芸術のために芸術を作った 4 人のビクトリア朝時代の芸術家

詳細はこちらから 炎のジューン フレデリック・レイトン卿、1895年。と デイドリーム ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ作、1880年

芸術のための芸術という言葉は単純に聞こえるかもしれませんが、この 4 つの言葉は、ビクトリア朝時代のロンドンでまったく新しい芸術運動の先駆けとなりました。芸術のための芸術は、フランス語のスローガンの英訳として生まれました アートのためのアート . 1860 年代に、この概念は ウォルター・ペイター 、影響力のある英国の美術評論家。彼の作品は、美学運動の基礎を築くのに役立ちました。美学運動は、芸術のための芸術をモットーに、前衛的なビクトリア朝時代の芸術家、職人、詩人の多様なグループを結びつけました。

芸術のための芸術: 背景

ウォルター ペーターは、美術史のエッセイやビクトリア朝時代の芸術と文学の評論で華麗な散文を使用したことで有名でした。彼の作品はしばしば焦点を合わせた 美への欲求、芸術のための芸術への愛、 そして彼は、最高の芸術があなたにやってくると率直に公言して、過ぎ去るあなたの瞬間に最高の品質を与えるだけだと頻繁に説教しました。これらの哲学は、名門の何世紀にもわたる伝統と直接矛盾していました。 王立芸術アカデミー ビクトリア朝時代の社会規範。

白の交響曲第Ⅲ番 ジェームズ・アボット・マクニール・ウィスラー 、1865-67年、バーバー美術研究所経由、バーミンガム

19 世紀の英国では、主流の文化が厳格な道徳を規定していました。アートは主に、倫理的、政治的、社会的、または宗教的なメッセージを表現するために使用されました。一方、王立アカデミーは依然として芸術のヒエラルキーを教えていた。 クラシカル そして高い イタリアのルネッサンス 主題とスタイル。芸術のための芸術の概念に基づいて構築された美的運動は、芸術家がその本質的な価値を超えて自分の作品を正当化する必要はないと主張して、これらすべてを打倒することを目指しました.

さまざまな分野のクリエーターが芸術のための芸術を信条として採用したのは、この文化的文脈の中でした。 ラファエル前派 、率いる美的運動の画家 ジェームズ・アボット・マクニール・ウィスラー 、 のインテリアデザイナー アーツ・アンド・クラフツ運動 によって導かれて ウィリアム・モリス 、およびによって率いられた肉学校の詩人 アルジャーノン・チャールズ・スウィンバーン .彼らは皆、自分たちが選んだ媒体は、教訓的または功利的な機能から離れて存在することを許されるべきだと信じていました.絵画の領域では、主題と物語はもはや関連性がなく、当時としては革新的なアプローチでした。芸術のための芸術は、これら 4 人の著名なビクトリア朝時代の芸術家による貢献を含む、エキサイティングな新しいジャンルの芸術を生み出しました。

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1. ジェームズ・アボット・マクニール・ウィスラー: 視覚の詩

灰色と黒のアレンジ No. 1 (芸術家の母の肖像) ジェームズ・アボット・マクニール・ウィスラー 、1871年、パリのオルセー美術館経由

ウィスラーは美学運動のリーダーの一人となったアメリカ生まれの芸術家でした。ウィスラーは学術的な環境で特に優れた成績を収めたことはありませんでしたが、ウィスラーはパリで 印象派 その後、ロンドンに定住し、ビクトリア朝時代の前衛芸術家と交流しました。これらの影響から、ウィスラーは芸術のための芸術が本当に普及する道を開くのを助けました。

ウォルター・ペーターは次のように主張しました。 すべての芸術は常に音楽の状態を目指しています。 ウィスラーも、音楽は芸術のための芸術の最も模範的な形式であるという考えに惹かれました。これは、歌詞のない音楽作品、つまり決定的な物語や主題がない音楽作品は、その美しさだけで評価できるからです。ウィスラーは確かに視覚芸術でこの効果を達成することを熱望しており、彼の絵画に主題にちなんでではなく、次のような音楽用語で名前を付けました。 調和 、 配置 、 ノクターン 、 と 交響曲 .彼の型にはまらないネーミングスタイルについては、 ウィスラーは説明した 音楽が音の詩であるように、絵画も視覚の詩であり、主題は音や色の調和とは何の関係もありません。

ウィスラーの母親の悪名高い肖像画でさえ、何よりも色と形の美的配置です。それは口語的には芸術家の母の肖像としてのみ知られていますが、正式なタイトルは— グレーとブラックのアレンジNo.1 —この絵は落ち着いた色の美的構成にすぎないことを示唆しています。

Nocturne: Blue and Gold — 古いバタシー橋 ジェームズ・アボット・マクニール・ウィスラー 、約。 1872-75年、テート経由、ロンドン

同様に、ウィスラーは、彼が呼んだシリーズで、夜の霧のテムズ川のシーンを頻繁に描いた。 ノクターン .各 ノクターン 非常にフラットでシンプルな構図、単調なカラーパレット、幅の広い半透明の筆運びが特徴です。最終結果は、見慣れた場所の従来の風景画ではなく、光と色の夢のような視覚効果です。ヴィクトリア朝時代の鑑賞者は、これらの絵画の一見未完成の外観と不明確な主題にショックを受けました。 訴訟 が続いた。

2. アルバート・ムーア：のんびり贅沢

ドリーマーズ アルバート・ムーア 、1882年、バーミンガム博物館と美術館、バーミンガム経由

若いアーティストとして、ムーアは アンティーク彫刻 .彼は何時間も研究とスケッチに費やした エルギン・マーブルズ 、古代ギリシャの彫刻のコレクション パルテノン ロンドンの大英博物館で。彼の学力と 新古典主義様式 彼は王立芸術アカデミーの展示スペースを彼に与えました。

ムーアは、さまざまな休息とリラクゼーションの状態にある女性像の退廃的な構図でよく知られています。通常、想像上の非常に装飾的な古典的な設定の中でポーズをとっています。王立アカデミーが推進するタイプの芸術とは異なり、ムーアの絵画には歴史的な物語や識別可能なメッセージは含まれていません。女性像は主題として存在するのではなく、美的構成の多くの要素の1つとして存在します。彼らの正体や顔の表情は意図的にあいまいにされていますが、巧みに表現されたボディ、ファブリック、テクスチャ、調和のとれたカラー パレットは、贅沢でありながらゆったりとした効果を実現するために、多くの装飾的なディテールを組み合わせたムーアの才能を示しています。

ザクロ アルバート・ムーア 、約。 1875年、ギルドホール アート ギャラリー、ロンドン、アート UK経由

実際、彼の絵画のほとんどは、 ザクロ 、花や果物などの美しいもの、または時間帯や季節にちなんで名付けられました。これらのタイトルは、物語や主題を説明するものではなく、絵画の中で最も注目すべきオブジェクトを呼び出すものでもありません.代わりに、絵画が達成しようとしている全体的な装飾効果を強調しています。ムーアの絵画のすべての部分は認識可能な形を表していますが、すべてのオブジェクトと人物は、特定の特徴から抽象化されているため、その美しさで楽しむ美的構成を完成させるためだけに存在します。これは、芸術のための芸術の代表的な例です。

3. ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティ: 官能的なポートレート

デイドリーム ダンテ・ガブリエル・ロセッティ 、1880年、ヴィクトリア＆アルバート博物館経由、ロンドン

画家であり詩人でもあり、 ロセッティ 彼の非常に装飾的な女性の肖像画で知られています。その多くには、フレームに詩が刻まれているか、構図に含まれています。ロセッティは、ラファエル前派の兄弟団の創設メンバーであり、それ以前の中世のインスピレーションの源に惹かれていました。 ラファエル 、ロイヤル アカデミーのお気に入り オールドマスター ルネサンスの画家。ロセッティはまた、ウォルター・ペーターが 絵詩、 または、物語を語る代わりに、描画と色によって完全な表現を達成する芸術作品。

ロセッティは生前、作品を公に展示することはあまりありませんでしたが、彼のスタジオを訪れた訪問者が彼の大胆な革新の言葉を広めたため、彼の評判は高まりました。彼はまた、さまざまな女性のミューズと付き合っていたことでも有名でした。ロセッティは、力強く角張った特徴、ボリュームのあるヘアスタイル、魅惑的な存在感を持つ女性に特に惹かれました。 ヴィクトリア時代の繊細で慎ましい女性の理想。

キスした口 ダンテ・ガブリエル・ロセッティ 、1859年、ボストン美術館経由

キスした口 ロセッティの特徴的な単一人物の肖像画の最初のものでした。同名のイタリアのことわざに触発され、その抜粋が実際にキャンバスの裏に刻まれています。 キスした口 ロセッティのミューズ、モデル、時には愛人を描いています。 ファニー・コーンフォース .この絵では、コーンフォースと彼女の周囲が混ざり合って美的効果を生み出しています。彼女の印象的なオレンジ色の髪、ビロードのような緑色の服、金色のアクセサリーが、背景のフラワーアレンジメントと前景の華麗なテキスタイルと融合していますが、どちらも不自然に平らになっています。全体としての構成の重要性をさらに強調します。認識可能な場所、物語、人、または期間はありません キスした口 —それは単なる美の対象です。

4. フレデリック・レイトン：ビクトリア時代の古典主義

母と子（さくらんぼ） フレデリック・レイトン 、1865年、Blackburn Museum and Art Gallery経由

レイトンは、古典にインスパイアされ、学術的に訓練されたスタイルにより、生涯にわたって商業的に成功しました。彼はフィレンツェとパリで絵画と彫刻を学び、その後ロンドンに定住し、さまざまなビクトリア朝時代のアーティストと交流し、 豪邸 彼自身のために。ロンドンのアートシーンの周辺にとどまっていた他の美学運動のアーティストとは異なり、レイトンは王立芸術アカデミーの正会員となり、その会長を務めさえしました。そこで、彼は施設内から芸術のための芸術の概念を促進することができました.

炎のジューン サー・フレデリック・レイトン 、1895年、ポンセ美術館、Google Arts & Culture経由

レイトンのキャリアの中で最も偉大な絵画と考えられている、輝かしい 炎のジューン アーティストの死後、公の場から姿を消した後、1960年代に再発見されました。その間 炎のジューン 人体解剖学におけるレイトンのアカデミックなトレーニングを示していますが、彼は表現のルールを微妙に曲げて、説得力のある幻想ではなく、装飾的なツールとして女性の姿とシーンの残りの部分を利用しています。女性の姿の記念碑性は、足を伸ばして家具をいっぱいにし、ドレープの燃えるような色合いとダイナミックな動きを誇張することで強調されています。

アルバート・ムーアのゆったりとした女性のように、 炎のジューン の安らぎは、彼女を受動的で、おそらく夢のような装飾シーンの無生物の一部にさえします。レイトンは三次元空間で後退する人間の姿を完璧に描くことができたでしょうが、 炎のジューン 芸術のための芸術への彼の関心が、学問的技法や歴史的参照としてではなく、順応性のある美学としての古典主義の理解をどのように刺激できるかを示しています。

芸術のための芸術の遺産

ジェームズ・ウィスラーによると 、芸術はすべてのクラップトラップから独立しているべきです—独立していて、目や耳の芸術的感覚に訴えるべきです. 芸術のための芸術に対する共通の信念を実践し、伝統的な教訓芸術の枠を超えて挑戦することによって、これらの 4 人のビクトリア朝時代の画家は、 20世紀のモダニスト 今後数十年にわたり、アートの限界をさらに押し上げるために。