日本の着物の進化：古代から現代へ

Woodblock print by Utagawa Kunisada 、1847-1852年、ヴィクトリア＆アルバート博物館経由、ロンドン

和装の歴史において、着物は常にダイナミックな役割を果たしてきました。伝統的な文化的価値観を完全に具現化するだけでなく、日本人の美意識も反映しています。和装の場合、着物と体の関係がなく、基本的にどの着物も同じサイズです。着物の最大の特徴は、1枚の布で作られたシンプルな構造のまっすぐな縫い目であるということです.歴史を通じて、日本の着物は社会政治的状況や技術の発展に応じて変化してきました.社会的地位、個人のアイデンティティ、社会的感受性の表現は、日本の着物の色、模様、素材、装飾を通して表現されます.

奈良時代：日本の着物の最初の登場

張玄によって新しく織られた絹を準備する宮廷の女性 、ボストン美術館経由

奈良時代 (710–794)、日本は中国の唐王朝とその服装習慣の影響を強く受けていました。当時、日本の宮廷の女性は、現代の衣装に似た足首のローブを着るようになりました。 着物 .このローブはいくつかの層があり、2 つの部分で構成されていました。上部は非常に長い袖のパターンジャケットで、下部はウエストにドレープを垂らしたスカートでした.しかし、日本の着物の祖先は日本の平安時代 (794-1192) にさかのぼります。

平安時代 (794 – 1185)

Kanjo: A Court Lady by Torii Kiyonaga 、約。 1790年、メット・ミュージアム経由、ニューヨーク

この時期、日本ではファッションが盛んになり、美的文化が生まれました。平安時代の技術的成果は、直線カット法と呼ばれる新しい着物製作技術の創造に力を与えました.この技術により、着物はどんな体型にも適応でき、どんな天候にも適していました.冬の間は着物を厚めに重ね着して暖かさを提供し、夏の間は軽量のリネン生地で着ることができます.

時が経ち、着物を重ね着することが流行するにつれ、日本の女性は、さまざまな色や模様の着物がどのように組み合わされるかを理解し始めました.一般に、モチーフ、シンボル、色の組み合わせは、着用者の社会的地位、政治的階級、性格特性、および美徳を反映していました。伝統の 1 つは、上流階級のメンバーのみが着用できるというものでした。 6月～冬 、 または「12層のローブ」。実際、これは高価な色とシルクのような輸入生地で作られていました.と呼ばれるローブの最も内側の層 kosode 、 下着としての役割を果たし、今日の着物の起源を表しています。庶民は派手な色の着物を着ることを禁じられていたので、簡素な着物を着ていました。 kosode スタイルの衣服。

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鎌倉時代: 日本の着物の武士の美学 (1185–1333)

Chiyoda Castle by Yōshū (Hashimoto) Chikanobu 、1895年、ニューヨークのメット博物館経由

この時代、和装の美学は平安時代の贅沢な装いから、より簡素な装いへと変化していきました。 侍階級の台頭 権力の座に就き、皇帝の宮廷での皆既日食が新しい時代の幕開けとなりました。新しい支配階級は、この宮廷文化を取り入れることに関心がありませんでした。しかし、武士階級の女性は、平安時代の宮廷の正装に触発され、教育と洗練を示す方法としてそれを改革しました.茶会や集まりでは、将軍の妻などの上流階級の女性が白を着ていました. kosode 5層のブロケードで力とステータスを伝えます。彼らは前任者の基本的な小袖を保持しましたが、倹約と実用性のしるしとして、多くの層を減らしました.時代の終わりに向かって、フルカットの赤いズボンと呼ばれる 同じように 上流階級の女性や宮廷で着用されるようになりました。下層階級の女性は着ることができませんでした パンツも 上流階級の女性の、 代わりに、彼らはハーフスカートを着用して、 kosode その場に留まりました。

室町時代: 着物の花 (1336–1573)

菊と藤の花束の打掛 、ニューヨークのメット博物館経由。と みかんと折り紙の蝶が描かれた外衣（打掛） 、ニューヨークのメット博物館経由

この時期、ワイドスリーブのレイヤーは次第に放棄されました.女性は白だけを着るようになった kosode, さらに明るくカラフルでした。新しいバージョンの kosode が作成されました: katsugu と uchikake スタイル。最初のものは kosode ベールのように頭にかぶる 2番目 武士階級の女性の間で人気のある、追加の層を持つ伝統を思い出させるものです.しかし、最大の変更点は 女性のファッション この期間に放棄された 同じように 女性用パンツ。小袖をきつく締めるために、小袖と呼ばれる幅の狭い飾り帯を発明しました。 心臓 .

The Azuchi-Momoyama Period (1568–1603)

菱川師宣 二人の恋人 、約。 1675–80年、ニューヨークのメトロポリタン美術館経由

和装が優雅な姿を見せるこの時期。安土桃山時代初期の衣裳とは劇的な変化があり、着物一点一点がキャンバスのように扱われていました。職人と職人は、中国から生地を輸入することなく、織りと装飾の新しいスキルを解き放ちました.

誰の袖？たがそで 、桃山時代（1573–1615）、メット・ミュージアム、ニューヨーク経由

これらは江戸時代初期までに、 製糸と刺繍の新しい技術 すでに普及しており、商人クラスが新興国を養うことができました ファッション業界 .

江戸時代 (1603–1868)

アンナ・エリザベス・ヴァン・リード ジェラルド・ホート 、1678年、ヴィクトリア＆アルバート博物館経由、ロンドン

の 1600年代初頭 前例のない平和、政治的安定、経済成長、都市拡大の時代でした。江戸時代の人々は簡素で洗練された着物を着ていました。スタイル、モチーフ、生地、技法、色が着用者のアイデンティティを説明しました。着物は、非常に高価な天然の上質な生地で仕立てられ、手作りされていました.このように、人々は着物をボロボロになるまで利用し、リサイクルしました。ほとんどの人は、リサイクルの着物やレンタルの着物を着ていました。

下層階級に属する一部の人々は、絹の着物を持っていませんでした.支配階級の武士階級は高級着物の重要な消費者でした。当初、これらのスタイルは、一年中江戸に住む武士階級の女性だけが利用できました.しかし、江戸時代に和装を作ったのは彼らではなく、商人階級でした。彼らは、商品に対する需要の増加から最も恩恵を受けました。そのため、彼らは豊かさだけでなく、自信の高まりを表現するために新しい服を求めました.

江戸では、日本の着物は非対称で大きな模様が特徴でした. kosode 室町時代の武士の女性が着用していました。大規模なモチーフは小規模なパターンに取って代わられました。既婚女性の和装の場合、着物の身頃に袖が縫い付けられており、おしゃれなテイストの象徴でした.それどころか、若い未婚の女性の着物は、大人になるまでの「子供」の状態を反映して、袖が長くなりました.

Women strolling in the garden of the Kacho teahouse in Edo by Utagawa Toyokuni 、1795-1800年、大英博物館経由、ロンドン

下層階級の女性はボロボロになるまで着物を着ていましたが、上流階級の人々は自分の着物を保管して保管し、新しい着物を注文することができました.着物はより価値のあるものになり、両親は家宝として子供たちに受け継いでいきました。着物は、17 世紀から 19 世紀後半にかけて日本に存在した娯楽、娯楽、ドラマの世界である「浮遊世界」とつながっています。 歓楽街吉原、 江戸で栄えた大衆文化の拠点となった。

Nakano Street in the Yoshiwara by Utagawa Hiroshige II 、1826-69年、木版画、ヴィクトリア＆アルバート美術館経由、ロンドン

吉原の一大行事の一つに、新しい着物を着た最高級遊女の行列がありました。有名遊女や 歌舞伎役者 江戸の歌舞伎座も含めた芸者のように。娼婦は、今日のインフルエンサーやトレンドセッターと同様に、ファッションのアイコンであり、そのスタイルは普通の女性によって賞賛され、コピーされました.最もエリートで、 人気のある娼婦 鮮やかなデザインの特別な着物を着ました。

鳥居清長作 隅田川遊覧船 、約。 1788–90年、ニューヨークのMet Museum経由

江戸時代、日本は鎖国政策として知られる厳格な鎖国政策を実施しました。のオランダは だった日本での貿易を許可された唯一のヨーロッパ人であったため、彼らは生地を日本に持ち込み、日本の着物に取り入れました.オランダは日本のメーカーにヨーロッパ市場向けの特別なローブを作るよう依頼した. 19世紀半ば 日本は開港を余儀なくされた 外国への輸出につながり、着物をはじめとする日本製品が欧米に輸出されるようになりました。日本の絹商人は、この新しい市場をすぐに利用しました。

和装と明治時代 (1868–1912)

帯付ローブ 、1905 – 15、ヴィクトリア＆アルバート博物館経由、ロンドン

明治時代、日本のファッションは 西洋の基準 、西洋との日本の貿易発展の後。日本の主要な港が開港し始めたとき、着物からより西洋的な着こなし方法への移行と日本の着物を着た男性の減少が始まりました.その結果、西洋からさまざまな技術や文化が輸入されました。

の大きな部分 洋服の洋装化 軍服から来ました。日本政府は、大英帝国のプロの軍事スタイルを支持して、過去の武士のリーダーシップから離れたいと考えていました.政府は今度は軍服から着物を禁止した.羊毛などの西洋貿易の素材と合成染料による塗装方法は、着物の新しい要素になりました.日本社会のエリート女性はまた、西洋社会からのより高価で高級な衣服を望んでいました.

20世紀初頭の日本の着物は本当に ヨーロッパのファッションに影響を与え始めた .斬新で大胆なデザインの着物が登場。日本人は、外国人向けの着物として知られていたものを生産し始めました.日本人は、ヨーロッパの女性が帯の結び方を知らないことに気づいたので、同じ生地の帯を衣服に付けました.また、彼らはペチコートとして着用できる着物に余分なパネルを追加しました. 20 世紀半ばには、洋服が日常の標準として採用されました。着物は人生の節目の時だけに着る衣服になりました。

若い女性の着物（振袖）、 1912-1926年、カリリ コレクションより

既婚女性の最もフォーマルな服装は、結婚式などのイベントでの細袖の着物です.既婚女性は未婚女性とは異なる着物を着ます。独身の女性は、フォーマルな場で目を惹く片袖の振袖を着ます。背中上部と袖には家紋があしらわれています。細い袖は、それを着ている女性が結婚していることを象徴しています。このような細袖の着物がフォーマルになったのは20世紀初頭で、西洋のフォーマルな装いに影響を受けた傾向がうかがえます。

日本文化と西洋近代美術

グスタフ・クリムトの扇を持つ女性 、1918年、ウィーンのレオポルド美術館経由

多くの画家の中でも、 グスタフ・クリムト 日本の文化に魅了されました。彼はまた、女性像を描くのが大好きでした。これらの特徴は両方とも彼の作品に見られる 扇子を持つ女性 .着物のような鮮やかな色の和服を着て、扇子を持った姿もゴージャスです。道 日本美術は西洋美術に影響を与えた 年間を通して、他の多くの場所で見ることができます 印象派のアーティスト お気に入り クロード・モネ 、 エドゥアール・マネ 、ピエール・ボナール。

戦後から現代までの日本の着物

ジョン・ガリアーノの着物姿のアンジェラ・リンドヴァル 、2007年春夏コレクション、ヴォーグ誌より

第二次世界大戦後、人々は生活を立て直そうとしていたため、日本人は着物を着なくなりました。彼らは、体系化された衣装になった着物ではなく、西洋風の衣服を着る傾向がありました.人々は、人生のさまざまな段階を示すイベントに着物を着ていました.結婚式では、式典には白の着物を着て、その後の祝賀会には豪華な色の着物を着るのが依然として一般的でした.

の中に 第二次世界大戦後の連合国の占領 、日本文化はますますアメリカナイズされました。これは、歴史的な技術が衰退し始めることを恐れた日本政府にとって懸念事項でした. 1950 年代には、織物や染色の特定の技術など、文化財の保護を可能にするさまざまな法律が公布されました。女性、特に若い女性が着る着物は、豪華な装飾が施されたもので、 博物館と個人のコレクション . 美しい着物を集めて絵本を出版 それらについては、明治の終わりから第二次世界大戦の間の素晴らしいスポーツでした.

ここ数年、日本では着物の真のルネッサンスがありました.多くのファッション デザイナーは、日本の着物の形からインスピレーションを受けています。イヴ・サンローラン、川久保玲、クリスチャン・ディオール、アレキサンダー・マックイーン。時代を超越した着物は、フレディ・マーキュリー、マドンナ、ビョークなど。奈良時代から現代に至るまで、日本の着物は国内外で再発明され、ファッションの歴史の中で魅力的な位置を占めてきました.