の構造物。ウォルター・デ・マリアのような他のランド・アーティストも、この時流に乗った.そんな中、新生 ブルース・ナウマン 彼のネオンで屋外の照明設備にパーレイすることによって、フラビンに敬意を表した ラ・ピッチ (1972) . ただし、すべての批評家がこの創造的な流行を喜んだわけではありません。歴史家のマイケル・フリードは、 アートフォーラム 1960年代後半 、 アートではなくイデオロギーを推し進めているミニマリストを非難する。フリードはミニマリズムの重要性を認めた一方で、ミニマリズム固有の演劇性も避けていました。地平線上で必要な計算が始まりました。

アートにおけるフェミニスト革命

一人では私たちは無力 一緒なら私たちは強い See Red Women's Workshopによる 、1976年、ヴィクトリア＆アルバート美術館経由、ロンドン

反乱は 1974 年にすぐに起こりました。 レオ・カステリ・ギャラリー 、裸のロバート・モリスが金の鎖で覆われた胸を膨らませ、 撮影した ナチス時代のヘルメットをかぶる。以前に公民権運動に参加した抗議者たちは、この偏見のある肖像画に正当な怒りを覚え、画像の想起を求めました.特に、多くの反対者は女性であり、その後、ジェンダーと人種の平等というより広い問題に焦点を当てるようになりました.その後に続いたことは、驚異的なドミノ効果としか言いようがなく、現代の業界の隅々をひっくり返しました.フェミニズムの第 2 波に同調した女性アーティスト 通りに連れて行った ギャラリーをピケするか、 博物館 不当な行為を助長すると考えられています。すぐに、女性だけのマストヘッドが次のような雑誌を創刊しました。 異端、 Linda Nochlin のような論文 なぜ偉大な女性アーティストがいなかったのか 地球を回った。私たちは強いと一緒に宣言するフェミニストのチラシは、多様性に富んだ未来を描きました.

ディナーパーティー に ジュディ・シカゴ 、1974年、ブルックリン美術館経由

やがて、このフェミニストの不屈の精神は芸術の中に現れました。先駆者たちは、退位を目指して、男性が支配するポスト・ミニマリストの分野に反対するキャンペーンを行った パワー アンバランスと残虐性。ジュディ・シカゴは、このチェイスのキャプテンを務めました ディナー・パーティー (1974) 、 儀式の饗宴を描いた陶器の彫刻。ここでは、歴史上の著名な女性を表すランチョンマットの横に、金の聖杯と陶器で彩色された磁器が置かれ、典型的な家庭の領域を再利用しています。 (シカゴは フェミニスト スタジオ ワークショップ と 女性の建物 手作り、クラフトベース、象徴的な構成も、現状を打破したいという願望から生まれました。リンダ・ベングリスは同時に樹脂を流し込んで製作する実験を行った 肉を食べて (1975) 、 その間 エヴァ・ヘッセ ラテックス、ファイバーグラス、プラスチックを通じて同様の利益を達成しました。ナンシー・グレイブスは、動物の皮と骨の切れ端を彼女の尊敬されるシリーズで使用しました ラクダ (1968) と 化石から (1977), 彫刻はとてもリアルで、ほとんど不思議です。ミニマリストのモノリスを解体する取り組みが、その後の数十年間で定着しました。

晩年のミニマリズム

無題 に ドナルド・ジャッド 、1991年、MoMA経由、ニューヨーク

それでも、乙女のミニマリストが完全にレーダーから外れたわけではありません。ジャッドは 1994 年に亡くなるまで働き、アルミニウムとエナメルの両方に型破りなツールを使用しました。の 無題 (1980) 、 彼は、細部にまで気を配りながら、スチール、アルミニウム、パースペックスを使用して以前のスタック モチーフを再生成しました。次に、ジャッドは、エナメルの床の彫刻に 5 つのカラフルな柱を配置しました。 無題（1991）、 構成上の焦点の痕跡を消し去ります。ウォルター・デ・マリアを装着 2000年の彫刻 1 年後にチューリッヒで、クンストハウス全体に 2,000 個の多角形の石膏棒を配置しました。その後、ルウィットは次のような落書きの絵に目を向けました Wall Drawing #1268 (2005), 彫刻のようにギャラリーの壁に直接レンダリングされます。モリスは 1970 年代に比喩的な作品に切り替えましたが、必然的に彫刻に戻りました。 青銅の門 (2005), イタリアの庭のパビリオンを分割するコルテン鋼のアーチ。彼は最後の1つを記念しました 見せる 2018年に亡くなる前、レオ・カステッリ・ギャラリーにて。

今日のビジュアル アートにおけるミニマリズム

壁の絵 #1268 ソル・ルウィット 、2005年、The Albright-Knox Art Gallery経由、バッファロー

今日、ミニマリズムは、シンプルさを表す口語として最もよく使われています。必要なものだけを取り除いたこのジャンルの余波は、家の装飾から自動車、映画製作、さらには執筆にまで及びます。しかし、芸術の分野では、ミニマリズムは間違いなく、人類の歴史の急進的な時代の記憶を呼び起こします。自由のための前向きな戦いは、今日でも多くの人が戦っています.これは意図的ではなかったかもしれませんが、女性、有色人種、およびその他の疎外されたグループが実際にテーブルに座ることができる、より民主的な芸術時代の到来を告げました.ミニマリズムはまた、典型的なメディア間の障壁を打ち破り、同時にアーティストと視聴者の両方の経験に革命をもたらしました.そうすることで、その後継者たちは、かつて影響力のある批評家によって支配されていた、戦後のアメリカの優勢な芸術的ヒエラルキーを効果的に解体しました。 クレメント・グリーンバーグ。 これらの影響は決して元に戻すことはできません。しかし、1960年代に最初の反乱を求めた反逆的なミニマリストにとって、おそらくこれがまさにポイントです.